miércoles, 16 de diciembre de 2015

Entrevista a Juan Manuel Díaz de Humo del Cairo: “Me parece poco creíble ir atrás de lo que la gente espera que hagas”


En una de esas calurosas noches de primavera casi verano, el bar Detroit Club de Morón nos abrió sus puertas para poder introducirnos, una vez más, en el universo de Humo del Cairo. A lo largo de una extensa e intensa charla-entrevista, Juan Manuel Díaz profundizó conceptos y puntos de vista sobre el hazlo tú mismo, su propio sello, el stoner rock, sus bandas pasadas, medio oriente y la espiritualidad, el público, Fugazi y el inminente nuevo material de la banda.



—Después de editar un disco largo como “Vol.2” en 2011, anticiparon que grabarían una trilogía de discos en formato EP. ¿Por qué decidieron hacerlo de esta forma? 
 —Creo que la razón principal fue porque nos tomamos mucho tiempo entre un disco y otro. “Vol.1” salió en 2007, “Vol.2” a fines del 2011 y los EPs los grabamos hace un año y pico. Tal vez antes la banda no funcionaba tan bien como ahora, entonces la posibilidad de grabar no era tan cercana. Después de la salida de “Vol.2”, la banda empezó a crecer un montón, a tocar muchísimo, aprendimos también a cómo manejarnos, cómo hacer las cosas. Estábamos en un sello, Estamos Felices, que es independiente pero un sello al fin, que te digita, que te edita el disco según sus tiempos y quiere opinar sobre tu arte de tapa. Son cosas que capaz que nos hinchaban un poco las bolas y nos dimos cuenta que nosotros solos podíamos hacer todo, absolutamente todo. Me molestaba que me escribían de La Plata diciendo que no conseguían el disco, “¿cómo que no lo consiguen?”, les decía, si tiene distribución. Y así un montón de cosas. Teníamos los elementos para poder hacerlo todo nosotros, editar nuestros propios discos como queríamos. Lo he hecho a los 16, 17 años con mis primeras bandas, cómo no lo voy a hacer ahora con los recursos que tiene Humo del Cairo. Esa fue la iniciativa de hacer EPs, grabar las veces que querramos, no depender de los tiempos de otro y cuidar todo el contenido, todo pasa por nosotros. Con el EP 1 pasó eso, todo lo hicimos nosotros: lo grabamos, lo produjimos, lo distribuimos, lo fabricamos. La primera tirada la hicimos en serigrafía uno por uno, los numeramos a mano, fue como un capricho. Podríamos decir que fue para recuperar el tiempo que habíamos perdido entre disco y disco y además grabar con Fede [N. del R. Castrogiovanni, actual baterista].

—En esta primera experiencia de la banda grabando EPs, fueron masterizados por Alan Douches [N. del R. Trabajó con Baroness, Converge, Clutch, The Dillinger Escape Plan, Sepultura, Superjoint Ritual, Bad Brains, Monster Magnet, entre otros], ¿qué los motivó a decidirse por él? 
—Parte de este capricho era grabar como se nos antojaba, porque en las otras grabaciones estaban atadas a un presupuesto bastante bajo y las hicimos a los ponchazos siempre. Teníamos un material tan especial para nosotros que queríamos que sonara de determinada manera, y no es por prejuicioso pero sabíamos que hay cosas que acá no le iban a encontrar la vuelta. Averiguando, nos salía exactamente lo mismo laburar con alguien de afuera, con alguien que yo admiraba realmente desde chico. Fue complacer el capricho ese de saber que el disco iba a sonar como lo pensamos de un primer momento. Y fue así, no lo dudamos y por eso lo hicimos de nuevo para el segundo EP. Quedamos súper conformes, es más que nada satisfacción personal.

—Este alejamiento del sello anterior da nacimiento a Errantes, su propio sello. Imagino que les demanda más tiempo, más gastos, ¿cómo lo ves a futuro? ¿Creés que es posible tener una banda, ser independiente, tener tu propio sello y no formar parte de la dinámica de siempre? 
—Es la forma en cómo me manejé cuando arranqué con la música. En ese momento era mucho más complicado, no tenías todas las herramientas que tenés hoy en día. Hoy hacer una movida así es de lo más sencillo, lo ves todos los días, hay un montón de sellos, produciendo y haciendo cosas. Me parece que es la manera más acertada, no porque los sellos sean malos, ni eso de que las multinacionales se van a comer a la bandas, ya quedó un poco atrás todo eso, de hecho volveríamos a trabajar con sellos independientes. Uno tiene que buscar cierto equilibrio y la mejor manera es manejando todo, que no quede nada librado al azar. El proyecto a futuro sería editar a otras bandas que nos gustan. Cuando tocamos en otras provincias y lugares lejanos vemos un montón de bandas que capaz que acá no las conocen pero están buenísimas, siempre flashamos esa, grabarlos, darles una mano, aprovechar esa exposición que tiene Humo del Cairo para dar a conocer otros artistas. También fantaseamos sacar un libro de fotos de nuestro fotógrafo Martín Santoro. Son cosas que podemos concretar a futuro, no dentro de 15 años sino algo más próximo, pero por ahora la prioridad es editar los discos de Humo del Cairo.

—Me decías que los discos del "EP 1:Preludio” fueron trabajados en serigrafía, de manera muy artesanal. Más allá del capricho que contabas, ¿esto tiene algún valor simbólico en estos tiempos digitales? 
—En los momentos previos a la producción y grabación de “Preludio” nos enroscamos un montón de cosas que ya habíamos vivido. Si yo ya fabriqué discos e hice serigrafía a los 16 años, copiaba los CD-R, le ponía la calcomanía y los vendíamos con Cucsifae, ¿cómo no lo vamos a hacer ahora? Esta buenísimo, hacemos todo nosotros. Eso sumado a volver a escuchar un montón de música que me di cuenta que nunca olvidé. Escucho mucha música, hay cosas que quedan el pasado y hay bandas que me marcaron y que van a estar toda mi vida ahí. “Preludio” fue resucitar un montón de cosas que tal vez por prejuicio habíamos dejado a un costado, o porque estábamos embarcados en otra. El proceso lo vivimos con alegría, lo hicimos con amigos, como Guido de Don´t Be Shy que fue quien lo estampó, es también quien hace nuestros posters y remeras, es alguien a quien conozco desde que tengo 20 años, escuchábamos los mismos discos. Fue muy flashero juntarnos a trabajar y escuchar de nuevo las mismas bandas de hace 20 años atrás. Fue un proceso de rejuvenecimiento, de vitalidad. Dejamos fluir las cosas y sacó lo mejor de nosotros. Esta es la mejor etapa de Humo del Cairo, porque estamos escuchando cierta música que nos abre la cabeza, porque hay un público que nos sigue, que nos hace el aguante y eso nos da ganas de generar y hacer un montón de cosas.

—¿Cuáles son esas bandas que están escuchando? 
—Y…muchas, muchas. Steak Number Eight, que son unos pequeños que tocan muy bien y está muy bueno, Tera Melos, Converge, Amenra, Whores, Mutoid Man, Neurosis, Eagle Twin, Helms Alee, Ken Mode, un móntón de bandas. Nunca dejé de escuchar Fugazi, Minor Threat, Bad Brains…

—Que no tienen nada que ver con el stoner rock… 
—No, totalmente. Mi corazón está en el punk rock y el hardcore. Nunca nos clasificamos, nunca nos gustó la etiqueta “stoner” porque nos sentíamos mucho más amplios. También fue un poco eso lo que hicimos con los EPs, mostramos otra faceta que la gente tal vez no conocía de Humo del Cairo. Música escuchamos mucha, cada uno de los tres también escucha cosas diferentes. El Tano [N. del R. Gustavo Bianchi, bajista] es el más vintage, le gusta mucho el soul, el funk, es más setentero; yo voy más con el punk, el hardcore y el post hadcore; a Fede le gusta más el metal y lo vivimos re desprejuiciado, re natural.

—Hagamos un breve paréntesis para hablar sobre tus bandas pre-Humo del Cairo. Contabas que estuviste en Cucsifae, que fue un proyecto paralelo a Fun People. ¿En qué otras bandas tocaste? 
—En Cusifae arranqué tocando el bajo, luego la guitarra y canté. Hicimos el primer disco en el 96´, fue puro aprendizaje, mi primer contacto con el DIY, el posta, una banda que se autogestionaba, grababa sus discos, los editaba por su propio sello y los distribuía. Hacíamos nuestro merch y lo mandábamos por correo. Giramos por Chile y Uruguay y tocamos con los míticos Crudos. Baltimore in Love es otro buen recuerdo, éramos de las primeras bandas de post hardore, emo, toda esa movida de parque Rivadavia, Sniffing Recording, Heartattack, Revelation, Jade Tree, Ebullition, Dischord Records y toda esa data que terminaron de transformar mi cabeza. Después arme Nostalgia y Siberia hasta que arranque con Humo del Cairo y largué todo.

