lunes, 21 de marzo de 2016

Entrevista a Daniel Libedinsky de Dragonauta: Rituales necrocósmicos del caos


Luego de casi 9 años, volvimos a contactarnos con Daniel Libedinsky, guitarrista y fundador de Dragonauta, para hablar de la nueva etapa de la banda, los cambios de integrantes, la actividad en vivo, el nuevo disco, entre otras cosas.



Pasaron muchos años de nuestra primera entrevista y en todo este tiempo, hubo varios cambios en la alineación de Dragonauta. Los últimos fueron las salidas de José “Topo” Armetta y Ariel Solito, cantante/bajista y baterista respectivamente. Sin entrar en detalles, Libedinsky dijo que “Ambos se fueron por algunas diferencias musicales, de trabajo y de objetivos, no mucho más que eso”. Sabemos que las relaciones humanas no son para nada simples, pero queríamos saber cómo se lo tomaba, siendo único miembro original, si lo consideraba como algo natural o no y cómo afectaba la trayectoria de la banda, “Es algo natural y dinámico, como toda relación entre personas”. Por otro lado, agregó que “En el caso de la banda, creo que terminó afectando positivamente, con cada cambio nos adaptamos y eso conlleva toda una exploración musical para adecuarse a las nuevas formaciones”.

En relación a esto, en algún concierto del año pasado, Federico Wolman, ex cantante, tocó con la banda nuevamente, lo cual pareció que estuvo latente la idea de una vuelta a Dragonauta ante la partida de Armetta. “Si, de hecho lo hablamos”, nos confirmó. Además dejó la puerta abierta al decir que “De cualquier forma, de alguna manera él siempre está en el espíritu de la banda y puede aparecer en cualquier momento”. Sobre los nuevos miembros, Daniel nos contó que son Leo Hellgross en batería, quien tocó en bandas como Sadden, Babas del diablo, entre otras y el ex Dead Rooster, Lucien Kurgan en bajo y voz. “Los dos trabajan muy bien, muy duro, tienen gran técnica y conocen el estilo”, afirmó.

Con respecto a la actividad de la banda, por un lado, suponemos que cada uno de sus integrantes mantiene otras diferentes por fuera de ella, dedicándole tiempo a sus respectivos trabajos, familias, entre otras. Por otro, que no debe ser fácil mantener una banda activa durante tanto tiempo y más teniendo en cuenta que el estilo que practican no es para nada comercial, pero conociendo de su trayectoria, convocatoria y la expectativa que generan, queríamos saber si se plantearon la posibilidad de dedicarse a Dragonauta a tiempo completo o, como sucede en muchas bandas, si prefieren focalizarse como un proyecto de tiempos marginales, “Tal como están dadas las condiciones actuales no nos dedicamos tiempo completo, tampoco creemos que haga falta, ya que siempre lo encaramos con toda la seriedad y tiempo posible, para que el resultado siga siendo bueno”.

A lo largo de los años, Dragonauta ha tocado con muchas bandas, de estilos disímiles en algunos casos, como aquella vez con Napalm Death. A contramano de varias de ellas, que por distintas razones buscan pertenecer a tal o cual movida, a Dragonauta parece que nunca le importaron las escenas, “Sólo hacemos la música que tenemos ganas de hacer, en el momento que nos parece, no nos ponemos a pensar en nada con respecto a movidas”. El guitarrista dejó en claro que “No nos interesa formar parte de ninguna escena ni movida en particular”.

NO NOS INTERESA FORMAR PARTE
DE NINGUNA ESCENA NI MOVIDA 
EN PARTICULAR”.


Se van a cumplir 3 años de “Omega Pentagram”, su último disco y los rumores sobre un inminente nuevo material, parecen confirmarse: “Estamos trabajando en eso, hay varias canciones, es como ´Tales from topographic oceans´ pasado por un filtro de Black metal, pero no te puedo adelantar nada, porque hoy pensamos los temas de una manera y tal vez la semana que viene cambiamos”. Por otro lado, Daniel nos contó sobre las bandas que últimamente suenan en el bunker de la banda, “Tal vez algo de Black metal, como Enslaved u Oranssi Pazuzu” y qué opinión le merece With the Dead, el nuevo proyecto de Lee Dorrian, ex Napalm Death y Cathedral, “Es como Ramesses con la voz de Lee, calculo que cualquier cosa que haga Dorrian va a estar bien”. 

—Hace un tiempo, Dragonauta hacía sus "Misas Negras" y tocaba bastante seguido. Ahora, los “Rituales Necrocósmicos”, ¿tendrán la misma suerte? ¿Podremos verlos por fuera de C.A.B.A? 
—No tengo la menor idea de que suerte correremos, por ahora va muy bien. En cuanto a las fechas fuera de C.A.B.A, si el ofrecimiento está a la altura de la banda, seguro aceptaremos. 

