domingo, 13 de abril de 2014

Entrevista a Narcoiris

“Somos una banda que hace canciones” 




La sabiduría del antropólogo Carlos Castaneda depositada en el texto fundamental “Las Enseñanzas de Don Juan” habla de los 4 enemigos naturales que el ser humano debe atravesar en su corta existencia: el miedo, la claridad, el poder y la vejez. Sobre el primero de estos conceptos, el trío con bases en Avellaneda tomó impulso para lanzar recientemente su tercer registro de estudio “El Primer Enemigo del Hombre” a través del sello Venado Records. En esta oportunidad charlamos con Mariano Bertolazzi, bajista de la banda, quien nos adentró en este nuevo material, pero las palabras se fueron uniendo y tomando vuelo para llegar a temáticas como el romanticismo por los discos, el sonido de los 70`s, su proyecto paralelo y otras interesantes cuestiones que vale la pena recorrer.

“Finger [Fernando Figueiras, guitarra y voz] tenía una banda que se llamaba Killing Devotos hace como 10 años y entré a tocar ahí. Luego se fue Leo, el batero, que es el que ahora está tocando conmigo en Viaje a Ixtlán y cambiamos el nombre a Narcoiris. Pasaron un par de bateristas, hasta que conocimos a Bonzo [Sebastián Romani, batería] en 2007 aproximadamente, que tocaba la viola en Sudamerican. Él también tocó en grupos como Stonerwitch, Buffalo y Humo del Cairo”, aclara el panorama Mariano, sobre el génesis de Narcoiris.

“El Primer Enemigo del Hombre” lo grabaron en junio de 2013, ya pasaron varios meses. ¿Cómo lo ves ahora? 

Creo que en este disco está mejor reflejado lo que es Narcoiris. Los otros dos también me gustan, pero este lo siento más propio, tal vez porque compuse un poco más que en los anteriores. No es que hay dos tipos siguiendo a la persona que trae una canción, sino que hay un poco de cada uno. Siento que hay mucha más unión entre los temas, es más terrenal.

Una lástima que no hayan incluído las letras. 

Eso fue intencional, en el afán de hacer algo diferente a los anteriores que sí las traían. En este disco lo que hicimos también fue mezclar las voces un poco más arriba, para que queden bien al frente, que se entienda. Si las letras no están, no te queda otra que escucharlas en el disco.

¿Qué significado tiene para Narcoiris haber editado en formato físico? 

La única manera de terminar la obra es cuando tengo el disco en la mano. Nosotros participamos en todo el proceso de fabricación y eso lleva un montón de tiempo, obligaciones y darle para adelante. Terminamos de grabar y de mezclar, nos llevamos el mastering y ahí empezamos a laburar con el arte. Hasta que no tengo el disco en mi casa, no le doy bola. Recién cuando completamos todo, pude escucharlo bien de punta a punta. Es medio romántico, pero me parece que la posta está ahí. El arte se despliega en cuatro caras, queríamos hacer algo así, grande, triangular, está bueno. Subirlo a internet también está bárbaro porque lo escucha y descarga un montón de gente, de los anteriores tuvimos reseñas de varios lugares del mundo, pero yo creo en la edición física. Todo tiene que volver, no puede ser todo pasajero, todo virtual, todo en internet. Eso tiene que cambiar.

Editar en vinilo es casi imposible, ¿no? 

Estoy escuchando vinilos hace dos o tres años, me gusta mucho el audio que tienen y el arte bien grande, está buenísimo, aunque editar en ese formato es muy caro para nosotros. Lo bueno que tiene el vinilo es que te obliga a prestarle atención, porque a los 20 minutos tenés que levantarte a darlo vuelta para seguir escuchando. Te obliga a generar un espacio físico y dedicarle tiempo. Eso con el mp3 no pasa.

De este nuevo trabajo, el instrumental “Maten al Niño” me gustó mucho… 

Narcoiris tiene muchos temas instrumentales, podríamos armar un disco entero entre los tres que editamos. Pero a este tema lo siento super argentino, me da esa sensación. A mí me gusta mucho Piazolla, él tiene cosas muy argentas y este tema me representa eso. Más allá del stoner rock que siempre remite a lo que pasa afuera, al cuelgue y la instrumentación, yo lo siento muy de acá.

¿Escuchan otro tipo de música aparte de rock?

El que escucha más música es el Bonzo, le gusta desde Pantera hasta Patti Smith. Finger es bastante abierto también. A mí me gusta mucho Pink Floyd, Led Zeppelin, Black Sabbath y termino siempre rebotando en eso. Tengo un par de discos de Kyuss, me gusta Sungrazer, Colour Haze también. Nos cabe el sonido setentoso, Pescado Rabioso, Invisible. Cuando la cosa se pone medio metalera, todo bien, pero paso de largo.

Si bien Narcoiris está encuadrado dentro del stoner rock, con todo lo bueno y lo malo que ello implica, noté tanto en el disco como en directo, que hay un espíritu 70´s, ese sonido al cual te referís. No hay metal ni guitarras y bajos ultra saturados. ¿Coincidís? 

Los audios que venimos usando son bastante crudos, de pedales no usamos casi nada, enchufamos derecho al equipo. Finger por ahí tiene algún que otro efecto, pero es palo y a la bolsa. Nos gusta el sonido primitivo, bien de las cavernas. Por eso el sonido de Narcoiris está asociado al rock de los 70`s. Esa es la idea. 

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“Todo tiene que volver, no puede ser todo pasajero, todo virtual, todo en internet. Eso tiene que cambiar”.
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Me parece que hay muchas bandas, cada vez más se generan nuevos espacios, incluso los mismos grupos están organizando sus propios ciclos. La tragedia de Cromañon parece haber quedado atrás, con lo cual es sumamente positivo. Pero también hay un sonido bastante homogéneo. Dentro de este mapa, ¿dónde está parado Narcoiris y a dónde lo quieren llevar? 

Estamos tratando de abrir un camino nuevo. No salir de la movida, no corrernos, pero si un camino propio porque a veces es medio confuso, hay un montón de lugares que tienen su propia gente y queremos tratar de ver cuál es el público de Narcoiris. No dividirnos ni abrirnos, sino de encontrar ese lugar del que hablás. Este año vamos a tocar menos que los anteriores, la idea es espaciar las fechas. Calculo que entre junio y julio de este año vamos a estar presentando el nuevo material oficialmente. Creo mucho en la independencia. Lo ideal sería dedicarse a esto a tiempo completo, en vez de laburar 10 horas por día, podrías estar tocando, componiendo, grabar mejores discos, tendrías más tiempo para escuchar música, probar mas audios. La idea es la autogestión. Por ejemplo, de las ventas de “Temporal” pudimos recuperar lo que invertimos y lo pusimos en este nuevo trabajo para mejorar el sonido. Eso es lo que queremos.