“Nunca nos clasificamos, nunca gustó la etiqueta ´stoner´ 
porque nos sentíamos mucho más amplios”


—Volviendo a la banda, me gustaría que hablemos sobre la parte artística de los dos EPs: pasaron de la ilustración en “Vol. 2” a fotografías reales, muchos grises, no hay colores, edificios, antenas, ¿qué hay detrás de todo esto? 
—Primero, tuvimos la suerte de laburar el arte de los discos, las gráficas, con gente que le pudo sacar la ficha y entender lo que queríamos transmitir. El primer disco fue algo bastante amateur pero lo sacamos adelante, lo hicimos con Ezequiel, un amigo de la banda. Ya para el segundo, nos juntamos con Ale Leonelli de Estudio Gogogoch que labura con Pez y un montón de bandas amigas. Para los EPs 1 y 2 queríamos algo diferente, ya no queríamos un dibujo y le encargamos la tarea a Martín Santoro [N. del R. Fotógrafo de la banda] de reflejar eso que decís, los grises, el concreto, lo físico, el cemento. Nos despojamos un poco de la psicodelia y decidimos mostrar algo más urbano. Despegar del cliché, la psicodelia, el porro, el cuelgue y hacer algo que nos sentíamos más identificados. Quisimos mostrar algo más orgánico, vital. Nos enroscamos mucho a hablar con el Tano, de ahí salen la mayoría de las ideas que luego van a las letras, al concepto de los discos. Las antenas son una imagen recurrente ahora que estamos viajando un montón al interior y es muy flashero ir escuchando música y saber, metafóricamente, que en las antenas viaja nuestra música y todo lo que estamos generando para que alguien alejado lo reciba, que haya un feeback, que te escriban diciendo “qué bueno lo que hacen”. Por otro lado, el mambo del disco, de las letras fue un poco intentar una apertura diferente en la gente. Que cada uno la reciba y la viva de la manera que quiera. Es transmitir y que genera algo, ojalá sea positivo.

—Las letras nunca fueron incluidas en los booklets y hay algunas que me interesa rescatar como “En Nubia” donde cantás “Muy lejos los mercenarios, no vieron la antorcha en mi mano”. ¿A qué hace referencia? 
—Está inspirado en un libro que se llama “Las 36 estrategias chinas de la guerra” y es una metáfora de la gente que se mete en esto con fines comerciales y terminan cagando todo. Es recurrente encontrarte con gente así, colegas, productores, no todos estamos en esto por lo mismo, pero es bueno saber con quién estás hablando. Lo de la antorcha es como un arma primitiva, onda “sabemos que ustedes no tienen las mejores intenciones pero yo tengo algo guardado acá, no rompan las bolas”.

—Una de las cosas que me llama la atención es la referencia a nombres del otro lado de occidente. Partiendo desde Humo del Cairo, siguiendo con “Emir”, “Mar de Aral”… 
—Hay cierta fascinación, no lo voy a negar. Me parece que es un lugar que tiene una energía súper zarpada, por algo hoy sigue habiendo tantos quilombos. Es gente que sigue viviendo como hace miles de años, que nunca dan el brazo a torcer. Tiene una carga muy fuerte esa región, aunque no nos interesa meternos en cuestiones religiosas. Repudiamos la violencia en todas sus formas y, en momentos tan sensibles como los que vivimos, no me gustaría que se confunda o mal interprete. Creemos que tiene un peso y una carga muy grande todo lo relacionado con esa zona del planeta. Para algunos más espiritual que para otros. Humo del Cairo puede ser el humo de las pipas de opio como las columnas de humo negro de los pozos petroleros en llamas o las ruinas de un hospital bombardeado por Estados Unidos.

—En las gacetillas de prensa noté que mencionan esto del despertar de la consciencia, la iluminación, cosas que antes no había percibido en ustedes. ¿Se consideran una banda espiritual? 
—Humo del Cairo se volvió una banda bastante espiritual. Hace 10 años que tocamos, crecimos un montón. Ahora nos preocupamos por otras cosas que antes no, hicimos un click. Personalmente me di cuenta que estaba viviendo en un mundo de giladas, y que hay otras cosas que son muchos más importantes. Cosas cotidianas, no es todo perseguir un billete, podemos ser felices de un montón de maneras diferentes. Empezar a dedicarnos a vivir de la música al 100% nos abrió un espectro diferente de cómo vivir las cosas. Yo me levanto y pongo a tocar la guitarra con la melodía que soñé, voy a la sala a ensayar como un laburo y convivo con músicos amigos que hacen que mi existencia sea hermosa. Empezamos a vibrar diferentes, nos dimos que cuenta de alguna manera que estábamos evolucionando y eso nos dio la pauta para seguir un camino. Empezamos a investigar un montón de cosas, a leer. La naturaleza del hombre es investigar y hurgar un poco.

—Ya que tocás el tema de investigar y leer, me gustaría saber si, más allá de todo el backround musical que tienen, hay cosas de literatura u otras ramas artísticas que terminen de moldear a la banda. 
—Nos gusta mucho leer, no solo literatura, sino también ciencia e historia. El Tano es un tipo que lee muchísimo, es como una enciclopedia. Nos gusta la idea de expandir un poco el conocimiento. Creo que lo cotidiano es una gran influencia, más que un libro, una película, una pintura, una banda. Humo del Cairo es un fiel reflejo de lo que nos pasa día a día. Eso nos marca mucho más.

 "Creo que lo cotidiano es una gran influencia, más que un libro, una película, una pintura, una banda. Humo del Cairo es un fiel reflejo de lo que nos pasa día a día. Eso nos marca mucho más" 


—Hace algunos años ustedes fueron editados en un compilado del sello norteamericano MeteorCity, ¿porqué no aprovecharon ese impulso para tocar en Estados Unidos o Europa? 
—Ese disco fue reeditado en 2010 junto con la reedición también de “Vol.1” y fue un aluvión de cosas nuevas. Nos empezaron a llover mensajes de Rusia, Israel, de Europa, Estados Unidos, fue muy loco, llegaron un montón de propuestas. Nos escribió Walter del Roadburn que estaba fascinado pero en ese momento éramos tres pibes que tocábamos con el corazón pero por hobbie, teníamos laburos y era una locura embarcarnos a hacer una gira por Europa, no estábamos en condiciones de hacerlo. Es algo que tenemos pendiente. Ahora que estamos grandes nos encantaría ir a tocar afuera, tenemos la mejor onda con toda esa gente, en su momento llegará.

—La comunicación en los conciertos entre la banda y el público, en mi opinión, es mínima, escueta, al menos desde lo verbal. Sin embargo, la letra de “Sepia” dice “son ustedes los que se mueven como serpientes, van quemando ciudades de neón” y eso me pareció un guiño a su público.
—Sí, totalmente. No me considero un frontman, tampoco nunca me creí el papel de cantante. Caí en la voz porque no había uno que cantara, siempre me consideré un guitarrista. Capaz que a la hora de subir a tocar me meto en un mambo que es estar tocando y el más sociable es el Tano, que capaz que no tiene micrófono pero busca la manera de comunicarse con la gente. Pero no somos una banda de hablar mucho. Hay una referencia en esa frase, sabemos que están ahí y estamos completamente agradecidos. Siempre tratamos de transmitir lo felices que somos cada vez que subimos a un escenario y eso es gracias a la gente que nos viene a ver.

—No son una banda que habitualmente haga covers, pero últimamente en los shows vienen tocando “Merchandise” de Fugazi, que tiene una letra que es toda una declaración de principios. ¿Qué significa para ustedes? 
—Y…yo vi a Fugazi en vivo, para mí son los Beatles. A pesar que no tenemos nada que ver musicalmente, a nivel emocional y espiritual siempre fue súper influyente para Humo del Cairo. Nunca hicieron remeras ni videos, tiraban un mensaje que podía poner de culo a todo el mundo, se plantaban e hicieron una movida grosísima. Hoy son un mito y son el soundtrack de mi vida.

—El “EP 2: Imaginario” comienza con “Alumbra”, uno de los temas más pesados de la banda y al toque le pegan un pasaje drone de casi 11 minutos. ¿Estamos en presencia de un Humo del Cairo más experimental? 
—Experimentales siempre fuimos. Previo a grabar el primer disco, hicimos unas sesiones con los mismos temas en un estudio de un amigo que duraban el doble, porque fue saliendo todo de la experimentación, de tocar y tocar los mismos temas. Lamentablemente esa cinta se perdió, pero “Nimbo” por ejemplo, duraba como 15 minutos Antes la flashábamos más en experimentar y zapar con el mambo de la psicodelia y todo eso. Hoy en día sentimos que tenemos que ser un poco más concretos en cuanto a lo que vamos a grabar. Pero en los shows en vivo, en los ensayos seguimos experimentando. Estamos escuchando mucha música electrónica y flashámos con sintetizadores, hacer ruido, aprovechar los conocimientos que tenemos. En el final de “Alumbra” fue un poco eso. Muy contrario a lo que decís vos, lo consideramos un tema re contra pop, me encanta, es uno de los que más me gustan, pero era bastante light y meterle el drone fue como “bueno, si esto es hitero y comercial, vamos a meterle esto, cosa que sea la antítesis completamente”. Nunca dejamos la experimentación. Me gustaría que Justin [N. del R. Justin Broadrick de Godflesh, Jesu, entre otros] nos haga un remix. Me parece que es parte de la dinámica de una banda para no aburrirte, transgredir los límites.