—Recientemente, se confirmó que Dragonauta estará tocando con los suecos Candlemass el 19 de abril en The Roxy Live, ¿recordás cómo los conociste musicalmente? ¿Qué expectativas tienen?
—Escucho Candlemass hace mucho, ya ni me acuerdo, creo que con Trouble son las dos bandas más importantes de la escena. Las expectativas son las de siempre, independientemente del show que sea, que todo salga bien y terminar conformes, nosotros y el público. 

—Dragonauta tiene más de 15 años y ya es, al menos desde nuestra perspectiva, como un mito viviente underground. No sé si les gusta filosofar entre ustedes, puertas adentro, si les interesa quedar en las retinas y en los corazones de la gente que los ha visto en todo este tiempo, como un referente del doom argentino. De hecho, muchas bandas de acá que aparecieron en este período los citan como influencia. ¿Qué piensan al respecto? 
—Es interesante lo que planteás. Creo que el hecho de hacer una música que a algún grupo de personas le parece interesante durante un determinado período de tiempo, hace que de alguna manera te vayas convirtiendo, no sé si en un mito, tal vez en algo así como un referente del under. Y tal vez, también, ese sea el lugar donde nos guste estar.-
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Créditos:
Foto #1: Sebas Michia.
Foto #2: Gimena Cuenca.

jueves, 10 de marzo de 2016

Diario de viaje: Drone Celebration @ Club Plasma


De una manera u otra, a menudo está en el aire esa idea de que siempre hay alguien que lo hizo primero. Nos pasa con la música, pero también se extiende a la historia, al arte, la cultura. Al menos quien escribe, desconoce si hubo antecedentes u aproximaciones a festivales de este subgénero mutante denominado drone, que parece rayar la indefinición, la abstracción y el minimalismo. Más de 30 km de distancia entre Morón y Club Plasma no fueron obstáculo suficiente para desertar a la primera celebración drone en Buenos Aires: dos escenarios, 10 artistas y uno de ellos internacional.

Ectoplasma fue de la partida, un triangulo lisérgico sublingual que nos hizo alucinar con sus proyecciones visuales analógicas, en vivo y en directo, mezclando tintas, colores, aceites y luces. Tremendo. Acto seguido, las mentes y oídos inquietos detrás del sello Zann´s, Fernando Suárez y Manuel Platino, también conocidos como Life, hicieron público su amor por Godflesh y los sonidos industriales opresivos, vientos disonantes y guitarras histriónicas en clave punk.


La noche estaba en pañales y ya los chicos de la barra no entendían lo que estaba sucediendo tanto arriba como abajo del escenario: matas de cables y pedales habían crecido como baobabs en un suelo que no estaba acostumbrado a esta clase de vegetación. Con un cronograma sincronizado casi a la perfección, la nutrida convocatoria no tuvo descanso: bajar y subir escaleras en cada acto y encontrar música al final del último escalón fue la constante de toda la noche.

El ex Dronevil, Adriel David, hizo lo propio con Lion Spirit Drifter calentando las baldosas y quemando loops y flores que iban a conectarse con el sorpresivo debut en solitario de Juan Manuel Díaz, guitarrista y cantante de Humo del Cairo, bajo el seudónimo de Errante. De negro y prácticamente de espaldas a la audiencia, mostró su lado más oscuro y experimental, logrando una reversión de “Monte”, entre acoples y sintetizadores. En el escenario de planta baja, Pandelindio y su camarada Diente de Madera fusionaron música y culturas de Oriente Medio con las del sur rural de EE.UU. Fueron 30 minutos de quietud espiritual que dejaron en estado meditativo a los que rodearon su performance. Una experiencia inédita realmente.



Cuando se inclinaba la madrugada, un viejo soldado del underground se hizo presente: Sergio Ch., mítico vocalista y guitarrista de Los Natas, Ararat, entre otros proyectos, se adueñó del escenario superior para ejecutar su autodenominado drone set. Él y su guitarra reversionaron pasajes de la última época de Los Natas como “Ganar-perder” hasta lo más oscuro de Corsario Negro con “El cono del encono”, pasando por su material solista “Aurora”. Sin dudas fue, junto a Pandelindio, de las propuestas más analógicas y acústicas del festival.

Desde las cenizas de Sarghuma Incoxis, Alejandro Gómez, guitarrista de Dragonauta, presentó su nuevo proyecto en solitario Öö, un compendio de armonías y arpegios tan escalofriantes y profundos como bosques escandinavos. Se apoyó sobre alguna que otra base digital, pero su enorme guitarra fue la protagonista del set. Muy interesante. Arriba, las luces multicolores ponían en evidencia un escenario repleto de pedales: fue el indicio de que Eric Quach, a.k.a thisquietarmy, estaba entre nosotros. El artista canadiense, que no disimula su herencia vietnamita, peló un arsenal de efectos que dejaría embelesado a cualquier fan de la experimentación sonora. A base de sus kilométricos mantras, TQA recolectó las mejores semillas de cada uno de los lugares que visitó y vino a plantarlas en estas tierras fértiles, para que la pequeña huerta drone de a poco le gane terreno al concreto de la ciudad. Gran paso de thisquitarmy por Buenos Aires.