¿Qué onda con Viaje a Ixtlán, tu proyecto paralelo?

Siempre hay una guitarra en casa y compongo cosas. De repente me encontré que tenía 3 temas y las quería “demear” para no perderlas. Así que hablé con Pato Claypole del Attic y le dije que quería grabar algo simple, rápido, tirar 4 micrófonos, meter las criollas y los bajos todo en un día. Así que fui y lo hice. Más adelante grabé otra tanda de temas con un poco más de producción y quedó un disco de 7 tracks. Los temas son todos míos, pero no estoy solo, sino entre amigos. Participan Leo, el batero que tocaba con nosotros en Killing Devotos, Finger y El Bonzo. Viaje a Ixtlán [NdR. Nombre que también hace referencia a otro texto de Castaneda] es la parte que no encontramos en Narcoiris, la más colgada, hay más zapada acá. El disco terminó saliendo por S.A.S Records, el sello de Sergio Ch. [Los Natas, Ararat], quien metió un par de violas también.

¿Hay alguna filosofía o mensaje que quieran reflejar en Narcoiris?

No, cosas para decir no. Finger escribe sobre cuestiones que pasan en el planeta, no hay mensajes directos. Hay una filosofía en cuanto a que su manera de pensar y ver las cosas, están reflejadas en las letras de Narcoiris. Si le prestás atención a un tema como “Revolución”, te vas a dar cuenta que es super “bolche”, está en contra de todo. La verdad no la tiene nadie, hay puntos de vista diferentes pero todo termina cruzándose en algún lugar. No podría tocar con alguien que no esté de acuerdo en lo que dice, en lo que piensa. “Infierno” también es rockero y muy melancólico, él vuelca muchas cosas que le pasan personalmente, sean positivas o negativas. Pero no hay un mensaje directo.

¿Son una banda de canciones?

Si, 100%. Dentro de todos los riffs y los pasajes largos, si te ponés a buscar, hay canciones. Tienen despliegues instrumentales grandes y estrofas cortas, pero siempre hay un formato de canción. En el disco nuevo hay varias con estribillo, siempre hacemos hincapié en eso, en qué decir, cómo decir y en cómo cantar. La música instrumental nos gusta tocarla, pero le damos más bola a esto, a las melodías. Somos una banda que hace canciones.

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#Foto 1 por Gimena Cuenca.
#Foto 2 pertenece al archivo de Venado Records.
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domingo, 23 de marzo de 2014

Entrevista a PÁRAMO

"Páramo es aislamiento y catarsis" 




"Vivo en un piso 18, así que desde la terraza veo toda la ciudad y esa es una buena vista para escuchar Páramo. Ver la ciudad de lejos y de noche está bueno. Si se pudiera escuchar mientras te sumergís en el agua, creo que sería una buena experiencia”. Entre las altas construcciones, los árboles y las brisas oscuras que vienen del río, existe un lugar alejado que deviene en melodías profundas e introspectivas, bajo el nombre de Páramo. En una extensa charla con Fernando Suarez, guitarra y voz de la banda, hablamos sobre su primer disco que se llama “Uno” [2013, vía Zann´s Music], las escenas en Buenos Aires, el straigh edge, el punk, Fugazi, entre otras yerbas. Sin duda, uno de los proyectos más interesantes del underground local.

Lo primero que me llamó la atención del grupo fueron las atmósferas, los climas, como muy viscerales y emotivos. ¿Qué influencias tienen y qué es Páramo como banda? 

Influencias hay muchas. En primera instancia, hay bandas que nos gustan mucho a los cuatro, como Lungfish, Jesu, Bardo Pond, Screaming Trees, My Bloody Valentine, Pelican. Todos escuchamos música variada y de juntar todo eso, sale lo que sale. En términos más abstractos, para mí Páramo tiene una cosa introspectiva, es el lugar alejado que está dentro de uno mismo, por eso el disco se llama “Uno”, no sólo porque sea el primero. Los primeros ensayos de Páramo fueron zapadas y lo que salía iba para ese lado, la música llevaba a ese tipo de imágenes y sensaciones. Javier y Martín [baterista y guitarrista, respectivamente] venían de tocar en una banda que se llamaba Joseph Merrick, yo venía haciendo hardcore y noise rock en Tzara y tenía ganas de bajar las revoluciones, hacer música que no fuera tan frenética, donde pudiera cantar más tranquilo.

“Uno” ya tiene poco más de un año, ¿están componiendo nuevos temas? ¿Tienen pensado grabar?

Si, la idea este 2014 es grabar. Ya tenemos 8 temas nuevos, la idea general sigue siendo la misma, pero viene un poco más abierto. Hay temas que son más cancioneros y otros más oscuros y pesados. Algunos tienen más texto y otros son directamente instrumentales. Las letras son en inglés, desde los 14 años cuando empecé a componer temas, porque es lo que más me gusta como suena y porque probablemente el 95% de la música que escucho está en inglés. Recientemente se editó un compilado en vivo de lo que fue el Zann´s fest, donde 2 de los 3 temas son nuevos. [podés escucharlos pinchando acá].  
 

¿Cómo te llevás ahora, a los 34 años, con las escenas? 

No me llevo. Siempre hubo y siempre va a haber circuitos y bandas underground. Ahora, una escena, no sé bien qué es. Si tiene que ver con un grupo de bandas que hagan música similar o ideas tipo políticas, filosóficas. Afuera es más fácil reconocerlas, porque justamente uno está por fuera de eso, por ejemplo la escena de Dischord Records. Acá hay bandas que puedo sentir una afinidad musical y estética como por ejemplo Uroboros, que no se parece a Páramo, pero nos llevamos bárbaro, entonces debería decir que están en la misma escena que nosotros. En última instancia, tiene que ver con la gente que interactúa. Si se trata de que hay que sonar de determinada manera, ya no me parece tan interesante. En Buenos Aires hay escenas hardcore, tienen sus sellos, organizan shows, se mueven, pero es difícil encontrar bandas que musicalmente no se repitan, aún si esas bandas existieran, ese mismo público no les daría bola. La idea de que haya demasiada uniformidad me da desconfianza. No me siento parte de ninguna escena. Dentro del hardcore hay una escena straight edge bastante marcada, hay cuestiones más allá de la música que comparten las bandas, sobre todo viniendo del punk, a diferencia de la movida stoner, donde sería algo estrictamente musical. No lo veo como algo malo, sino que no me interesa.