—Entiendo que experimentar también es asumir un riesgo. ¿No les da miedo de perder todo eso que ganaron en todo este tiempo? ¿A que el público no pueda llegar a entenderlos? 
—El riesgo de hacer algo diferente nunca nos importó. Para mí es evidente el cambio que hubo del EP 1 al 2 y del 2 a lo que va a ser el 3. Me parece poco creíble ir atrás de lo que la gente espera que hagas. Me parece mucho más leal y estamos más tranquilos haciendo lo que nos sale. No pre-producimos para que sea todo una fórmula matemática y sea un éxito. Hemos reversionado los temas, hay una faceta de Humo del Cairo que ahora están conociendo de a poco. No nos da miedo enfrentarnos a otros géneros. Estoy grande y quiero disfrutar de la música en general. Por otro lado, creo que el público de Humo del Cairo es bastante variado y no sé si le puede caer mal. Me parece que lo ven como una vuelta de rosca, saben que no queremos hacer lo mismo. Es como levantar un poco la vara.

—Ya han anunciado que esta serie de EPs serían tres. Me gustaría que me cuentes cuándo va a salir este tercer EP, cómo viene la parte musical y cómo lo van a editar. 
—La idea es tener editados los tres EPs en formato físico para principios del 2016, mientras tanto seguimos trabajando en más material que grabaremos pronto. Si bien los temas ya tienen su carácter y su forma, hasta que no entremos al estudio, no está todo dicho. Seguro tendrá mucho de los dos EPs y de los LPs pero también habrá cosas que nunca antes hicimos.

—Juan, muchas gracias por tu tiempo y la buena onda, ¿algún mensaje final? 
—Que vengan a escuchar Humo del Cairo, me parece que somos una banda sincera. Que escuchen nuestros discos y que nos digan qué les parece, nos gustaría tener un feedback. Muchas gracias.-
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Próxima fecha: 19/12 - Humo del Cairo + Poseidótica en Niceto Club.
Fotos: Martín Santoro.

martes, 24 de noviembre de 2015

Entrevista a Mick Moss de Antimatter: La mesa de Judas está servida


 

Descubrimos Antimatter cuando Duncan Patterson se alejó de Anathema para seguir su propio camino musical junto a Mick Moss. El destino los separó, y Mick continuó en solitario, redefiniendo la propuesta inicial a base de canciones íntimas, melancólicas e introspectivas. A 10 años de la partida de Patterson, Antimatter ha lanzado su sexto álbum de estudio llamado “The Judas Table” a través del sello alemán Prophecy. Tuvimos el placer de charlar con un hombre sensible como Mick Moss sobre su nuevo trabajo, la industria de la música, su proyecto paralelo, las giras y los próximos pasos.

“Antimatter es una gran mezcla de géneros, todo envuelto en una piel oscura y de humor cambiante. Claro que hay canciones melancólicas, pero algunas de ellas son progresivas, otras synthwave y otras neofolk acústico” relata Moss definiendo sus canciones, para luego contarnos algo referido a las etiquetas “la única cosa que me molestó fue que me etiquetaron hace más de diez años como "la banda más triste del mundo", porque que hay muchas otras emociones que se encuentran en la música de Antimatter”.

—Me gustaría hablar sobre el concepto del nuevo álbum. ¿Por qué lo llamaste “The Judas Table”? 
—A mi modo de ver, durante la mayor parte de los últimos 25 años he estado involucrado con personas enfermas, egoístas, ladrones, manipuladores, narcisistas, matones y sociópatas. Me escondí, estuve lejos de la sociedad durante años porque me acostumbré a ser el blanco de las personas que confundieron mi empatía por debilidad, mi humildad por ingenuidad. Y creo que hasta cierto punto sí fui ingenuo, porque constantemente veía lo bueno en las personas en lugar de los patrones evidentes de comportamiento narcisista. Todo llegó a un punto hace unos tres años, cuando fui atacado por una joven desesperada por utilizar Antimatter para su propio beneficio. Luego de esa experiencia, prometí nunca más confiar en otro ser humano. Afortunadamente, salí de esa manera de pensar después de un año y aprendí a confiar de nuevo.

—La portada del nuevo álbum es algo diferente a lo que ustedes venían haciendo, incluso estuve viendo algunos comentarios de personas que no les ha gustado mucho. Artísticamente, ¿qué quisiste mostrar esta vez? 
—La obra retrata básicamente esto: si una persona en su sano juicio se encuentra en una relación con una persona demente, entonces el tratamiento que reciben a su vez puede conducir a la locura y el recuerdo que los mantendrá en esa locura.

—La primera canción del álbum es “Black Eyed Man”, ¿está dedicada a alguien en especial?    
—“Black Eyed Man” no es una canción basada en una persona en particular, sino en un grupo de personas que existe en la sociedad, los que mienten e inventan historias ridículas a sus pares, y luego creen que se han salido con la suya. Estoy seguro de que mucha gente puede pensar en por lo menos una persona así en sus vidas.

—Desde el álbum “Planetary Confinement” de 2005, hubo un nuevo rumbo musical en comparación con los albumes “Saviour” y “Lights Out”. Las voces femeninas y los elementos electrónicos, las atmósferas downtempo hoy ya no están. Esos cambios, ¿tienen relación con la partida de Duncan Patterson de la banda? 
—En los cinco años que lanzamos álbumes juntos, yo escribía la mitad de un álbum y Duncan la otra, por lo tanto, su salida significó que los discos de Antimatter ya no contenían canciones con su estilo tan particular. En los primeros tiempos, Duncan estaba muy metido con el trip hop cuando era popular, con artistas como Portishead y Massive Attack, pero tampoco hizo nada en esa vena desde “Lights Out” en 2003, ya sea con Antimatter o cualquiera de sus proyectos posteriores. Considero que no volvimos a ese sonido particular en los 12 años desde que ese álbum fue lanzado. Para mí, todo el asunto del trip hop se convirtió en algo saturado en ese segundo disco. En cuanto a las voces femeninas, Duncan no es cantante por lo que, naturalmente, tiene que encontrar a la gente para cantar sus canciones, y en los primeros días de Antimatter él estaba muy metido en el asunto vocal femenino. Personalmente, yo sólo me acomodé en el papel de vocalista en el transcurso de los tres discos, eligiendo hacer un poco más, cada vez. Esta es toda la evolución.

—He entrevistado a Duncan el año pasado y, entre otros temas, hablamos sobre la industria de la música. ¿Cuál es tu punto de vista? 
—Tengo muchas opiniones sobre la industria de la música. Pienso que es un modelo de trabajo que se ha visto obligado a luchar contra la piratería generalizada y de fácil acceso y millones de músicos “hazlo tu mismo” han entrado por sí mismos al mercado. Una opinión común es que las audiencias están más interesados en los nombres establecidos desde hace 25 años que los nombres de ahora, lo que también significa que las bandas tributo son más deseables que los nuevos artistas. Eso nos llevará a un colapso en aproximadamente otros 25 años, una vez todos estos nombres establecidos estén muertos y la industria haya fallado en no poner a nadie nuevo en su lugar, resultando un masivo intento para adecuar a una próxima generación de nuevos artistas a un público que principalmente no les den una mierda. Una teoría interesante, pero no una que yo particularmente esté de acuerdo o en desacuerdo. Donde haya dinero para gastar en relaciones públicas y una masa de ovejas que consumen música lista para que le digan quién es "más grande y mejor" siempre habrá una industria de una manera u otra.

—Volviendo al nuevo álbum, hay una canción llamada “Integrity”. ¿Qué importancia le das a la integridad y la ética en tu carrera musical y tu vida personal? 
—Es muy importante para mí. Hago lo mejor para actuar con integridad en todas las situaciones posibles. Hago lo mejor en lo que pueda, y de esa manera sé que si las cosas se vienen abajo o van mal, por lo menos que puedo mantener mi cabeza en alto y decir que hice mi parte.

—¿Qué nos podes contar sobre Daniel Cardoso? [Anathema, Anneke van Giersbergen, entre otros] ¿Por qué decidiste involucrarlo en este nuevo trabajo? 
—Luis Fazendeiro [NdR. Guitarrista de los portugueses Painted Black] acercó a Daniel para mezclar y masterizar el disco debut de Sleeping Pulse el año pasado y me gustó mucho el trabajo que hizo, por eso le pedí hacer lo mismo para los dos últimos trabajos de Antimatter, el single “Too Late” y “The Judas Table”. Tiene una manera relajada y agradable de trabajo y Daniel es muy receptivo a las necesidades del artista, que a veces es difícil de encontrar.

Sleeping Pulse es tu proyecto paralelo que compartís con Luis, ¿cuáles son las diferencias con Antimatter?
—La diferencia es que Antimatter es un proyecto en solitario. Sleeping Pulse es el trabajo de dos personas, por lo que escucharás las influencias musicales de Luis. Sleeping Pulse fue una fantástica oportunidad de trabajar con la música de Luis y luego elaborar melodías vocales y letras sobre ella. Una experiencia maravillosa que me permitió enfocarme plenamente como vocalista y letrista, y puse toda mi energía en esos temas, sin tener que preocuparme por todos los otros instrumentos como lo hago en Antimatter.

  “Donde haya dinero para gastar en relaciones  públicas y una masa de ovejas que consumen  música lista para que le digan quién es ´más  grande y mejor´ siempre habrá una industria  de una manera u otra”. Mick Moss 




—Volviendo a Antimatter, me gustaría que hablemos sobre la discografía, ¿podrías decirnos brevemente algo sobre cada álbum? Algunas palabras, algunos recuerdos y pensamientos.
—“Savior”, mi primer álbum en un momento en que estaba muy inestable mentalmente; “Lights Out”, nos volvimos locos con el experimentalismo en este álbum; “Planetary Confinement”, las cosas tornaron a un estado más natural. Fue el primer álbum donde canté como voz principal para todas mis canciones. “Leaving Eden”, mi primer verdadero disco en solitario; “Fear Of A Unique Identity”, Un álbum frenético, mucha energía después de una ausencia de estudio de cinco años y finalmente “The Judas Table”, una selección muy bien redondeada de canciones y estilos.