El espíritu folk y solitario de Legión fue el comienzo del fin de la fiesta; bien entrada la madrugada, Bhutan, demostró nuevamente porqué es el exponente local más activo y creativo en cuanto a drone, noise, ambient se refiere. El trío que forma parte del sello Venado, recorrió de punta a punta su inminente nuevo material “Vexations”, que se espera para mayo, mismo set que sonó en Niceto Club en septiembre pasado cuando compartieron escenario con los japoneses MONO. A diferencia de su primer y único registro hasta la fecha, las nuevas texturas drone/noise tienen forma de post-rock, shoegaze, dejando de lado el doom negro y corrosivo. Pasadas las 4 AM, Bhutan interrumpió abruptamente sus bajas frecuencias y el público respondió con un largo aplauso aprobando la performance de la banda y el festival en todo su largo.

La vuelta a casa fue eterna. Los últimos árboles en la oscuridad se sacudían para que los primeros pájaros dialogaran entre sí entre sus extensas ramas. Sentirse vivo a esas horas fue una buena señal. Una gran experiencia. Agradecido, una vez más.


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Fotos: Diego Toledo.

lunes, 22 de febrero de 2016

Entrevista a Federico Fossati de Pandelindio: Quilmes meditation drone


A muy poco del arribo de thisquietarmy a Buenos Aires, en la antesala del festival Drone Celebration descubrimos un proyecto interesantísimo llamado Pandelindio, que emana una mística natural cercada de sahumerios drone de Medio Oriente pero hecho en Quilmes, a la vera del Río de la Plata. La inquietud sonora nos llevó a conocer a Federico Fossati, mentor de las frecuencias introspectivas, con quien hablamos sobre los inicios, qué es el drone, sus referentes, la construcción de sus propios instrumentos y las expectativas de la inminente maratón de música minimalista y espiritual. 

—En principio, quisiera saber cómo se escribe correctamente el nombre de la banda. ¿Pan del Indio? ¿Pandelindio? Y cómo surge, si tiene algún significado en especial… 
—“Pan del Indio” es un hongo comestible que crece en los árboles de la Patagonia, su nombre científico es Cyttaria Harioti. Se lo llama así porque los mapuches solían molerlos y usarlos como pan, también hacían una bebida alcohólica fermentada, tipo chicha. El nombre de la banda se escribe todo junto “Pandelindio”, es una decisión estética y así lo usamos, pero si alguien lo escribe separado, no hay problema, remite a lo mismo. Por ahora no hay dos Pandelindio…creo.

—Me gustaría saber sobre sus orígenes. ¿Cómo surge la idea de formar Pandelindio? ¿Cómo se buscaron y encontraron para tocar juntos? Supongo que debe ser un hallazgo dar con las personas correctas en este tipo de música.
—Pandelindio surgió hace 5 años y fue tomando forma de manera gradual. Al principio era yo solo haciendo grabaciones caseras, de ahí salió “Un disco”, el primer material con el nombre de la banda. Lo grabé con un micrófono Shure bastante castigado, directo a la placa de sonido de la PC. La idea era tener un registro de los primeros instrumentos que estaba construyendo. Luego grabamos “Fuego y Soma” con Pablo Picco [N. del R. integrante de la banda cordobesa O+yn] y ahí se empezó a definir el estilo musical y la modalidad de la banda. Si bien mi novia y yo somos integrantes estables y los que llevamos adelante el proyecto, la idea es generar un espacio libre para improvisar con distintas personas e ir mutando el sonido. Cada formación da un resultado diferente, ya sea en vivo o para las grabaciones y es una de las cosas que más disfruto al tocar. Sí, es un hallazgo importante, sobre todo en lo humano. Cada vez que invitamos a alguien a tocar o grabar por lo general es un amigo o nos terminamos haciendo amigos, porque tiene que haber una conexión más allá de lo musical.

—¿Cómo encuadrarían su música y cuáles son los instrumentos que usan? 
—Todos los instrumentos que usamos son acústicos y en su mayoría étnicos. Didgeridoo de pita o bambú, Tambura, Bansuri, Shruti box, Dilruba, Duduk, Banjo, Arpa Pitagórica, Clarinete clásico y de bambú, Rabel, Zanfona, Armonio, entre otros. En los tags de Soundcloud y Bandcamp siempre pongo lo mismo, freefolk, improvisación, experimental, drone, en algunos casos meditación. No sé si sirven esas clasificaciones o si le hacemos justicia. En criollo se podría decir que es “alto guiso”.

—¿Es verdad que ustedes construyen sus propios instrumentos? En un viaje a El Bolsón, conocí la música de Alberto Magnin, músico y fabricante de instrumentos étnicos, ¿lo conocen?
—¡Sí! Qué loco que preguntes porque, de hecho, fue gracias a él que comencé a interesarme en la construcción de instrumentos musicales. La mayoría de los instrumentos que toco son de construcción propia; como el n’vike que es un violín toba, didgeridoo de tacuaron, flautas de bambú, arpa pitagórica. Y desde mitad del año pasado estoy viviendo únicamente de la construcción de instrumentos, así que es una parte importante y complementaria de la banda.