¿Qué hay de la escena straight edge? 

Es complicado. No soy SxE pero desde la primera vez que Ian Mackaye saca el tema, me parece interesante. Me gusta como idea inicial eso de no dar las cosas por sentado. En esa época, si eras punk, era como que si o si tenías que ser un borracho o estar drogado. Lo más valioso es que no es así, puedo ser punk y no necesariamente estarlo. Pero no me gusta cuando las cosas se vuelven un dogma, entonces es como que ser SxE, en vez de ser alguien que piensa por su cuenta, es alguien que sigue determinadas reglas. Entonces no me interesa. Pero si tengo que elegir entre un extremo u otro, prefiero éste que el del rockero típico.

¿Cuáles son las metas de Páramo en cuanto a pretensiones como grupo?

A mí, personalmente, me interesa tocar música. Plata no nos interesa ganar, y aún cuando eso nos importara, no la ganaríamos. Me gustaría tocar en vivo, grabar, ensayar, eso. Soy músico, no soy publicista ni estudié marketing, no sé cómo se hace para vender discos. Si hay gente que le gusta la banda, buenísimo, nos ponemos todos contentos pero probablemente si nadie nos escuchara, lo haríamos igual.

Creo que el lugar en donde uno vive, influye en todo lo que uno hace. Si tuvieses que explicárselo a alguien que esté alejado de la ciudad, ¿cómo es hacer música en Buenos Aires?

El tema de vivir en la ciudad, personalmente, me predispone de otra manera, hay una carga sensorial que hace necesario una especie de catarsis. En ese sentido, en Páramo, por un lado hay distorsión y al mismo tiempo, está eso de aislarse de la ciudad, apagar un poco todo ese caos y meterse para adentro. Pero también lo hacemos a volumen fuerte, y eso para mí es urbano. Si hubiese nacido en un lugar rural, probablemente mis gustos musicales serían diferentes. Creo que hay una relación entre vivir en la ciudad y escuchar música que tenga cierto grado de ruido, de agresión. Por eso Páramo, para mí, es aislamiento y catarsis.

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“Páramo tiene una cosa introspectiva, es el lugar alejado que está dentro de uno mismo”.

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Me gustaría que me cuentes sobre ese disco que te hizo un click y te cambió la vida, en cómo te llegó y en qué circunstancias.

Hubo varios. El primero que me acuerdo, siendo un niño, a los 7, 8 años fue “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band” de Los Beatles, que lo tenían mis viejos. Fue mi primer acercamiento a la música, que me interesara escuchar con atención, incluso las letras y enterarme cosas de la banda. Más de grande, como a los 13, “The Real Thing” de Faith No More me abrió la cabeza. Venía de los primeros pasos de escuchar metal y hardcore, bandas como Slayer, Metallica, Black Flag y fue darme cuenta que toda la música podía coexistir, que no había una única forma de intensidad. Había leído sobre la banda en revistas de rock y metal de había en esa época, fue el primer CD que me compré.

¿Viste a Fugazi cuando vinieron a Argentina? [22 de agosto de 1997 en Super Club]. 

Si, fue impresionante. Es mi banda preferida de siempre. Sacando lo extramusical, Fugazi me pone la piel de gallina. En términos de manejar un grupo de rock, en términos éticos, si se quiere, para mi Ian Mackaye es como un modelo. Uno podría enumerar, el tema de la creatividad es una cuestión importante, que la interacción es entre seres humanos, hay varias anécdotas de ese tipo. Hablaba a la gente de igual a igual, las relaciones no son entre músico y público, somos personas. El tema de los precios bajos de las entradas, de que las ideas políticas las demostraban en las acciones más que en las palabras, esas cuestiones me parecen interesantes. Para mí es como una guía, dentro de lo que se puede trasladar a estar viviendo en Argentina, que es diferente a vivir en Washington DC.

¿Páramo es una banda punk? 

Una vez lo hablamos con los chicos y les dije, medio en joda, que para mí Páramo era punk lento. Por supuesto que me dijeron de todo [risas]. Personalmente, soy un músico punk, aún cuando el día de mañana haga un disco de jazz. Hacemos música simple, no son canciones complicadas, no tienen muchas partes, los riffs no son intrincados, así que algo punk, para mí, hay. Pero por otro lado, también es cierto que las letras no son abiertamente políticas, son más bien abstractas, con lo cual alguien podría decir que no lo somos.

¿Entre los discos de qué bandas guardarías ”Uno”? 

Lo pondría en algún lugar entre los discos de Lungfish, Jesu y Bardo Pond. Entre ellos estaría bien.

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#Podés descargar de manera gratuita el disco desde http://paramobuenosaires.bandcamp.com/
#Fotos pertenecientes al archivo de la banda.
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miércoles, 19 de marzo de 2014

CICLO VENADO EDICIÓN MARZO 2014@ Club V

Fecha: Sábado 15 de marzo de 2014.
Lugar: Club V, Corrientes 5008, C.A.B.A.
Bandas: Mondo Dromo, Gripe, Colvero y Narcoiris.

Marzo es el mes del retorno a la actividad. Luego de unas largas vacaciones, volvimos al ruedo en nuestro séptimo año consecutivo pateando la ciudad en busca de guaridas, música y nuevas experiencias. En tiempos donde marcas de cerveza, gaseosa y celulares actúan como imanes de bandas y público, industrializando la cultura, enlatándola como si el arte fuera sardina o atún, la gente de Venado Records sigue dando continuidad a sus ciclos mensuales en este 2014, generando un espacio autogestionado y libre de aditivos para los más inquietos, para los que no se conforman tan fácilmente.


Mondo Dromo fue el acto de apertura. Este nuevo proyecto incluye al trío Bhutan [Andrés Gargiulo en guitarra y voces, Francisco Badano en guitarra y Martín Tarifeño en bajo] más Santiago Soto de Ruta del Desierto en batería. Es prematuro y hasta en algunos casos inexacto el juicio que puede trazarse sobre música en su primera escucha, pero lo que si puedo afirmar es que esta banda no tiene nada que ver con el drone que ejecutan en Bhutan. Mucho más “accesibles” y “digeribles”, Mondo Dromo toma un sendero, al menos lindante, con el stoner rock. Pero atención con esto, porque la imagen que crea cada uno sobre tal o cual género, construye prejuicios y/o preconceptos que tienden a llevar a otro terreno lo verdaderamente importante que, en definitiva, es la música. Brant Bjork de “Jalamanta” y el primer QOTSA se aparecieron como fantasmas mientras sonaban, así como también flashes de la carretera manejando hacia las montañas de la Patagonia argentina. Rutero por momentos, espacial por otros, Mondo Dromo sería el anfitrión en cada ciclo. Veremos en los futuros directos cómo crece esta criatura.