—¿Cuál es el estado de tu propio sello, Music in Stone?
— Solía usarlo como un sello vanidoso para editar “Live @ Un Club” y el single “Too Late”. Es todo material de Antimatter y cumple con su propósito si lo necesito. Está allí para ediciones menores. 

—Has girado recientemente por países como Bélgica, Alemania, Polonia, Holanda. ¿Cómo estuvo eso? ¿Cuáles son los puntos positivos y negativos de estar lejos de casa? 
—Me encanta viajar y girar, es una parte de mi vida ahora y no podría imaginarme sin eso. A veces tiene sus aspectos negativos, por supuesto, pero así es la vida. Con Antimatter hacemos dos giras europeas por año, y los muchachos de la banda en vivo y yo ya esperamos el año que viene. Las audiencias fueron más fuertes esta vez, fue agradable alzar la vista y ver más cabezas, más gente cantando. Espero que continúe así.

También estuviste tocando en el marco del Overload Music Festival en Brasil, junto a bandas como Paradise Lost, Mono, Novembers Doom, Anathema. ¿Te gustaría venir a Argentina?
—Fue una gran experiencia. Fue satisfactorio para nosotros poder tocar finalmente en Sudamérica, fue una buena oportunidad para conocer a gente y había una maravillosa mezcla de bandas allí. Estamos planeando hacer algo acústico de nuevo allí para 2016, ¡esperemos que suceda! Lo anunciaré en la página de Facebook y la página web oficial ¡Crucemos los dedos!

—¿Cuáles son los próximos pasos y metas con Antimatter?
—Por ahora, realmente sólo quiero disfrutar de este momento sin presionarme demasiado. La inclusión de las canciones de "The Judas Table” ha fortalecido la lista de canciones en vivo. Se viene la segunda parte del “The Judas Tour” en abril, donde nuestro objetivo es llegar a lugares que no tocamos en nuestra primera gira en octubre. Esperemos que se concreten algunos festivales de verano y luego en algún momento voy a seguir adelante construyendo el camino hacia el séptimo álbum de Antimatter, para lo que ya tengo la idea en mi cabeza.

—¿Cómo te gustaría ser recordado dentro de 50 años?
— Como una persona genuina, alguien con empatía.

—Muchas gracias por tu tiempo y buena onda, ¿te gustaría agregar algo más? 
—Por supuesto, muchas gracias por el apoyo, y espero verlos en un concierto pronto!-

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Foto: Archivo de la banda.

lunes, 7 de septiembre de 2015

Mono + Bhutan en Niceto Club: una realidad aparte.


«Ella está en el horizonte. Me acerco dos pasos, ella se aleja dos pasos. Camino diez pasos y el horizonte se corre diez pasos más para allá. Por mucho que camine, nunca la alcanzaré. ¿Para qué sirve la Utopía? Para eso sirve: para caminar». Eduardo Galeano, filósofo de las Américas, lo dejó escrito antes de partir. Con la humildad de los grandes, que no debe confundirse con lo grandote, dejó en claro que su amigo Fernando Birri fue la inspiración para estas líneas y que esa idea de utopía, no le pertenecía.

Desde Tokyo, Japón, MONO salió nuevamente de la isla, atravesó océanos para expandir su música e introducirse por vez primera en las grandes babilonias sudamericanas, como Santiago en Chile, Buenos Aires en Argentina y San Pablo, Brasil, donde la desigualdad, la polución y la violencia son más libres que los propios hombres. Aún las venas continúan abiertas.

El trío neuquino Bhutan fue de la partida. Sin disparos percusivos ni estigmas doom, las mentes detrás del sello Venado Records quemaron neuronas con un set altísimo, tanto como las montañas del Himalaya, de kilométricas y bajas frecuencias inéditas, anticipando lo que será su próximo material de estudio. Una banda con una propuesta atípica para el oyente medio y radial, un proyecto honesto que atraviesa los muros de lo conocido y está escribiendo su propia historia bajo meditaciones drone, noise y post rock.


Los relojes de la jungla de cemento se congelaron. La atmósfera que dejó Bhutan logró encapsularnos en un mundo dentro de otro, donde ese hermoso lenguaje universal, aquella música de la libertad, fue el medio de comunicación central. Un campo magnético y onírico. Una realidad aparte.

El espíritu de Jimi Hendrix revivía y palidecía una y otra vez en los parlantes del club. Fade out. El misterio japonés mostraba su rostro: "Taka" Goto y Yoda, sentados y con sus armas de seis cuerdas, Yasunori Takada en batería y Tamaki en bajo, única mujer de la banda, aparecieron bajo las luces para darle vida a “Recoil, Ignite”. MONO ya estaba entre nosotros.


Cientos de almas en el pit, entre conocedores y curiosos, alinearon sus lazos y energías en busca del primer highlight: Tamaki dejó su bajo y se adueñó del piano en “Kanata”, uno de los grandes himnos de “The Last Dawn”. A falta de palabras y de proyecciones visuales, la música fue quien las creó en el aire para cada uno de nosotros: un tsunami de existencialismo y post rock, un túnel hacia lo desconocido, un sendero luminoso para seguir pedaleando y caminando con la utopía en el horizonte, una manera de ver y encarar la vida al costado de la hegemonía.


Del arte caótico de “Pure as Snow” a la calma de “Halcyon (Beautiful Days)”, MONO nos invitó a cerrar los ojos, escuchar con atención e imaginar otros mundos posibles. Taka dibujaba estelas de emoción en cada nota y cada gesto mientras Tamaki, único miembro de pie durante gran parte del set, se movía como un árbol solitario en medio de los vientos: los cristalinos y frágiles sonidos del glockenspiel nos sumergieron en una ola gigante como “Ashes in the Snow”, otro de los puntos altos de la noche.

Sobre el ocaso del concierto, como el ying y el yang, el túnel que atravesó la oscuridad en todo su largo, encontró la claridad en “Everlasting Light” para sellar el paso de los japoneses por Buenos Aires. Así, MONO y Bhutan dejaron surcos. La música fue quien persiguió utopías: despojada de voces, estribillos, melodías empastadas y lejos de los grandes flashes; belleza que acarició lo poético, desde una mirada profundamente visceral y existencialista. Los afortunados que estuvimos ahí fuimos testigos de una realidad utópica, una realidad aparte. -


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Fotos por Gottes de Baires.
Album completo

domingo, 30 de agosto de 2015

Entrevista a Takaakira "Taka" Goto de MONO: tsunami de existencialismo y post-rock


Los japoneses MONO van a estar tocando su música, tan emotiva como existencialista, por primera vez en Buenos Aires el próximo viernes 4 de septiembre en Niceto Club, acompañados por la experiencia drone local, Bhutan. Su principal guitarrista, Takaakira “Taka” Goto nos contó sobre "The Last Dawn" y "Rays of Darkness”, la participación de Tetsu Fukagawa de Envy; el sentido de la vida, la positividad, la negatividad, el caos, las emociones, entre otras cosas. 

En principio, al hablar de MONO teníamos que saber si debíamos referirnos a ellos como banda, como orquesta o si ambas opciones estaban bien, “Absolutamente MONO es una banda de rock de 4 integrantes” sentenció Goto, y continuó “estamos buscando un sonido original y único, no algo que ya se haya hecho, sentimos que debemos crear algo como un lenguaje global sobre los países, la historia y las culturas”. Luego, nos reveló que “MONO significa ´ser uno´, sin fronteras e idiomas” y que están influenciados por artistas tan disímiles como Beethoven, My Bloody Valentine, Led Zeppelin y Ennio Moricone, entre otros.

The Last Dawn y Rays of Darkness son los últimos discos de la banda y tienen la particularidad que han sido editados de manera conjunta. Podríamos decir que, según Goto, representan el ying y el yang de MONO, “la luz y la oscuridad, la esperanza y la desesperación, el amor y la pérdida”. Sobre las emociones y sensaciones de The Last Dawn, el guitarrista se explayó, “las principales emociones humanas se dividen en positividad y negatividad, y digamos que los dos son 50/50 para empezar. Si tenemos aunque sea el 1% más de emociones positivas, todo va a empezar a conducir hacia la luz. En The Last Dawn, desde un enfoque minimalista, quería expresar que, independientemente de tus situaciones o emociones actuales, si aceptás todo como está y podés encontrar más positividad, es muy probable que seas capaz de superar toda negatividad”.

Como contrapunto, sobre Rays of Darkness, Goto admitió que quería expresar que "si tenés aunque sea el 1% de emociones o pensamientos más negativos, el caos, finalmente, se extenderá y te arrastrará hacia abajo, a la oscuridad, sin que te des cuenta de ello. Empiezo a pensar que en todo lo que hay desorden, hay algo que siempre está en orden”.