—Por lo general, asociamos la etiqueta “drone” para referirnos a nombres como SUNN O))), Earth, Boris, entre otros, pero éste ya estaba presente en la música hindú. ¿Qué entienden ustedes por drone? Me gustaría saber si conocen a estos nombres y qué artistas son sus referentes.
—Sí, excepto Boris, los conozco y he escuchado, pero no habitualmente. Conocí lo que es el drone por compositores minimalistas norteamericanos, como La Monte Young, Pauline Oliveros y Terry Riley, que lo utilizan en muchas de sus obras. Hay un disco de La Monte Young que dura una hora y pico en el que solamente suenan tamburas de su maestro. El sonido cíclico y con armónicos impredecibles de la tambura es fundamental y de mis favoritos. Para mí, el drone es la conjunción entre lo hipnótico de lo constante y las pequeñas variaciones en las que uno puede bucear y alcanzar un estado de introspección. Otra gran influencia es la música clásica indostánica y sus mayores referentes: Hariprasad Chaurasia, Bismillah Khan, Pandit Pran Nath y Mallikarjun Mansur.

“El drone es la conjunción entre lo hipnótico de lo constante y las pequeñas variaciones en las que uno puede bucear y alcanzar un estado de introspección”.


—Sus trabajos fueron editados en España, Austria, Estados Unidos y en formato cassette. ¿Cómo se da este fenómeno de edición internacional y porqué en ese soporte? 
—Principalmente porque es un soporte económico, la producción de un cassette está 2 dólares y se venden a 5 ó 6 dólares y además se pueden realizar ediciones de menor cantidad de copias que en CDs o vinilos. También creo que frente al enorme crecimiento de lo digital se revalorizó lo analógico, al menos en algunos circuitos del under local e internacional. Hoy en día con Soundcloud, Bandcamp y las redes sociales es mucho mas fácil interactuar con los que manejan los sellos extranjeros. En nuestro caso, algunos nos contactaron y otras veces nosotros enviamos el material. 

—¿Suelen tocar en vivo? ¿En qué tipo de lugares o circuitos se mueven? ¿Qué lugar tienen las artes visuales en los shows? 
—Guillermo y Juan de Panchasila, nos invitaron a tocar a principios del 2014; y desde ahí empezamos a tocar en vivo con más regularidad. Hemos tocado en eventos organizados en casas, en centros culturales, en muestras de arte; el año pasado, por ejemplo, tuvimos el gustazo de ser invitados por Nicolas Melmann para tocar en el Museo contemporáneo de Mar del Plata en el marco del ciclo “Lenguajes sonoros”. Respecto de las artes visuales, las chicas de Salvia Divinorum han ambientado fechas en las que participamos y estuvo muy bueno, pero en general no usamos visuales para el set. 

—Van a sacar un trabajo nuevo en marzo, ¿verdad? ¿Qué nos podés contar de eso? 
—Sí. Estoy muy feliz con el resultado de "El Monte Análogo". Ya tenemos los cassettes que editamos de manera independiente y también tendrá una edición europea por Feathered Coyote Records de Austria. El 13 de Marzo vamos a liberar la descarga gratuita a través de nuestro bandcamp. Este disco lo venimos gestando con Pablo Picco hace más de dos años ya. En enero del 2014 grabamos juntos en Córdoba. Luego colaboró el guitarrista Mariano Rodríguez y más adelante, Ulrich Rois. Llevó mucho tiempo de mezcla y de re-grabar algunas partes. Hay grabaciones de tormentas, del viaje de Pablo a India, tapas de ollas Essen, un piano en 415 hz y desafinado, un poco de todo. El arte lo hizo Jake Blanchard, dibujante y artista inglés, responsable de las tapas de discos de Pelt, Mike Gangloff y posters para Bonnie Prince Billy, The Black Twig Pickers, entre otros músicos que admiramos. 

—Van a estar tocando en un festival inédito de música Drone en Buenos Aires, ¿conocen a los otros exponentes? ¿Qué expectativas tienen? 
—Si, la fecha esta buenísima. Tocamos juntos el año pasado con Adriel [N. del R. Adriel David de Dronevil], pero no con su nuevo proyecto Lion Spirit Drifter. A Sergio Ch. lo conozco pero por Los Natas, que me gusta desde hace mucho. A la mayoría de las bandas no las conocíamos así que tenemos muchas ganas de escucharlas en vivo. 

—Por último, ¿qué elementos/ingredientes combinarías para explicar qué es Pandelindio? 
—Utilizaría la descripción del sello Feathered Coyote Records “a portal for cosmic acoustic emanations” aunque no se cuán cósmicas son pero de seguro un portal para viajar.- 
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Foto #1: Cel-m fotografía. 
Foto #2: Festival de la purificanción.

martes, 9 de febrero de 2016

Entrevista a Eric Quach de thisquietarmy: “La música siempre es esperanza en este mundo oscuro”


Desde Canadá, un ejército pacífico de un solo soldado visitará por primera vez Buenos Aires el próximo 5 de marzo en el marco del festival Drone Celebration organizado por el sello Venado Records. Con más de 30 álbumes y cientos de shows en todo el mundo, Eric Quach, el cerebro detrás de los mantras drone, nos contó sobre sus discos, las giras, sus influencias, los extraños lugares donde tocó y cómo cambió su vida de ingeniero a músico itinerante.