Con la madrugada en pañales y con las ondas expansivas de Sleep, Wino y Electric Wizard rebotando en las paredes de Club V, Gripe presentó nuevos temas de su inminente próximo EP que sería editado bajo el nombre de “La Revolución Permanente”. Grabado por ellos mismos, contará con 5 nuevos tracks mezclados por Gonzalo “Pájaro” Reinoldi [Humo del Cairo, Narcoiris, Persona, entre otros]. El adelanto que colgaron en bandcamp “Bromuro de Pancuronio”, con el cual decidieron cerrar su set de casi 40 minutos, es una evidencia del sonido pesado, riffero y emotivo de la banda. A pasos lentos pero firmes, Gripe se consolida en la oscuridad para poder iluminar el camino en cualquier momento. A seguirlos de cerca y sacar sus propias conclusiones.





Si el Rosedal de Palermo fuera un gran pantano con monstruos onda “Creature from The Black Lagoon”, Colvero definitivamente sería el soundtrack de los ataques a las chicas con rollers y diseñadores de indumentaria. Formados de las cenizas de Las Cruces [Si, igual que el grupo doom de Texas], este cuarteto de la ciudad capital formado por Martín Garde [Guitarra], Mat Schverdfinger [Voz], Justino Riobo [Batería] y Emi Garcia Narbaitz [Bajo] tiene un disco editado en 2013 llamado “Ciclo II”, donde el rock oscuro, denso y pesado como el lodo, con algunos tintes sonoros característicos de los estados del sur de USA, es el que manda. 5 mazazos en 35 minutos fueron suficientes para mostrar la sorprendente potencia de Colvero en directo. Pueden descargar este material de manera gratuita desde http://colvero.bandcamp.com/





Eran casi las 3:30, cuando Narcoiris se plantó sobre el escenario de Club V. Celebrando la reciente edición de su segundo larga duración llamado “El Primer Enemigo del Hombre” vía Venado Records, el trío inició su set list con “Temporal” y “Revolución” ambos extraídos de su primer disco. Narcoiris es un grupo que logró despegar del resto de los de su especie gracias al arsenal de canciones [si, canciones] que remiten al rock de los 70`s, cuando al blues narcótico de “Danzed and Confused” de Led Zeppelin todavía no lo habían convertido en stoner rock. Amén del extremo paralelismo, Narcoiris pertenece a nuestra generación y han sabido dar con las arterias correctas para darle frescura a un género que cada vez más parece hallarse en una duna donde ya no sopla el viento ni se arrastran las serpientes. Como Buenos Aires no es Palm Springs, así como tampoco fue Nueva York en los 90`s, las nuevas “Llega el Mar”, “Dinero 1970” y el instrumental “Maten al Niño” se convierten en marca registrada, dejando una impronta particular en cada una de las piezas, forjando así lentamente una identidad, una evolución natural. Sobre el final, “Infierno”, “Desierto” y “Voy a Salir” concluyeron, cerca de las 5 am, una presentación notable de Narcoiris que ha editado una gran disco y que seguramente significará un paso muy importante en el destino de la banda.
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#Fotos por Maximiliano Posse.
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sábado, 2 de noviembre de 2013

Entrevista a NADJA

Nadja es un dúo canadiense de ambient drone, un mundo caótico en cámara lenta, un experimento tan fascinante como retorcido que tuvo una importante repercusión a nivel underground que lo llevó a atravesar fronteras. Tuvimos la oportunidad de intercambiar unas palabras con Aidan Baker, cerebro de Nadja, quien visitará Buenos Aires el próximo 4 de diciembre junto a su compañera de viajes musicales y pasionales Leah Buckarref,  más los créditos locales Bhutan y Stilte [que juntan sus fuerzas por primera y única vez en directo] y Dronevil.





“Somos originarios de Toronto, Canadá, pero ahora vivimos en Berlín, Alemania y hemos tocado por todo el continente europeo por diferentes países. Hacer música nos inspira, es como un circuito de retroalimentación. La música inspira la música, el sonido inspira sonido”, nos comenta Aidan sobre sus orígenes y el lugar desde donde parten para convertir a Nadja en su estilo de vida.

¿Cómo están las cosas en Canadá con respecto a lugares para tocar y bandas de este tipo? 
Hay un montón de gente haciendo música interesante en Canadá, especialmente en Toronto y Montreal, y hay escenas fuertes. Pero no es tan fácil de hacer y tocar música experimental allí, sobre todo fuera de las grandes ciudades, por eso nos mudamos a Europa, donde hay más gente y un circuito subterráneo más grande.

¿Cómo fue tu primer contacto con la música? ¿Cuál es el disco que te cambió la vida?
Mis padres son músicos, así que la música siempre estuvo en nuestra casa desde que nací. Empecé a tocar el piano cuando era muy chico, y luego pasé a la flauta clásica durante muchos años. Aprendí guitarra cuando era un adolescente y empecé a tocar en bandas punks. Hay muchos discos que cambiaron mi vida, no puedo nombrar uno solo, pero bandas como Godflesh, Swans y Big Black son muy importantes para mí.

¿Cómo descubriste esto del drone? ¿En qué momento te diste cuenta que podías hacer tu propia música? 
Era consciente de los comienzos del drone como un elemento en la música clásica, pero supongo que me di cuenta de la idea del drone en el rock a través de bandas como Sonic Youth y músicos como Rhys Chatham y Glenn Branca. Yo estaba escribiendo canciones desde muy chico, pero he empezado a utilizar y explorar sonidos ambient drone en mi música desde mi adolescencia.

¿Es cierto que has escrito libros? ¿Hay alguno que te guste mucho que puedas recomendarnos? 
Sí, he escrito varios libros de poesía y estoy por editar un libro musical autobiográfico con el sello americano Handmade Birds. Tampoco puedo recomendar un único libro, ya que tengo muchos que me gustan, pero algunos de mis autores favoritos son William Vollmann, Iain Banks, JG Ballard y Angela Carter.

A pesar de que ambos proyectos son bien interesantes y minimalistas, creo que hay diferencias entre Nadja y tu viaje en solitario como Aidan Baker. ¿Cómo describirías a cada uno?
La música que hago bajo mi propio nombre y como Nadja es bastante similar, ya que se basa en sonidos ambientales y de textura. La principal diferencia es el volumen y la cantidad de ruido y la distorsión. Además, como Nadja tiene un sonido y una estética específica, tengo más libertad para experimentar con géneros y estilos como solista.