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"Si aceptás todo como está y podés encontrar más positividad, es muy probable que seas capaz de superar toda negatividad" 
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En Rays of Darkness, hay un tema titulado The Hand That Holds the Truth, donde participa en voces Tetsu Fukagawa, cantante de Envy, otra gran banda, también de Japón. Taakira confesó su amistad con Fukagawa cuando nos dijo que “personalmente, durante mucho tiempo, siempre he querido colaborar con Tetsu. Es nuestro amigo desde hace mucho tiempo así que estoy muy contento de que se convirtió en una realidad. Incluso durante el tiempo en que estaba escribiendo la canción, podía escuchar claramente cómo su voz encajaría. Cuando en realidad colaboramos, realmente no le dí ninguna instrucción pero él ya sabía lo que esperaba lograr. La canción resultó ser una pieza tan increíble y todos estamos muy orgullosos de ello”.

Con respecto a la única mujer en la banda, queríamos saber si la presencia de Tamaki, bajista y pianista, de alguna manera influía en la sensibilidad y emotividad de la música de MONO, “¿Conocés la película "La lista de Schindler" de Steven Spielberg? Es una película monocromática pero podés ver el chico que lleva el vestido rojo. Tamaki es como eso”.

A lo largo de 16 años, han logrado construir una carrera muy prolífica en cuanto a ediciones (18 entre Ep´s , Lp´s, compilados, singles y DVD´s), por lo que queríamos saber cuán difícil es llevar esta forma de trabajo, “viajamos juntos por el mundo cada año durante los últimos 16 años, y sentimos como que todos crecimos juntos gradualmente de niños a adultos. Todo lo que vimos fue fresco, todo lo que hicimos fue una aventura con la continuación de enfrentar lo desconocido, la emoción y los reveses. Todo el proceso fue como aprender todos los elementos esenciales de la vida a través de nuestra música y viajes. Creemos que todas estas experiencias hacen nuestros sonidos”. Goto logró conmovernos aún más cuando se refirió a la concepción de la música, “la creación de un puente llamado música es nuestro trabajo, y gracias a todas las personas, colegas, amigos y fans de todo el mundo que hemos conocido a lo largo de los años, sobre el puente que hemos creado, podemos seguir haciendo lo que hacemos. Estamos verdaderamente agradecidos por ello”.

Sobre el final, nos contó sobre el set list que vienen tocando en las giras y sobre sus recientes fotos en su página de facebook, que mostraban a la banda en un estudio de grabación, “el set list de este tour será una mezcla de nuevas y viejas canciones. Nuestro show se iniciará básicamente desde la oscuridad con un intenso ruido. Estaremos muy contentos si las personas que vinieron a vernos tienen un gran sol brillante en su mente después de la última nota de la última canción. Recientemente grabamos un tema, que lo daremos a conocer como nuevo single en otoño” (verano para el hemisferio sur).-

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Más info en:

https://www.facebook.com/events/757891594319746/
http://www.monoofjapan.com

jueves, 6 de agosto de 2015

Entrevista a Gripe

Conquista y revolución permanente


El trío de Villa Urquiza integrado por Juan Elvira Keay [batería], Fernando Silvacanta [voz y guitarra] y Nestor “Grillo” Silva [bajo], editó en 2014 su segundo disco, donde plasmaron una interesante amalgama de estilos, logrando cosechar muy buenos comentarios en las cuevas subterráneas de Buenos Aires. En una charla con Grillo pudimos atravesar diversos momentos y temáticas: la génesis de Gripe, el concepto de revolución permanente, la política, proyectos paralelos, el nuevo video, sus influencias artísticas y sus próximos pasos.

“Juan y Fernando tocan hace muchos años, tenían una banda que se llamaba Viaje en Sol. Por otro lado, Fernando y yo somos primos y veníamos haciendo música, aunque nunca como proyecto. Se había ido el bajista de esa banda y a los pibes se les ocurrió que me podía sumar con el bajo, que en mi vida lo había tocado pero bueno, ellos me incentivaron a eso y entré a tocar. Habré estado dos meses, finalmente la banda se disolvió y ahí formamos Gripe”, nos cuenta el bajista al inicio de la entrevista.

—¿Qué material grabaron en esa época? 
—Lo primero que registramos fue un demo llamado “Las fabulosas 4” en 2006. Las primeras grabaciones que hicimos fueron caseras, grabábamos por separado e íbamos mezclando. Siempre usábamos lo que teníamos a mano para poder hacer música. Después sacamos otro demo que se llamó “Supersaddamoremix '96”. Estos demos todos los editamos de manera casera, CD-R, hacíamos las cajitas, las portadas, todo nosotros. Después sacamos el que podríamos decir que es nuestro primer disco, que es una compilación de los dos demos más otros 4 temas, “Relatos Relocos”, también grabado y editado con la misma modalidad. En cuanto a calidad de audio, quedó medio low-fi.

—¿Cuál era el rumbo musical? 
—Estábamos bastante emocionados con esto del stoner rock pero también me parece que no era tan trillado, aún seguimos teniendo otros condimentos de otros estilos de música. Pero si, estábamos en eso, después nos fuimos abriendo un poco, por una cuestión de no limitarse en lo artístico.

—¿Este material se consigue? 
—No, no se consigue, está sólo para bajárselo desde bandcamp. No quedaron ediciones físicas ni volvimos a hacer porque preferimos enfocarnos en lo nuevo, que tiene otra calidad. El audio está bastante bueno, hubo muchas horas de mezcla, pero bueno, no está en los planes de reeditarlos.

LA REVOLUCIÓN PERMANENTE  

El trío luego editó el Ep “Salud” en 2010, bajo la supervisión de Sergio Ch. (Los Natas, Ararat, Solodolor) y Patricio Claypole y en 2014 lanzaron “La Revolución Permanente” a través del sello Venado Records.


—¿A qué hace referencia el nombre del último disco? 
—Tiene que ver con el contexto de nuestro crecimiento personal y a nivel político también. Trotsky decía que una conquista da el paso y es el escalón a una nueva y así se da la revolución permanente, nunca para. Eso lo llevamos a la vida, en el sentido que uno va creciendo y va cambiando. También por todo lo que pasamos a nivel personal, algunas cosas difíciles de cada uno pero dimos lucha y salimos adelante. Es el concepto mismo de la revolución permanente llevado a la vida.

—En la portada hay policías, curas decapitados, es bastante caótica. ¿Cuál fue la idea? 
—El dibujo de la portada está basado en los hechos sucedidos en Ucrania el año pasado, hubo un levantamiento popular, un combate obrero con la policía y nos llamaba la atención la capacidad de organización, salían con tractores, excavadoras, tenían escudos, bombas molotov. Lo llevamos a un dibujo que es medio catastrofista, caótico, que está entre la línea de la realidad y la ficción. Hay un papa decapitado, que eso no ocurrió, pero todo lo demás sí. Aunque somos ateos y anti iglesia, no fue planteado ponerlo. Así lo mandó el dibujante, Mariano Castelli, que es compañero mío de la otra banda que toco, nosotros le dimos la idea de la batalla de Kiev pero que fuera más gore, más trashero y mandó un papa decapitado en el medio. Es bastante fuerte pero quedó buenísimo, nos gustó.

—Me decías que tocás en otra banda, ¿de qué se trata? ¿El resto está también involucrado en algún otro proyecto? 
—Sí, se llama Miserere y más que una banda es un grupo de propaganda socialista, ahora estamos haciendo spots de campaña para el frente de izquierda. Ahora no estoy participando muy activamente pero hace muchos años que milito en el Partido Obrero. El batero tiene otro proyecto que se llama Mar Mínimo, con un integrante de los ex Viaje en Sol, hace un tiempo están tocando. Fernando en un momento cantaba en un grupo de tango, pero ahora no está involucrado en otro proyecto.

—¿Gripe tiene una línea política? 
—El último disco tiene una línea política anticapitalista, está todo mal con el capitalismo [risas]. El resto no milita, pero en la interna de la banda salen discusiones políticas. Pero Gripe no es una actividad política, es un desarrollo artístico donde cada uno vuelca las cosas que le pasan, que pueden ser políticas o a otro nivel.

—Además de la música, ¿hay otras influencias en la banda como libros, cine, pintura, etc? 
—Sí, consumimos cine, literatura, pintura. Juan, por ejemplo, sale con una chica que es artista plástica, así que estamos conectados con todo ese mundo. Me gusta el cine clase B y algunos clásicos de los 80´s de ciencia ficción retrofuturista, el gore. Y en cuanto a la lectura, me gusta bastante leer sobre política, a Juan le gusta leer sobre historia. También leímos sobre psicodelia, a Albert Hofmann, por ejemplo.

—Volviendo a “La Revolución Permanente”, ¿por qué decidieron incluir un tema viejo como “Nana”? 
—Decidimos incluirlo porque fue el primer tema que hicimos con Gripe, nos gusta mucho, lo sentimos mucho cuando lo tocamos. Teníamos 4 temas nuevos y queríamos meter uno más al disco, quisimos aprovechar para grabarlo con otra calidad, con este nuevo sonido.

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“Trotsky decía que una conquista da el paso y es el escalón a una nueva y así se da la revolución permanente, nunca para. Eso lo llevamos a la vida.” 
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SUBLIMATO, BROMURO DE PANCURONIO Y LAS ESCENAS

—Hace poco lanzaron el video de “Sublimato”. Me llamó la atención la gran calidad que tiene, ¿qué nos podés contar sobre esto? 
—Es el primero y único video que tenemos. La idea fue de la productora Buttertoast que son amigos, participan Malen Dina, que está en la movida de Escobar junto con Agustín [Sapiens]. Hicieron un par de videos de la Tumba del Alca y de Persona y nos ofrecieron hacer uno. En un principio querían hacer un video clip con un audio del disco pero nosotros le dijimos que queríamos hacer una performance en vivo de un tema. Ellos consiguieron la locación, el taller metalúrgico que se ve en el video, consiguieron las cámaras, las luces y nosotros nos encargamos de la parte de grabación de audio y mezcla. Lo hicimos un domingo de 2014 en San Martín y la verdad que fue muy profesional, muy copado, quedó buenísimo, quedamos re contentos.