—Thisquietarmy es un proyecto en solitario, pero en muchas ocasiones otros artistas han colaborado con vos, como Aidan Baker de Nadja, Syndrome [N. del R. Mathieu J. Vandekerckhove, guitarrista de Amenra], Noveller, entre otros. ¿Cómo es el proceso de trabajo en estas asociaciones para este tipo de música? 
—Depende del contexto. Algunas colaboraciones se realizan por Internet desde nuestros respectivos hogares, incluso si nos encontramos en persona de antemano; en otras se dan tocando juntos en un estudio si estamos con tiempo en el mismo lugar o incluso en vivo, arriba de un escenario. El proceso siempre comienza con un encuentro personal y/o un respeto mutuo por el trabajo del otro. Siempre empieza como improvisación, y a continuación desarrollamos las pistas durante el proceso de mezcla en el estudio. Por lo general, el objetivo principal es combinar ambos sonidos para crear un matiz distintivo, con la dinámica de tocar el uno con el otro para llevar los sonidos a una nueva dimensión. 

—Hace un tiempo entrevistamos a Aidan Baker y nos contaba algo así como que no había mucho lugar para crear y tocar este tipo de sonidos en ciudades como Montreal y Toronto, y esa fue la razón por la que se mudó a Alemania. ¿Qué está pasando en Canadá con respecto al drone o música experimental?
—Canadá es un país tan grande como el continente de Europa y toda su población puede caber en la ciudad de Tokio. Por eso, las ciudades están muy aisladas unas de otras y hay muy poca conexión entre ellas a raíz de la distancia. Además, debido al duro invierno, durante la mitad del año, hay muchas oportunidades para producir música y trabajar en proyectos artísticos creativos porque no hay mucho que hacer. Pero, al mismo tiempo, hay muy poco interés en este tipo de música en términos de conciertos o giras. Como en todas partes, el drone o música experimental no es popular y menos aún en pequeñas ciudades donde la cultura subterránea no está bien desarrollada. Rara vez toco en Canadá, tal vez 3 0 4 conciertos por año en mi ciudad natal y suelo tocar en Europa unas 50 o 60 veces por año. La única diferencia con Aidan es que todavía vivo en Canadá.

—¿Cuántos discos has grabado exactamente bajo thisquietarmy? ¿Por qué elegís este modo de trabajo? 
—Tengo entre 30 y 40 ediciones que comprenden discos "reales", y también hay una gran cantidad de trabajos colaborativos, EPs, relanzamientos, documentos, grabaciones de colaboraciones en viv0, ya sea en vinilo, CD, casette y soporte digital. Por lo general, los álbumes conceptuales son obras hechas de pistas que toman mucho más tiempo y trabajo. Creo música porque tengo esta necesidad de exteriorizar emociones a través de sonidos y efectos visuales, trabajo mucho sobre esto, pienso en conceptos todo el tiempo. Pero también soy muy selectivo de los álbumes que lanzo; a veces puede tomarme años porque quiero asegurarme de que pueden resistir el paso del tiempo. Además, thisquietarmy comenzó hace más de 10 años y mantiene un ritmo bastante constante y disciplinado, entonces, como resultado, hay muchos álbumes.

—Reversionaste temas de Joy Division y Slowdive, ¿cómo llegaste a esos artistas? ¿Qué otros te han influenciado? 
—El cover de Joy Division ocurrió por accidente. Cuando yo estaba componiendo la canción "The Black Sea”, me di cuenta que la progresión de acordes sonaba como "New Dawn Fades" pero de una manera más pesada, desafinada y en cámara lenta. Entonces, decidí llevarlo más lejos y terminar las dos versiones, como cover de Joy Division y como mi track inicial. No tengo formación en música y no sé mucho acerca de la teoría musical y técnica, así que no es común para mí tocar canciones de otros. Por otra parte, probablemente soy la primera persona en grabar una versión de “Chimeras” de Tim Hecker, que es música abstracta y no convencional. Slowdive siempre ha sido una influencia temprana en términos de cómo me acercaba a mi sonido de la guitarra. Sin embargo, la versión de “Sleep" que hice, en realidad es una canción de un demo que Slowdive nunca registró oficialmente [N. del R. Creo que se refiere a la versión de “Bleed”]. En cierto modo, la canción no existe. Otras influencias son Godspeed You! Black Emperor, Tarentel, Set Fire To Flames, lovesliescrushing, Mogwai, My Bloody Valentine, Philip Glass, Brian Eno, The Cure, entre otros.