¿Cómo es el proceso de trabajo desde la composición hasta la grabación? ¿Editan en formato físico?
La mayor parte de nuestra música empieza como canciones sencillas, básicas y luego agregamos sonidos y atmósferas para llenar y completarlas. Gran parte de este proceso es de improvisación, así que nos basamos en el azar y la espontaneidad. Lanzamos nuestros discos en formato físico y digital, la mayoría de la gente escucha música digital en estos días, ya sea en su PC o un reproductor de mp3 pero todavía hay otro montón que quiere tener su edición física.

¿De qué se trata Broken Spine?
Broken Spine Productions es un sello llevado adelante por nosotros. Solamente damos a conocer nuestra propia música allí, así como algunos pequeños textos literarios. La gente puede investigar más acerca de nuestro sello en http://www.brokenspineprods.com 

¿Hasta dónde te gustaría llegar con Nadja? 
Uno de nuestros objetivos con Nadja es tocar en tantos lugares y países como podamos, hemos viajado por todo el mundo con el proyecto. Esta será nuestra primera vez en Sudamérica.

¿Cuáles son los próximos planes?
Vamos a tener un nuevo álbum a principios de 2014, una colaboración con el dúo italiano hip-hop Uochi Toki. Esto probablemente será lanzado por nuestro sello.

El 4 de diciembre van a estar tocando en Buenos Aires, ¿con qué podemos encontrarnos en un set de Nadja? 
Eso será una sorpresa…
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http://nadja.bandcamp.com
http://brokenspineprods.bandcamp.com 
http://bhutan.bandcamp.com 
http://stilte.bandcamp.com 
http://droneevil.bandcamp.com 
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Miércoles 4 de diciembre - 20 hs.
Zaguán Sur. Moreno 2320, CABA. 
Entradas anticipadas a $100 en:
Heaven Records - Av. Santa Fe 1126, Local 56, CABA.
Locuras de Once - Rivadavia 2734, CABA.
Twilight Records - Corrientes 753 1er piso local 55, CABA.

domingo, 20 de octubre de 2013

Entrevista a THE FREEKS



El tiempo pasa para todos. La vida es más corta de lo que creemos. Muchos quedan en el camino, muy pocos trascienden los límites dados y se convierten en leyenda. Ruben Romano, baterista de grupos tan influyentes como Fu Manchu y Nebula, charló con nosotros sobre su nueva banda llamada The Freeks, el lugar donde vive, su relación con Argentina y algunas anécdotas imperdibles de todos estos años en la ruta ligada al rock. Fue realmente un placer haber podido charlar con él, luego de tantos años de escuchar y aprender de su música. Bienvenidos.

Me habías contado en otra oportunidad que tenés familares acá. ¿De dónde son tus padres? ¿Dónde naciste vos? 
Sí, mi padre es argentino y mi madre es colombiana. Cuando la gente me pregunta de dónde soy me gusta bromear y decir, "¡Tengo vino en mi sangre y cocaína en mi cerebro! ¡Soy Sudamericano!". También me gusta decir “¡Nací en los 60`s, nena!”. Sin embargo, nací en Gardena [Los Angeles, California] y la única fama que tiene el lugar es que fue la ciudad donde Vince Neil de Motley Crüe se estrelló con su auto y mató al chico de Hanoi Rocks [NdR. Se refiere a Nicholas “Razzle” Dingley, baterista de Hanoi Rocks, hecho ocurrido el 8 de diciembre de 1984]. Todavía tengo familia en los dos países y los he visitado. Fui a Colombia cuando tenía 5 años y la primera vez que fui a Argentina fue en 1978 durante la Copa del Mundo. Estaba en Buenos Aires cuando Argentina venció a Holanda, loco ¿no?

¿Es cierto que viviste un tiempo aquí en Argentina, en la ciudad de Ituzaingó? [Ubicada entre Castelar y Merlo, zona oeste de Buenos Aires].
Oh sí, Ituzaingó. No viví ahí, pero tengo muy buenos amigos. Justo después la grabación de "In Search Of…” de Fu Manchu, me ofrecieron la oportunidad de “perderme” en Argentina . Mi padre me dio un pasaje, él se iba a ir pero no podía, y para no perder el boleto me preguntó si yo lo quería. Le dije, ¡por supuesto! Así que llegué al aeropuerto listo para la acción. Me pasó a buscar mi tía que no tenía idea qué hacer conmigo. Le dije que no se preocupara por mí, porque con todo respeto, no tenía la intención de quedarme con ella. Así que me fui a Mar del Plata y llegué hasta Mar de Ajó. Una vez allí, me encontré en una plaza donde una banda estaba preparando un recital al aire libre por la tarde. Estaban probando sonido y dijeron que comenzarían en una hora. Esa fue mi oportunidad, entonces me acerqué mientras esperaban arrancar. Así es como conocí al grupo Demente Caracol. Después del show y una noche loca, me invitaron a comer un asado al día siguiente. A partir de ese momento me quedé con ellos durante la semana. Ahí estaba Julio, uno de los tipos más copados que conocí. Cuando llegó el momento de regresar a Buenos Aires, me tomé un bus con Julio y me llevó a Ituzaingó. Allí terminamos en la casa de él donde estaban Matías y Lucas Kocens, dos hermanos de Demente Caracol. He sido amigo de ellos desde entonces. Esa gente es lo más estupenda, agradable y hospitalaria que existe, porque llevaron a un completo extraño en su auto, me alimentaron, me alojaron y cuidaron mucho de mí a la hora de los Whiscolas. Los extraño mucho. Cuando Nebula tocó en Argentina en La Trastienda, ellos estaban allí. Fueron geniales momentos.

¿Dónde estás viviendo ahora? 
Vivo entre Los Ángeles y San Diego, así que tengo dos opciones si algo va mal. Estoy cerca de algunas colinas donde a la gente le gusta subir a los cañones. Hace unos años, un hombre fue devorado por un león de montaña. También hay una gran cantidad de serpientes de cascabel allí en el verano. Se supone que algunos de los cañones están embrujados, hay una gran historia aquí desde la guerra mexicana-estadounidense. Además, es donde las golondrinas regresan de Argentina.
 