—¿Por qué eligieron ese tema? 
—Porque encierra todo lo que es Gripe. Tiene melodía, armonía, tiene partes pesadas, instrumental, están las dos voces. Encierra todas las variantes musicales de Gripe.

—¿Cómo surgen los nombres de “Sublimato” y “Bromuro de pancuronio”? 
—“Bromuro de pancuronio” se le ocurrió a Juan porque trabaja en una farmacia y sabe un montón de nombres de cosas y bueno, leyó que era para una inyección que se aplica antes de la letal, en Estados Unidos, que te duerme todo el cuerpo pero estás despierto y después de eso, te dan la letal, para que no la sientas. Bastante siniestro [risas]. “Sublimato” se le ocurrió a Fernando y no recuerdo bien por qué. A veces los nombres de los temas no tienen un significado que tengan que ver con la letra de los temas. Por ejemplo, “Niños destrozadísimos” surgió con el tema de la guerra de Irak, muy bizarro [risas].

—“Niños destrozadísimos” está incluido en el Ep “Salud”, que grabaron junto con Sergio Ch. ¿Cómo fue esa experiencia? 
—La experiencia fue completamente de aprendizaje y muy enriquecedora. La producción de Sergio garpó un montón en muchos aspectos, interpretación, ejecución de instrumentos, cómo encarar la producción de un disco. Por otro lado, aprendimos más sobre grabación, a nosotros no gusta todo ese mundo. Además fue nuestra primera experiencia de grabar en vivo y en cinta abierta, a comparación del resto que veníamos grabando todo por separado. Gracias a esta experiencia pudimos encarar “La Revolución Permanente” en cuanto a grabación, no como disco porque “La Revolución…” iba a ser un demo y terminó siendo un disco. “Salud” fue editado en CD-R y lo vamos a reeditar pronto de la misma manera.

—Gripe es una banda independiente, ¿es algo que eligen? 
—Se da así y lo elegimos también. La verdad, no nos gustaría que venga una empresa y nos ponga plata porque te imponen condiciones, supongo que se dejaría de disfrutar. Gripe para nosotros es un espacio de necesidad donde nos explayamos con lo que nos pasa y es un lugar de disfrute. Lo que sí queremos es que la banda sea autosustentable, pero no queremos sacar ningún billete ni que se convierta en una herramienta de explotación.

—¿Hasta dónde les gustaría llegar con la banda? 
—Queremos seguir haciendo música, grabar, editar y seguir tocando en lugares. Uno siempre busca que la gente nos venga a ver. Sabemos que el estilo no es un género de masas, tampoco lo buscamos, sólo queremos seguir disfrutando de la música, crear, salir a tocar, conocer bandas, hacer amistades. 

—De existir la posibilidad de que pudieran vivir de la música, ¿sería algo para evaluarlo o prefieren seguir cada uno con sus trabajos? 
—Depende de las condiciones y qué significa vivir de la música. Si la banda deja de ser un disfrute…o sea, no estoy colocando a la banda en un espacio de hobby porque en Gripe ponemos trabajo, dedicación, es un laburo, no es sólo diversión. Pienso que si paso a paso llegamos a eso, estaría bueno, pero con toda una trayectoria y aprendizaje, no de un día para el otro.

—Cuando hablamos sobre el video de “Sublimato”, mencionaste a la movida de Escobar. ¿Se sienten parte de alguna movida o escena en particular? 
—Esta escena de música pesada, lo que se está llamando stoner, está creciendo y nos sentimos parte pero siempre desde un lugar de humildad. Nosotros no somos armadores de ciclos, a nosotros nos invitan a tocar y vamos. Toda la movida de Escobar nos gusta bastante porque a nivel ideológico levanta las banderas que más nos representan que es esto de la autogestión. Los chicos de La Tumba del Alca organizan el festival Antiego y el ciclo Kamikaze, que la verdad nos hacen sentir muy bien, no necesitás del bolichero para desarrollar tu arte. Nos sentimos identificados con la movida de Escobar. En Capital hay buenas movidas, pero me parece que no está tan instalado esto de la autogestión y esas banderas.

—¿Qué bandas y discos les gustan? 
—Strapping Young Lad, el disco “City”, está dentro de los favoritos. Somos fanáticos de Beach Boys, “Pet Sounds” nos vuelve locos; Wildhearts también es una alta influencia de Gripe. Yendo más para el hardcore, Fugazi nos encanta; del stoner nos gustan Kyuss, Queens of Stone Age, Nebula, Monster Magnet, Yawning Man, que hace poco tocamos con ellos. Otro gran influencia para nosotros es Deftones.

—Muchas gracias por el tiempo y la buena onda, para ir cerrando, ¿cuál es la actividad de la banda para lo que resta del año? 
—Tenemos fechas hasta noviembre. Vamos a tocar por primera vez en el festival Noiseground y bueno, hay varias fechas, lo que se viene es seguir tocando y en noviembre hay una intención de presentación del último disco, estamos craneándolo, hablando con las bandas que queremos invitar. 

—¿ Y disco nuevo? 
—Estamos en proceso de composición, supongo que el año que viene vamos a sacar un disco. Tenemos ganas de hacer uno con 10 canciones.-

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Próximas fechas: 
7/8 Noiseground fest @Uniclub.
27/8 Fecha Maldita: Gripe, Persona, Proyecto Quasar y Policromia @Club V.
12/9 Gripe, Viaje a oriente y Gran cuervo en San Miguel.
1/10 Gripe y Nubra @ Casa rincón.
17/10 Presentación del disco de Bandera de Niebla, invitados: Gripe y Thumbarancho
14/11 Festival Antiego en Escobar.
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Más info en: 
https://gripegripiento.bandcamp.com/ 
https://www.facebook.com/gripe.salud

jueves, 25 de junio de 2015

Yawning Man @ Club V

...Y los vientos del desierto soplaron en la ciudad

Fecha: Sábado 20 de junio de 2015.
Invitados: Hijo de la Tormenta y Viaje a Ixtlán.

En una de las semanas más frías del año, la fuerza de los vientos del desierto de California trajo consigo por primera vez al trío Yawning Man, con los históricos Gary Arce y Mario Lalli en su formación. La banda fue la que comenzó con todo esto del desert rock o stoner rock allá por 1986, sin embargo, como sucede en muchísimas ocasiones, los laureles, la fama y las tapas de revistas fueron para otros: aquellos que, vaya paradoja, crecieron escuchando su música.


Hijo de la Tormenta apareció cuando los rayos de la tarde caían para convertirse en una noche fría. La joven banda cordobesa, nueva carta en el catálogo del sello Venado Records, hizo un set mucho más calmo que la última vez que los vi, en este mismo escenario. No deben existir muchas bandas encuadradas dentro del stoner rock que se la hayan jugado con mechar algún contenido político en su obra. Sin embargo, Hijo de la Tormenta si lo hizo y pueden remitirse a “Alienación”, donde las palabras del anarquista español Buenaventura Durruti se amalgaman a su cóctel de rock espacial y pesado. Con su primer larga duración bajo el brazo, no ocultan su amor por las violas saturadas, los bajos graves y los pasajes intimistas. Sólo el destino sabrá si los caminos los llevarán a recorrer nuevos planos o a zambullirse en las arenas movedizas.


Hablando de caminos, era el turno de Viaje a Ixtlán. No hay secretos aquí: se trata del trío Narcoiris más Javier Romani en bajo y llevan en su lomo el nombre de uno de los libros sagrados de Carlos Castaneda. Su música intenta llevarnos bien alto, como la obra entera del antropólogo lo amerita. Riffs y climas triperos, sintetizadores mediante, mucho corazón y algunas melodías áridas encierran un punto de vista distinto a lo que hacen en su otro proyecto. En los próximos días saldrá su nuevo material "Vol. II". Me dejaron con ganas de volver a verlos.

Casi 30 años en la ruta. Muchos de los presentes no habían nacido cuando Yawning Man ya zapaba en el desierto. Las enseñanzas comenzaban a desplazarse entre las almas que coparon Club V como nunca antes lo había visto. Simpleza, humildad, honestidad. Estar tan lejos de casa no es fácil, no es para cualquiera. Venían de tocar en Chile y ahora los teníamos ahí, a menos de un metro: si mirabas a la izquierda, las cuerdas de Mario Lalli te comían las neuronas; si girabas a la derecha, Gary Arce te hipnotizaba con su reverb.


Gary, un guitarrista que acarició sus cuerdas sin púa alguna, nos dejó una gran lección: no repetir patrones, desarrollar un estilo único. Crear, recrear, reinventar, reformular, arriesgarse. La música sin riesgo, es como ir y volver todos los días pisando la misma baldosa. En el pit, los cuerpos desprendían humo y ácido de sus pupilas que pedían saliva y fuego, para poder seguir el recorrido de los dedos de Lalli y Arce y los tones de Bill Stinson. La iluminación fue un factor clave: luces rojas y azules se turnaban y combinaban para enmarcar un escenario que, por momentos, se puso 3D, sobre todo a la hora de “Dark Meet” y “Underwater Noise”, piezas oscurísimas extraídas del split con Fatso Jetson, de los grandes highlights del set.