—Me gustaría que nos cuentes sobre el álbum “Exorcisms”, que es una grabación en una iglesia. ¿Cómo fue esa experiencia? ¿Sos creyente?
—“Exorcisms” fue grabado en Christ’s Church Cathedral en Hamilton, Canadá, en dos sesiones diferentes. En realidad eran shows en vivo que me invitaron a tocar, y yo improvisé y grabé los dos para lanzarlo como álbum. "Altar of Drone" fue también grabado en una iglesia, en Christuskirche en Bochum, Alemania. La semana pasada toqué en una iglesia de París, las iglesias son uno de mis lugares favoritos para tocar, debido principalmente a los viajes del sonido en el espacio de la gran arquitectura que tienen. Como un lugar de culto, tienen otra dimensión. Toqué en la Iglesia de St-Merry en París frente a 800 personas como parte de un bienal en artes digitales. Probablemente un punto culminante en mi carrera. Por otra parte, no creo en Dios ni soy una persona religiosa.

—Además de en una iglesia, ¿cuál es el lugar más extraño donde tocaste? 
—He tocado en un montón de lugares interesantes en realidad, como un bosque, un monasterio abandonado, un granero, una cueva, un barco, un insectario, un antiguo refugio antiaéreo, una tienda de tatuajes, un vagón de tren, una casa tomada, un apartamento abandonado, una cocina, un cuarto de baño…siempre estoy en la búsqueda de lugares atípicos para tocar.

"Las iglesias son uno de mis lugares favoritos para tocar, debido principalmente a los viajes del sonido en el espacio de la gran arquitectura que tienen".


—Tengo entendido que, además de hacer música, también te encargas del arte de tapa, del sello, de las proyecciones, de armar las giras. ¿Es así? ¿Realmente estás solo en todo o hay personas que te ayudan? 
—Si, mayormente hago todo yo. Últimamente prefiero cuidar de todo yo mismo. Es mucho más trabajo pero me parece necesario para mi integridad, para mantener el control creativo y logístico a la hora de agendar y dar conciertos. A veces delego, pero no lo hago muy seguido. Cuando encuentro un trabajo artístico de un amigo que encaja en el contexto mucho mejor de lo que lo puedo hacer yo o cuando se ofrecen a ayudarme a agendar algunos shows, por supuesto que acepto eso. Para los álbumes, grabo y mezclo yo mismo, y como nunca voy a un estudio profesional, salvo para los discos importantes, pregunto a alguien para hacer el mastering lo mejor posible. Últimamente no he lanzado todo por mi propio sello [N. del R. TQA Records]. Trabajé con muchos y diferentes sellos como Consouling de Bélgica, Denovali de Alemania, Shelter Press de Francia, Aurora Borealis de Inglaterra, Alien8 de Cánada y entre 10 y 15 más de otras partes del mundo.

—Has estado recorriendo el mundo a lo largo de 10 años haciendo música por fuera de las estructuras y circuitos comerciales. ¿Cuán fácil o difícil es vivir de esta manera? 
—Sólo estuve girando los últimos 5 o 6 años realmente, antes tenía un trabajo a tiempo completo como ingeniero, trabajando en proyectos industriales e hidroeléctricos por muchos años, haciendo música a la noche y los fines de semana, y tomando vacaciones para trabajar con la música y tocar en vivo. Cuando perdí mi trabajo, me tomé un año de descanso para focalizarme en la música y nunca paré desde entonces. Es algo personal que tenía que hacer y trabajé duro para mantener este estilo de vida y seguir adelante sin ningún tipo de seguridad o estabilidad. Es extraño y alienante porque no hay mucha gente que pueda entenderlo.

—¿Podés dar algún consejo a quienes quieran intentar hacer lo mismo que vos? 
—No lo sé, porque nunca realmente tuve la intención de hacer una vida así. Es un camino que decidí tomar para bien o para mal y no tengo ni idea a dónde me llevará. Creo que cada uno tiene que encontrar y descifrar su propio camino por sí mismo hacia su propia libertad. Una cosa es segura: vos creas tu propia suerte. Las oportunidades vienen con el trabajo duro. También ayuda a ser conscientes de cómo realmente funciona el mundo.

—Has estado trabajando con James Plotkin, [N. del R. Scorn, Khanate, entre otros] ¿Cómo lo conociste? ¿Qué nos podés contar de él? 
—En realidad nunca conocí personalmente a James Plotkin, él está siempre disponible para trabajar en proyectos de masterización, una parte crucial de la finalización de un disco, donde se trata de hacer algunos ajustes a la mezcla final para que suene bien y equilibrado, a través de diferentes formatos y sistema de sonido. Acabamos de comunicarnos por correo electrónico, es bastante sencillo.

—¿Podrías contarnos qué guitarras, amplificadores, pedales, efectos y equipos usás? 
—Mi guitarra principal es una Fender Jaguar japonesa, pero no siempre la tengo en el estudio o en las giras, está actualmente en Bélgica por fines logísticos. Tengo una Fender Jaguar Blacktop como apoyo en Montreal y, en las giras, pido guitarras prestadas si se complica traer la mía. Los pedales son la parte más importante para mi sonido, uso fuzz, delay, pitch shifter, octavador, booster, phaser, trémolo, reverb y varios dispositivos de loops para diferentes propósitos, algunos tienen tarjetas de memoria para almacenar loops de batería. Tengo algunos amplificadores Traynor pero raramente los uso cuando grabo en directo, aunque cuando están disponibles como back line, los uso. En fin, las guitarras y los amplificadores varían, puedo tocar con cualquiera de ellos, pero necesito mi combinación de pedales para thisquietarmy.