Antes de introducirnos en el universo de The Freeks, me gustaría saber qué pasó con Nebula. ¿Porqué te fuiste y cómo están las cosas con Eddie Glass? 
Tuve que dejar Nebula, se estaba convirtiendo en algo poco saludable y oscuro. Fue una mezcla de cosas malas que se salieron de control. Lo vi venir a una milla de distancia y la única cosa que realmente me salvó fue que estaba cerca de donde ensayábamos, porque vivo justo entre Los Ángeles y San Diego, que está a una hora en auto en cualquier dirección. No estuve en la fiesta toda la noche, ya sabes lo que quiero decir. Por desgracia, realmente no sé mucho sobre Eddie en estos días.
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“Tuve que dejar Nebula, se estaba convirtiendo en algo poco saludable y oscuro”.
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¿Cuál era tu momento musical y personal cuando empezaste con The Freeks?
En 2007 tuve la idea, el proyecto. Dejé Nebula, sí, pero no la música. Mientras volaba a casa desde mi última gira por Europa con Nebula, hice una lista y comencé a enumerar todas las personas que había conocido y lo que tocaban, en qué bandas estaban o de dónde venían. Pensé qué bueno sería tocar con ellos. Hice mi propio árbol genealógico personal de músicos amigos. Algunos de ellos me tenían entre sus contactos, les pregunté si les gustaría probar con algunas canciones que tenía y me dijeron que sí. Así fue como empezó el proyecto. Pusimos todos esos temas en un álbum que fue lanzado por Cargo Alemania. La siguiente cuestión era, “necesitamos un tour”. Así es como la banda llegó a tocar en vivo. Nuestro primer show fue con Radio Moscow y Electric Wizard. Todos los músicos de esta primera formación eran de diferentes ciudades, desde el norte al sur de la costa oeste, desde San Diego hasta Seattle. Ellos luego formaron sus propios proyectos entonces decidí hibernar durante los próximos 3 años. Ahora es el momento de levantarse, hay un nuevo y mejorado grupo, The Freeks está de nuevo en la ruta, ¡ahora estoy despierto!

En The Freeks, cantás y tocás la guitarra, a diferencia de lo que has hecho en grupos anteriores donde tocabas la batería. ¿A qué se debe este cambio? ¿Cómo te sentís como frontman de la banda?
Es un nuevo desafío, un poco de aire fresco. Soy un autodidacta, aprendí a tocar la guitarra, así que era el momento adecuado para empezar a hacerlo. Realmente no me siento como un frontman de una banda, porque Tom, Hari, Jonathan, Esteban, todo el mundo ha contribuido de una manera u otra, somos un buen equipo. Uno me podría llamar líder o capitán porque los tengo a todos juntos, pero me gusta ser conocido como el “recolector”. Tengo este gran grupo y estamos haciendo muy buena música juntos. Para responder a tu pregunta, sí, ¡me hace sentir bien!

¿Qué material tenés grabado con The Freeks? 
Tenemos 2 LP`s y técnicamente 2 EP`s. El primer disco homónimo fue lanzado en 2008, este fue el registro del proyecto con todas las colaboraciones de 13 diferentes músicos como Isaías Mitchell de Earthless, John McBain de Monster Magnet, Scott Reeder de Kyuss, Bernie Worell de Parliaments y Funkadelic y Jack Endino, sólo para nombrar algunos. Sin duda fue muy loco, salió de la nada. John Mcbain y yo nos encerramos en el estudio y continuamos grabando en mi portaestudio de 4 pistas. En 2009, editamos un EP en vinilo de 10” que salió por Flotation Records. El lado A tenía demos de estudio y el lado B grabaciones en vivo. Este lado B realmente pateaba culos, porque reflejaba todo lo divertido que tenía esa primera formación. Luego fue tiempo de hibernar o tal vez incubar, durante 3 años hasta 2012. Ahí es cuando me reuní con los nuevos The Freeks. Justo antes del lanzamiento del segundo LP "Full On", que editamos este año, hicimos un pequeño tour por el sur de California. En las ferias vendíamos un pequeño bootleg EP de 4 canciones en CD, luego algunas de ellas formarían parte de “Full On”.

Recién mencionaste que trabajaste con Jack Endino [fundador de Skin Yard y productor de “Bleach” de Nirvana] ¿Cómo lo conociste?
Eddie Glass estaba en una banda llamada Olivelawn antes de unirse a Fu Manchu. Se suponía que iban a firmar con el sello Sub-Pop en la misma época que Nirvana, Mudhoney y Tad. Pero para mostrar cuán punks eran, dijeron que no. Cuando empezamos con Nebula, tocamos en Seattle y todos aquellos capos de Sub-Pop estaban allí: Kim Thayil, Ben Sheppard [ambos de Soundgarden] y Tad. Fue Mark Arm [vocalista de Mudhoney] quien realmente insistió, sabía de Eddie por Olivelawn, así que nos dejó pasar a su casa. Jack Endino estaba allí también y de repente íbamos a grabar con él.

En mi opinión, en The Freeks encuentro un estilo muy cercano a la música que hacías con Nebula. ¿Estás de acuerdo con esto? 
Todavía tengo las mismas influencias de siempre y también tengo otras nuevas. Tanto Eddie como yo teníamos más raíces de punk rock high energy que raíces heavy metal. Sigo siendo de la misma manera. Me gustan la energía y la adrenalina que viene de los Sex Pistols, Minor Threat y el viejo Bad Brains. Nebula fue high energy y también lo son The Freeks. Al principio, mucha gente dijo que Nebula sonaba como Fu Manchu. Es difícil no sonar como uno mismo si estás siendo vos mismo. Estoy de acuerdo con que los estilos están muy cerca y también con que el vino mejora con el tiempo.

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 “Al principio, mucha gente dijo que Nebula sonaba como Fu Manchu. Es difícil no sonar como uno mismo si estás siendo vos mismo”.
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¿Están tocando en directo? No puedo imaginar cómo son las noches en los bares o pubs de USA. ¿Cuánta gente concurre a esos bares? ¿Todo se mueve de manera natural o se ha transformado en un negocio serio para la música que toca The Freeks? 
Sí, nos encanta tocar en directo, nos gustaría hacerlo más seguido. Hay noches que son buenas y otras que son malas en cuanto a la gente que asiste. The Freeks sigue siendo una banda muy joven, antes fue sólo un proyecto y ahora es una banda sólida, así que creo que todavía hay tiempo para crecer. Si, es natural, también hay negocios que atender pero no afecta los grandes momentos que tenemos tocando en vivo.

¿Cómo se puede conseguir su música aquí en Argentina? 
Estoy hablando con algunos distribuidores de Argentina y espero que las cosas se muevan pronto. Sin embargo, hasta entonces estoy seguro de que el costo de importación de Argentina haría las cosas simplemente demasiado caras. Probablemente la mejor manera sería descargar nuestra música desde www.thefreeks.com

Después de tantos años recorridos en la ruta, de estar fuera de casa, ¿creés que ya has concluido tus metas o todavía te quedan cosas por recorrer? 
Creo que es más fácil decir que voy a estar hecho cuando muera.