Hubo tiempo y espacio para un nuevo track llamado “The Wind Cries Robin Linn”, que tentativamente será parte de nuevo álbum. Escalar un cerro, intentar durante horas llegar a un refugio de montaña o sobrevolar la cordillera de Los Andes: Yawning Man es la música del desierto, de las rocas, pero también de los mares, de los atardeceres, de la ruta, de las caminatas y de pedalear cuando asoma el sol en la mañana.

"Blue Foam" fue la última brisa desértica cuando aún era sábado, sensación que me quedó dando vueltas por un rato largo mientras volvía a casa. El mundo fue un poco más justo mientras el show, histórico y emotivo, duró. Luego, la rutina se encargó de acomodar las cosas. Naturalmente, lo llamamos normalidad.


Fotos: Gottes de Baires.

domingo, 14 de junio de 2015

Entrevista a Yawning Man

El desierto está encantador



Desde la desértica y soleada California (USA), la leyenda viviente Yawning Man estará tocando por primera vez en Buenos Aires el sábado 20, domingo 21 (ambas fechas con entradas agotadas) y el lunes el 22 de junio en Club V. Tuvimos el placer de intercambiar unas palabras con Mario Lalli, bajista y ocasional vocalista del trío, donde nos contó cómo logran su sonido, sobre la relación con los antiguos miembros de Kyuss, detalles del próximo disco y otras yerbas. El desierto está encantador.

Yawning Man viene tocando desde 1986 y ha desarrollado un sonido muy particular. Éste hace que la banda sea reconocida casi de inmediato, donde las reminiscencias a la música surf se hacen notar, “Gary Arce tiene un estilo único de tocar la guitarra, toca con los dedos, no con púa. Ha usado por años un pedal de reverb y delay, esto es fundamental en su sonido. El efecto del reverb es muy común en la música surf”, se explaya Mario. Con respecto a las influencias de la banda en sus primeros años, Lalli recuerda,  “estábamos influenciados por viejas bandas surf pero también por el jazz y el rock underground. La combinación de los graves pesados del bajo y los tonos ´ambient´ de la guitarra de Gary, le dan a la banda un clima cinematográfico”.

...Y el circo deja la ciudad

Como sucede en muchísimos casos, accedemos al universo de bandas nuevas a través de covers que ejecutan otras. Seguramente, muchas personas han conocido Yawning Man a través de “Catamaran”, tema que Kyuss eligió reversionar en su cuarto y último LP “And the Circus Leaves Town”. Sobre la historia de la canción, Mario nos comenta que “comenzaba como una zapada con la guitarra de Gary y luego las diferentes partes se iban uniendo. Escribí las líneas de bajo, las letras y la canté. Se trata de cómo la vida puede estar sin problemas y de pronto la tormenta puede golpear en cualquier momento, los altos y bajos de la vida cotidiana”.

A raíz de este tema, debíamos consultarle si todavía está en contacto con los antiguos miembros de Kyuss, “Si, estamos en contacto, bastante seguido veo a Nick Oliveri, tocamos muchos shows juntos. Scott [Reeder], Alfredo [Hernández, exbaterista de Yawning Man] y yo estaremos mezclando una vieja grabación de Across the River [primitivo proyecto que compartían], que ya tiene 30 años, la encontró un amigo y estará muy bueno. No veo mucho a John [García] pero él está tocando aquí en Los Ángeles, así que trataré de ir a verlo”.

Por otro lado, no pudimos evitar preguntarle si le gusta la música que practica actualmente el colorado Josh Homme, creador del sonido característico de Kyuss y del stoner rock, personaje que levanta polvo por donde pisa, que cuenta con un legado de fans pero también de detractores, “el último disco de QOTSA y el de Them Crooked Vultures son geniales”, sentenció Lalli, para dejar en claro de qué lado de la vereda camina.

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“La combinación de los graves pesados del bajo y los tonos ´ambient´ de la guitarra de Gary, le dan a la banda un clima cinematográfico”. Mario Lalli. 
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A comienzos de este año, más precisamente en febrero, Yawning Man y Fatso Jetson se fueron juntos a una gira por Europa llamada “Legends of the Desert”, la cual tuvo algunas particularidades, “fue un gran tour, somos todos amigos, toqué con mi hijo (Dino von Lally, guitarrista de FJ), quien también zapó con Yawning Man. Fue un poco duro tocar dos veces por noche pero me gustó mucho”.
A los músicos en general les cuesta decidir sobre sus propios discos preferidos. En el caso de Yawning Man, Mario fue sincero y directo al reconocer que “realmente no tengo un favorito, estoy muy orgulloso de todos, pero creo que ´Rock Formations´ es uno de lo que tiendo a recomendar más”.

—¿Qué me podés contar sobre el próximo disco? ¿Cómo será? 
—Estaremos grabando con Robby Krieger (nada más y nada menos que el guitarrista de los míticos The Doors), él tocará en un tema. Robby participó en ZUN, proyecto paralelo de Gary Arce (con Sera Beth Timms de Black Math Horseman e Ides of Gemini en voces y Bill Stinson en batería). Queremos grabar en vivo y que luego Gary haga sus partes de guitarra, podemos tener algunos teclados de nuestro amigo Herb Lineau también. Usaremos con suerte algún material que haremos en Argentina.

—Hace un tiempo que vienen dando vueltas varios trailers en internet sobre un documental llamado "Lo Sound Desert", sobre la escena desert rock de California. ¿Qué te parece la idea? 
—Creo que es un gran film, hay mucho trabajo y esfuerzo ahí, realmente captura la historia y los personajes del desierto. Colaboré en algunos conciertos recaudando fondos para que se puede editar, ¡tienen que verla!.

— Estarán tocando por primera vez en Chile, Buenos Aires y Neuquén, ¿qué expectativas tienen? ¿Han podido escuchar a las bandas que tocarán con ustedes? 
—Estamos shockeados por toda la gente que está esperando vernos, es muy excitante para nosotros. Conozco una banda de Chile llamada Déjalo Sangrar. Rodrigo, uno de sus miembros, me mandó unos vinilos muy copados. Lo puse en contacto con los promotores y la banda tocará en Santiago. Todas las bandas de Venado Records son geniales, si no fuera por ellos nunca hubiésemos tenido la oportunidad de tocar en Buenos Aires.

—Muchas gracias Mario por tu tiempo, ¿te gustaría dejar algún mensaje final? 
—Estamos muy contentos de tener la chance de ir a tocar a esa parte del mundo. ¡Muchas gracias!

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Yawning Man es: 
Gary Arce : guitarra
Mario Lalli : bajo y voces
Bill Stinson: batería

Gira Sudamericana: 
Junio 18 - Santiago, Chile @ Bar Loreto
Junio 19 - Valparaiso, Chile @ Ele Bar
Junio 20 - Buenos Aires, Argentina @ Club V
Junio 21 - Buenos Aires, Argentina @ Club V
Junio 22 - Buenos Aires, Argentina @ Club V
Junio 24 - Neuquén, Argentina @ Pirkas

Más info en: 
http://venadorecords.com/
http://www.yawningman.com/

sábado, 27 de diciembre de 2014

Subcultura fanzine #5


 Subcultura fanzine #5 - Diciembre 2014. 

#Incluye entrevistas a:
Lou Baumann [ARG]
Duncan Patterson [UK]
Stilte y Sutrah [ARG]
Persona [ARG]

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#Tirada limitada de 150 copias de distribución gratuita sólo en recitales y ferias.
#Podés leerlo online, descargarlo y compartirlo desde acá.
#También podés leerlo desde ISSUU.
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#Créditos:
Arte de tapa: Odio El Arte [Charless Crumb].
Diagrama+diseño: Love&Roots.
Idea+edición+palabras: Leandro N. Sierra.

martes, 16 de diciembre de 2014

Entrevista a Persona

“La música es la vida misma”



 
Recuerdo haber llegado a esta banda gracias a una recomendación de Fer Doma [guitarrista del ahora desaparecido trío de rock Doma] y luego a través del ep “Inconcluso”. El cuarteto de Ingeniero Maschwitz acaba de lanzar digitalmente su primer y homónimo disco: esa fue la excusa que el destino tuvo para juntarnos en una estación de servicio de San Miguel con Lucas Podestá, guitarrista y bajista de Persona para charlar también de sus otros proyectos La Tumba del Alca y Santino y los hermanos enemigos, el festival "Antiego", del sello Cabello, de sus influencias y otras interesantes yerbas. Esta es una nueva puerta que nos lleva a una nueva historia de esos músicos que respiran, sienten y viven la música de una manera que no todos pueden.

¿Desde cuándo están tocando juntos y cómo llegan a la grabación del ep “Inconcluso”?
Empezó todo zapando con mi hermano [Esteban Podestá, batería] en el 2004, nos empezamos a juntar con él y un amigo, Gustavo [Hernández, guitarra], puertas adentro. No tocábamos en vivo, teníamos otro nombre incluso. Cambiamos un par de bajistas hasta que llegó Santi [Santiago Adano, bajo y guitarra] y con él se armó lo que estábamos buscando. Con esta formación grabamos ese ep en 2008, le pusimos “Inconcluso” porque no nos gustaba tanto como había quedado el sonido, habíamos grabado más temas porque iba a ser un disco y terminó siendo un ep. Nos gusta pero en realidad queríamos que suene como el que sacamos ahora, más pro.