—¿Solés escuchar tu propia música? ¿La considerás más cercana a luz o a la oscuridad? 
—Nunca escucho a mi propia música. Después de su lanzamiento, su propósito termina para mí cuando la parte creativa ya está hecha, entonces me muevo hacia nuevos trabajos. La música siempre es esperanza en este mundo oscuro.

—¿Estás trabajando en música nueva? 
—Constantemente estoy trabajando en música nueva con muchas ideas. A veces me toma años en terminar un álbum, también trabajo en muchos al mismo tiempo porque las ideas y conceptos son muy diferentes. Habrá un nuevo 7” EP esta primavera [N. del R. Otoño para el hemisferio sur] a través del sello francés Discolexique, que contendrá algo de material post-punk/experimental que dejé de lado por un par de años. Un nuevo álbum doble en clave drone saldrá por el sello ruso Grains of Sand, también este año. Durante la gira por Sudamérica, haré una grabación en Dissenso Studios en San Pablo, Brasil, para el sello Essence Music y para las fechas en Chile, el sello Templo Sagittal lanzará un álbum Split con Thanatoloops.

—Por primera vez vas tocar en Argentina. ¿Qué te dice la gente que va a verte a los shows? ¿Cuáles son sus sensaciones? ¿Y cuáles son las tuyas cuando estás sobre el escenario? 
—Los chicos generalmente me preguntan sobre mis influencias, porque escuchan diferentes elementos en mi música, basados en sus propias referencias musicales y culturales. Es interesante oír sus puntos de vista, ya que sólo estoy canalizando mis propias influencias a través de mi sonido y expresando mis propios sentimientos hacia mis propias opiniones personales del mundo y su desencadenamiento en forma de drone y noise, a través de texturas y estructuras shoegaze y post-rock, con las limitaciones experimentales y los desafíos de tocar solo. Mi set es casi siempre parcial, y a veces completamente improvisado, ya que estoy en mi propio universo en el escenario y lo que sale depende de cómo me siento en ese momento, con el ambiente y la energía del lugar. Todos aquellos elementos desempeñan un papel importante en la entrega y la ejecución del set. Las personas suelen describir el concierto como un viaje mental, épico y sónico.

—Eric, muchas gracias por tu tiempo y la buena onda. ¿Te gustaría dejar algún mensaje? 
—Tengo muchos deseos de tocar en Argentina, parece un hermoso país. ¡Gracias a Venado Records por invitarme!-
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Foto #1: Davy De Pauw
Foto #2: Jan Van Woensel
Evento 

miércoles, 16 de diciembre de 2015

Entrevista a Juan Manuel Díaz de Humo del Cairo: “Me parece poco creíble ir atrás de lo que la gente espera que hagas”


En una de esas calurosas noches de primavera casi verano, el bar Detroit Club de Morón nos abrió sus puertas para poder introducirnos, una vez más, en el universo de Humo del Cairo. A lo largo de una extensa e intensa charla-entrevista, Juan Manuel Díaz profundizó conceptos y puntos de vista sobre el hazlo tú mismo, su propio sello, el stoner rock, sus bandas pasadas, medio oriente y la espiritualidad, el público, Fugazi y el inminente nuevo material de la banda.



—Después de editar un disco largo como “Vol.2” en 2011, anticiparon que grabarían una trilogía de discos en formato EP. ¿Por qué decidieron hacerlo de esta forma? 
 —Creo que la razón principal fue porque nos tomamos mucho tiempo entre un disco y otro. “Vol.1” salió en 2007, “Vol.2” a fines del 2011 y los EPs los grabamos hace un año y pico. Tal vez antes la banda no funcionaba tan bien como ahora, entonces la posibilidad de grabar no era tan cercana. Después de la salida de “Vol.2”, la banda empezó a crecer un montón, a tocar muchísimo, aprendimos también a cómo manejarnos, cómo hacer las cosas. Estábamos en un sello, Estamos Felices, que es independiente pero un sello al fin, que te digita, que te edita el disco según sus tiempos y quiere opinar sobre tu arte de tapa. Son cosas que capaz que nos hinchaban un poco las bolas y nos dimos cuenta que nosotros solos podíamos hacer todo, absolutamente todo. Me molestaba que me escribían de La Plata diciendo que no conseguían el disco, “¿cómo que no lo consiguen?”, les decía, si tiene distribución. Y así un montón de cosas. Teníamos los elementos para poder hacerlo todo nosotros, editar nuestros propios discos como queríamos. Lo he hecho a los 16, 17 años con mis primeras bandas, cómo no lo voy a hacer ahora con los recursos que tiene Humo del Cairo. Esa fue la iniciativa de hacer EPs, grabar las veces que querramos, no depender de los tiempos de otro y cuidar todo el contenido, todo pasa por nosotros. Con el EP 1 pasó eso, todo lo hicimos nosotros: lo grabamos, lo produjimos, lo distribuimos, lo fabricamos. La primera tirada la hicimos en serigrafía uno por uno, los numeramos a mano, fue como un capricho. Podríamos decir que fue para recuperar el tiempo que habíamos perdido entre disco y disco y además grabar con Fede [N. del R. Castrogiovanni, actual baterista].