¿Qué enseñanzas o lecciones has aprendido en todo estos años con la música? ¿Cualquiera puede tener una banda y girar por el mundo?
Cualquiera puede formar una banda y cualquiera puede recorrer el mundo, pero no creo que cualquier persona pueda formar una banda que recorrerá el mundo. Hay sacrificios para tu arte. Hay una razón por la cual se les dice “el artista muerto de hambre”. Llamalo pasión y sé que todos los argentinos saben acerca de la pasión, ¿no? Vivo con mis decisiones, no me preocupo por las cosas que podrían haber sido. No me preocupo por mantener una línea recta, siempre y cuando me esté moviendo hacia adelante. De esta manera podés estar un paso adelante de la necesidad total, que puede matarte. Como dijo el artista Robert Crumb “Keep on Truckin”.

Estuviste tocando hace mucho tiempo en Argentina con Nebula y Los Natas, ¿qué recordás de ese show?
Me trae muy buenos recuerdos. Me encanta la sangre de mi país y que fue uno de los momentos más mágicos de mi vida. Lo que más recuerdo es que nos conducía Gonzalo [NdR. Se refiere a Gonzalo Villagra, ex bajista de Los Natas] de vuelta a nuestro hotel después del show a las 6 de la mañana. ¡Un paseo salvaje!

¿Tenés planes de volver, esta vez con The Freeks? 
Regresar a Argentina con esta banda sería muy bueno, para reunirme con todos esos locos. Cruzo mis dedos para que eso se convierta en una realidad. Me encantaría, ¡eso sería genial! 

Muchas gracias por el tiempo y tus buenas vibras, Ruben, ¿te gustaría decir algo más para los lectores? 
Gracias a vos por hacer que esta entrevista suceda, y a todos los lectores por mantenerlo vivo. Espero que naveguen por nuestra página. Cuanto más descargas podamos vender, mayor será la oportunidad de ir a Argentina. ¡Muchos cariños a todos!

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The Freeks:
Ruben Romano – Guitarra y voces.
Jonathan Hall - Guitarra y voces.
Tom Davies – Bajo y voces.
Esteban Chavez – Piano, órgano, sintetizadores.
Hari Hassin – Batería.

http://thefreeks.com/

Fotos pertenecientes al archivo de la banda.
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jueves, 17 de octubre de 2013

DEATH GUTIERREZ - Viajes del Alma



Death Gutierrez es un proyecto unipersonal ejecutado y producido por Leandro Buceta, quien dejó atrás el nombre de SADOMYSA, bajo el cual grabó un Split en 2012 junto a la banda Doom El Caos Reptante. “Viajes del Alma” es una producción artesanal en formato CD editado de manera independiente que incluye 5 nuevos tracks que siguen la línea de lo que ya conocíamos: con Trent Reznor como inspiración principal, se dejan ver las múltiples influencias que van desde Godflesh y Ministry, pasando por Depeche Mode hasta Massive Attack, experimentando ambientaciones con un exquisito gusto a partir de un piano, sintetizadores, secuencias, una pc y una guitarra pesada. El sonido resulta mucho más pulido y nítido que aquella primera producción, con una variedad de matices y colores por descubrir. Death Gutierrez promete ser una vía de escape y ofrece una alternativa a tantos graves y marchas lentas. Desde Carne para Cerdos, aquel proyecto local de Matías Kritz en los 90`s, que no escucho algo de este linaje.
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jueves, 3 de octubre de 2013

BHUTAN - Behind Dead Woods



Habría que hurgar bastante y sacar paladas de tierra para toparnos dentro del circuito underground local con algo que se le parezca a Bhutan, trío procedente de Neuquén, con su guarida en BA. “Behind Dead Woods” es el primer larga duración de la banda, una verdadera colección de laberintos instrumentales sin salida. Siguiendo las enseñanzas de los guías espirituales Stephen O´Malley, Greg Anderson y Dylan Carlson, “Behind” es la primera de las tres puertas que nos introduce a un viaje 10 minutos que llena los pasajes de humo dulce e incienso, con acoples, texturas y climas que rayan con el Noise. Los eternos acordes de las guitarras embarradas con todo su sonido monolítico a cuestas llegan con “Dead”, usando y abusando de efectos, sintetizadores, entre ellos el theremín, logrando una atmósfera más espesa que la brea misma. La violencia del Doom coincide con la aparición por primera vez de la batería en todo el disco: a esta altura “Woods” puede representar la banda de sonido de tu peor pesadilla o la del día que descubriste que todo es una gran mentira pero que convivir con ella depende de cada uno de nosotros. Un detalle no menor: la grabación, la mezcla, la dirección y el arte de tapa estuvo todo a cargo de ellos mismos. Si flashás con Sunn O))), Khanate, Burning Witch, Ascend, Boris o Earth, Bhutan es tu próxima experiencia. 

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jueves, 26 de septiembre de 2013

CICLO VENADO EDICIÓN SEPTIEMBRE @ Club V

Fecha: Sábado 21 de septiembre de 2013.
Lugar: Club V. Corrientes 5008, CABA.
Bandas: Abisales, Atrás hay Truenos, Defórmica y El Festival de los Viajes.

Una vez por mes, la gente del sello Venado Records se renueva y congrega a los más interesantes actos en directo. Humo, psicodelia y buenas vibras para recibir la primavera y encarar el último tramo de este 2013. Atentos: la próxima será el 19 de octubre.



Desde Córdoba Capital, el dúo instrumental Abisales formado por Nahuel Acosta [guitarra] y Cristian Sanz [batería] fue la apertura del ciclo. Algunos inconvenientes técnicos retrasaron unos minutos el inicio del set, pero rápidamente fue solucionado. Por segunda vez en la ciudad, la banda se encuentra promocionando el EP “Lago” [2012] y su single “Circo en la Montaña” [2013], por eso, aprovecharon el viaje y horas antes estuvieron tocando en un festival nucleado por el sello Sadness [quienes este año los han fichado en su catálogo] junto a Dietrich y La Patrulla Espacial. Las proyecciones marinas de propia autoría fueron acompañadas por un sonido asociado al Stoner Rock, por momentos bien volador y por otros más que intenso. Luego de 30 minutos, la audiencia aprobó su performance con respeto y aplausos. 