¿Cuál fue la idea musical desde el principio?
Buscamos hacer una zapada instrumental, porque probamos con un cantante y no nos convenció. Pero no una zapada larga e interminable, sino como canciones, con melodías instrumentales reconocibles. Digamos que se dio porque no encontrábamos un cantante y porque nos gustaba lo instrumental, nos gustaba mucho Kyuss, que tiene varios temas así de esa onda. Así que le encontramos la vuelta por ese lado.

¿Cabe la posibilidad de escuchar en un futuro a Persona con voces? 
Santiago está en otra banda que se llama Julio y Agosto donde canta y toca la guitarra y pensamos un par de veces hacer algo con él cantando. No lo descartamos, andá a saber, capaz que hacemos un tema o tal vez un disco todo cantado.

Finalmente sacan su primer disco 6 años después de ese ep, ¿en qué momento de la banda llega? 
Y en un momento donde ya estábamos con muchas ganas de tener el disco en serio. Surgió la posibilidad de grabar con Gonzalo “Pájaro” Rainoldi, que es amigo de toda la vida, sabíamos cómo laburaba y que era la persona que necesitábamos, que podía sacarnos lo que queríamos escuchar. Podríamos haber grabado en otros lados, sin embargo lo esperamos a él. El mastering lo mandamos a Chicago [USA] a Carl Saff, un tipo que laburó con bandas como Don Caballero, Mogwai, Fu Manchu, Off!, Earthless, entre otros.

Esta es una apreciación personal: por lo general, los primeros discos de las bandas suenan muy pegados a sus influencias, pero en el caso de Persona, me resultó difícil poder asociarlo a tal o cual banda, y me da la sensación como si fuese el segundo o tercer disco de la banda. ¿Cómo lo ves vos?
Qué bueno. Como te decía, tratamos que suene siempre a Persona, y si hay algo que suena demasiado a otra cosa, la sacamos, buscamos por otro lado. No dijimos nunca “hagamos stoner rock, post rock o math rock”, hacemos la música que nos gusta, la que nos sale. Buscamos cosas distintas entre los cuatro, cada uno aporta su parte y sale esto que es Persona, sin una etiqueta. Hacemos rock pero sin cantante.

El tema más largo dura 6 minutos, ¿hay cierto espíritu punk?
Sí, hay temas de un minuto y medio, pero la mayoría son entre 3 y 4 minutos. El punk nos gusta mucho, tal vez en las influencias musicales no se note tanto pero escuchamos un montón de bandas. Yo no estudié nunca, no sé las notas, no sé teoría, todo lo que aprendí fue tocando solo, escuchando y sacando temas de Ramones. Esteban y yo venimos del punk rock, el resto de los chicos escuchan otras cosas.

¿Lo van editar en formato físico?
Si, hace dos semanas sacamos una tirada en cassette, de manijas, sólo 50 copias, tal vez hagamos más o tal vez no. En marzo del año que viene va a salir por Venado Records, Sello Cabello de Escobar y Monqui Albino, que es un sello de los chicos de Julio y Agosto. Son los tres re distintos, Sello Cabello es más experimental, Venado es rockero y Monqui Albino es otra onda, que nada que ver. Está bueno que esté como en tres puntas distintas, es como una cooperativa entre sellos. Viene como una idea más del punk y del hardcore.

Ya había escuchado hablar y tengo algunas referencias sobre el sello Cabello. ¿Qué nos podes contar? 
Parte todo de Mateo del Taller de Remedios en Escobar, donde da clases de grabado, cerámica, hace de todo. Y se le ocurrió hacer un ciclo donde las bandas tocan y graban algo especialmente para ese día y se edita al mes. Todas las ediciones son artesanales, muy cuidadas, armadas por él. El Taller de Remedios armó como una escena, nucleó a un montón de gente y está buenísimo.

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“Tratamos que suene siempre a Persona, y si hay algo que suena demasiado a otra cosa, la sacamos, buscamos por otro lado”.

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Persona live: Gustavo Hernández, Esteban Podestá, Santiago Adano y Lucas Podestá. 


Hace poco organizaron un festival que denominaron “Antiego”, ¿cómo estuvo eso? 
Increíble. Lo organizamos con la Tumba del Alca, ya lo habíamos hecho el año pasado en un barcito en Escobar donde invitamos a todas las bandas con las que tocamos durante el año: 15 bandas, 15 minutos cada una, compartiendo set de pedales para no perder tiempo. Este año quisimos redoblar la apuesta poniendo dos escenarios, media hora cada banda, terminaba una y al toque arrancaba la otra. Vinieron bandas de todos lados, de todos los estilos, fueron 12 horas de música sin parar. Hicimos todo a pulmón, en un campo hermoso al aire libre. La idea era que se junten las bandas que nunca habían compartido fecha y se conozcan, que se armen fechas. Pegaron re buena onda, quedaron todos re contentos, fue un festival entre amigos y estuvo buenísimo, se logró. Esperemos que el año que viene podamos redoblar la apuesta.

Hablando de festivales, ¿qué opinión te merecen los “lollapalooza” o los que arman las marcas de celulares o gaseosas?
Al último que fui fue hace como 5 años a ver a Faith No More, pero la verdad no es mi ambiente. Empezando por las entradas carísimas para ver una banda que esperaste mucho tiempo, después tocan 40 minutos en condiciones que la banda no quisiera tocar seguramente, no podés tomarte una birra, hay mucha gente, eso no me gusta.

Vos además tocas en otras dos bandas, La Tumba del Alca y Santino y los hermanos enemigos. ¿Cuál es el hilo conductor entre ellas y qué tienen de diferente? 
La Tumba del Alca y Persona son instrumentales pero desde diferentes enfoques. La Tumba es más experimental, hay tempos más raros, no hay canción, son temas más largos. Santino y los hermanos enemigos es una banda cantada, teníamos ganas de hacer algo así y nunca dábamos con la persona. Lo conocimos a Santino que tocaba solo con una guitarra de doce cuerdas y nos sumamos con mi hermano Esteban, vamos a sacar un disco el año que viene. Lo que une a estos tres proyectos es que somos todos amigos, nacieron todas de una relación de amistad, no es que pusimos un aviso para ver quién caía. Es divertido, me mantiene activo y joven, salimos a tocar por todos lados. En el festival “Antiego” toqué con las tres bandas, está bueno.

El primer disco de La Tumba del Alca está grabado en vivo, ¿de dónde sale esa idea? 
Se le ocurrió a Mateo del Taller de Remedios. El primero fue como un disco en vivo con público y para el segundo queríamos que sea una grabación con gente en el estudio, para que puedan ver cómo se graba. El primer día nos dimos cuenta que no fue lo que nosotros pensábamos que era, había muchos nervios. Como fueron dos días de grabación, ya para el segundo salió todo buenísimo. Fue como grabar en diferentes tomas, si no nos gustaba parábamos y repetíamos. No fue un recital en vivo sino un disco con gente.

¿Con Persona piensan hacer lo mismo?
El año que viene, seguramente. Sería algo muy puntual, una pieza dedicada en el Taller de Remedios, tenemos que componer para esa ocasión. Tiene que ser algo que no haya sido grabado. Todos los que pasaron por ahí lo hicieron de esa manera.

Es interesante cómo hacen todo de una manera muy fresca, sincera, genuina y artesanal… 
Es realmente así, somos un grupo de amigos haciendo cosas porque nos gusta, nadie quiere hacer plata con esto. En cada pieza dedicada, se hace un plato de comida elegido por el que toca, hay gente que cocina, que se queda preparando todo, los chicos que graban, Mateo haciendo los discos, hay un montón de gente que colabora desinteresadamente. Ayudó un montón a la movida de Escobar.

Vos tocás con tu hermano Esteban en Persona y Santino y los hermanos enemigos. ¿Qué discos o qué bandas sonaban en tu casa desde chicos? 
Y empezamos con Ramones a pleno, después vino toda la movida de Mentes Abiertas y el Buenos Aires Hardcore, pasamos al heavy pero seguíamos escuchando punk. Luego vino Kyuss y él arrancó con Tool, y bueno, nos íbamos pasando cosas.

Me habías contado en otra oportunidad que ambos tienen un pasado straight edge… 
Si, y ahora somos unos caídos [risas]. Eso nos llegó por el hardcore, escuchábamos Shelter, Youth of Today, Minor Threat, Inside Out, a través de las letras y el mensaje: no alcohol, no drogas. Eso nos llevó al vegetarianismo también, que lo conservamos hasta hoy. Habrán sido dos años, nos llegó de chicos, yo tenía 18. Todavía sigo escuchando esas bandas.

Para ir finalizando, ¿qué significa la música para vos?
La música para mí es la vida misma, es una de las razones o la razón por la que sigo vivo. Me da ganas de seguir, y también todo eso que está alrededor: conocer gente, tocar, poder mostrar lo que hacés, que te digan que está bueno, ensayar, crear. Va todo de la mano, la música y la vida juntos, no pasa un día sin escuchar música o haciendo cosas relacionadas con eso.

¿Entre qué discos guardarías el de Persona?
Uy, me mataste, no sabría donde ponerlo, encima tengo todos los discos desordenados [risas]. De caprichoso y agrandado lo pondría entre uno de Kyuss y uno de Tool.-

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Próximas fechas: 


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Foto #1 por Natalí Mosquera.
Foto #2 por Victoria Bouzas.