 *Podés chequear la entrevista que formó parte del Subcultura Fanzine #2 acá


 
Otra banda que vino desde muy lejos fue Atrás Hay Truenos, naturales de la provincia de Neuquén. El cuarteto se adentró profundamente en melodías atípicas de buen calibre donde los Beatles, The Smiths, Sonic Youth y atmósferas post rock parecen convivir sin problemas. Accesibles y enroscados a la vez, AHT editó este año su segundo LP “Encanto” [2013], sucesor de “Romanza” [2012] y pertenecen al rooster del sello Mamushka Dogs Records. Durante casi 45 minutos, el reducto en su pico de asistentes pudo disfrutar de extrañas canciones cálidas para celebrar el final de otro invierno sobre nuestros rostros.



Cada vez más, los grupos instrumentales ganan terreno en los espacios de cultura subterránea de la ciudad. Cinco pibes se vinieron desde el Oeste para mostrar una verdadera maraña de riffs complejos, precisos y progresivos, en nombre de su tercer homónimo LP  recién salido del horno. Definirlos no es para nada fácil y eso ya los convierte en un proyecto más que interesante: es rock sin palabras y podríamos guardarlo entre discos de Poseidótica y Persona, por mencionar créditos locales, pero Defórmica fue más allá, con una calidad, personalidad e identidad sorprendente. Tienen editados dos trabajos anteriores “H” [2006] y “Páramo” [2010] que podés descargarlos desde su página en bandcamp. Impresionantes.


Bien adentrada la madrugada, cerca de las 4 am, El Festival de los Viajes [que cuenta entre sus filas al ex vocalista de Dragonauta, Federico Wolman y a Martín Rodríguez de Poseidótica] expandió su delirio entre los presentes que se quedaron hasta el final. Es necesario revisar conceptos como Krautrock y psicodelia en los años 60, así como sumergirse entre discos de la era Barret de Pink Floyd, Neu, Can y Guru Guru para ver y comprender más en profundidad. “Disparen!”, título que también le da nombre a su segundo LP, fue el puente que guió a la caminata por el cielo, según sus propias leyes. Pasaron temas como “Ilusorio” [que podría haber sido el soundtrack de un enfrentamiento entre pistoleros del far west] y otros como “Paraíso”, “Hippie” y “El blues de San Martín”. La música de este sexteto refleja fielmente el nombre que llevan puesto: El Festival de los Viajes es eso, un trip que desafía a las estructuras psíquicas y la imaginación del escucha, hasta llevarlas al extremo. 

*Podés chequear una vieja entrevista al Festival de los Viajes acá.

Fotos: Andrés Gargiulo.

jueves, 19 de septiembre de 2013

TAURA @ Santana Bar

Fecha: Domingo 15 de septiembre de 2013.
Lugar: Santana Bar, Ramos Mejía, Pcia. De Buenos Aires.
Bandas: Sutrah, Los Antiguos y Taura.

La lluvia constante, el frío y el viento se apoderaron de un domingo prácticamente sin movimiento en Ramos Mejía. Las calles desiertas y el cielo negro fueron las excusas perfectas para no salir de casa y eso, sin dudas, se notó en la convocatoria. De todas maneras, estaban los que tenían que estar. Las bandas y los artistas que nos gustan tratamos, dentro de nuestras posibilidades, de disfrutarlos en vida porque cuando ya no están, los extrañamos. La virtualidad acorta distancias, claro que si, pero jamás reemplazará un abrazo, una palabra mirando a los ojos, ni al calor de estar ahí, presentes.

 
Luego de su presentación en C.A.B.A bajo el marco del Noiseground Fest, el trío de Tigre debutó en las tablas de Santana Bar. Sutrah está viviendo un gran presente, gracias al trabajo realizado en su segundo LP “El Camino hacia el Vacío”, un disco que deberían conseguir antes que se convierta en una perla difícil. Conocemos las bases existenciales desde donde parte Sutrah cuando produce su música, por eso, advertimos que temas tan lentos, pesados y extensos como “Sandoval”, “Filosofía de Montaña” y “El Séptimo Viaje”, pueden predisponerte a un estado no habitual, muy diferente al que el sistema económico y político nos obliga a transitar día a día. Qué bueno sería poder verlos de cara al atardecer en la isla del Delta. Muy recomendables.


Los Antiguos, liderados por la carismática figura de “Pato” Larralde, vocalista de Saurón, también formaron parte del line-up de aquel festival. A pesar de su nombre y la trayectoria de sus miembros [Avernal, Anomalía y Cruzdiablo], son una banda nueva que se suma al circuito underground local, bajo conceptos claramente metálicos, pero que no remiten ni están cerca de configurarse como tributo a las viejas y conocidas glorias metaleras argentas. Con un sonido que naturalmente contrastó con el trance de Sutrah, tal vez más emparentado con los toques del Heavy Metal más técnico y moderno, relucieron arreglos y melodías de un gran gusto desde las dos guitarras. Larralde, que no paró de agradecer a las bandas y a los presentes por concurrir a pesar de las inclemencias del tiempo, aprovechó para presentar el nuevo “La Gran Campana”, seguido por “Los Grises”, “El Sureño” y “Hecho a mi Medida”, temas pertenecientes a “Simple”, único registro disponible hasta la fecha. Cálidos aplausos y recepción para Los Antiguos en su paso por el Oeste.



Taura es una banda distinta. Partiendo de la sensibilidad y emotividad de su música, pasando por esas líricas tan viscerales, hasta la forma de difundir su arte. No sabemos si es realmente una estrategia o qué, pero cada cosa que Taura pone en movimiento no pasa desapercibida, aún estando bien lejos de los primeros planos. La edición en vinilo de su último trabajo “El Fin del Color” [2011], en un acto de melomanía y valentía por parte del sello Zonda Records, es uno de esos pequeños detalles que hablan por sí solos. Cada palabra, cada gesto, cada actitud, significan y comunican intenciones, formas de ser, limpian la cáscara para ver que hay en el interior. Tal vez a las mayorías sedientas de facilismo consumista no les importe, pero aquí las cosas son bien diferentes. “Hombros Abatidos” con su estribillo tan claro y contundente, sonó en la apertura del set. Las cuerdas vocales de Gabriel “Chaimon” Raymondo, no estaban al cien por cien y, a modo de compensación, Santiago García Ferro en las seis cuerdas dibujó riffs y armonizaciones que difícilmente puedas hallar si no buscás en las profundidades. Incluso en desventaja, la banda demostró ser un verdadero colectivo de rock que funciona orgánica y naturalmente, sin demagogia, sin poses, sin sueños de rockstar. Así pasaron “Halo de Luz” y “Miramar”, únicas piezas desde su primer LP “Mil Silencios”, dejando para el final “Rompevientos” y “Sueños que Desesperan”. ¿Merecen más? Sólo el destino y las circunstancias lo determinarán, pero el camino recorrido ya dejó surcos en más de un lugar.

Fotos: gentileza de Nico C.