—En esta primera experiencia de la banda grabando EPs, fueron masterizados por Alan Douches [N. del R. Trabajó con Baroness, Converge, Clutch, The Dillinger Escape Plan, Sepultura, Superjoint Ritual, Bad Brains, Monster Magnet, entre otros], ¿qué los motivó a decidirse por él? 
—Parte de este capricho era grabar como se nos antojaba, porque en las otras grabaciones estaban atadas a un presupuesto bastante bajo y las hicimos a los ponchazos siempre. Teníamos un material tan especial para nosotros que queríamos que sonara de determinada manera, y no es por prejuicioso pero sabíamos que hay cosas que acá no le iban a encontrar la vuelta. Averiguando, nos salía exactamente lo mismo laburar con alguien de afuera, con alguien que yo admiraba realmente desde chico. Fue complacer el capricho ese de saber que el disco iba a sonar como lo pensamos de un primer momento. Y fue así, no lo dudamos y por eso lo hicimos de nuevo para el segundo EP. Quedamos súper conformes, es más que nada satisfacción personal.

—Este alejamiento del sello anterior da nacimiento a Errantes, su propio sello. Imagino que les demanda más tiempo, más gastos, ¿cómo lo ves a futuro? ¿Creés que es posible tener una banda, ser independiente, tener tu propio sello y no formar parte de la dinámica de siempre? 
—Es la forma en cómo me manejé cuando arranqué con la música. En ese momento era mucho más complicado, no tenías todas las herramientas que tenés hoy en día. Hoy hacer una movida así es de lo más sencillo, lo ves todos los días, hay un montón de sellos, produciendo y haciendo cosas. Me parece que es la manera más acertada, no porque los sellos sean malos, ni eso de que las multinacionales se van a comer a la bandas, ya quedó un poco atrás todo eso, de hecho volveríamos a trabajar con sellos independientes. Uno tiene que buscar cierto equilibrio y la mejor manera es manejando todo, que no quede nada librado al azar. El proyecto a futuro sería editar a otras bandas que nos gustan. Cuando tocamos en otras provincias y lugares lejanos vemos un montón de bandas que capaz que acá no las conocen pero están buenísimas, siempre flashamos esa, grabarlos, darles una mano, aprovechar esa exposición que tiene Humo del Cairo para dar a conocer otros artistas. También fantaseamos sacar un libro de fotos de nuestro fotógrafo Martín Santoro. Son cosas que podemos concretar a futuro, no dentro de 15 años sino algo más próximo, pero por ahora la prioridad es editar los discos de Humo del Cairo.

—Me decías que los discos del "EP 1:Preludio” fueron trabajados en serigrafía, de manera muy artesanal. Más allá del capricho que contabas, ¿esto tiene algún valor simbólico en estos tiempos digitales? 
—En los momentos previos a la producción y grabación de “Preludio” nos enroscamos un montón de cosas que ya habíamos vivido. Si yo ya fabriqué discos e hice serigrafía a los 16 años, copiaba los CD-R, le ponía la calcomanía y los vendíamos con Cucsifae, ¿cómo no lo vamos a hacer ahora? Esta buenísimo, hacemos todo nosotros. Eso sumado a volver a escuchar un montón de música que me di cuenta que nunca olvidé. Escucho mucha música, hay cosas que quedan el pasado y hay bandas que me marcaron y que van a estar toda mi vida ahí. “Preludio” fue resucitar un montón de cosas que tal vez por prejuicio habíamos dejado a un costado, o porque estábamos embarcados en otra. El proceso lo vivimos con alegría, lo hicimos con amigos, como Guido de Don´t Be Shy que fue quien lo estampó, es también quien hace nuestros posters y remeras, es alguien a quien conozco desde que tengo 20 años, escuchábamos los mismos discos. Fue muy flashero juntarnos a trabajar y escuchar de nuevo las mismas bandas de hace 20 años atrás. Fue un proceso de rejuvenecimiento, de vitalidad. Dejamos fluir las cosas y sacó lo mejor de nosotros. Esta es la mejor etapa de Humo del Cairo, porque estamos escuchando cierta música que nos abre la cabeza, porque hay un público que nos sigue, que nos hace el aguante y eso nos da ganas de generar y hacer un montón de cosas.

—¿Cuáles son esas bandas que están escuchando? 
—Y…muchas, muchas. Steak Number Eight, que son unos pequeños que tocan muy bien y está muy bueno, Tera Melos, Converge, Amenra, Whores, Mutoid Man, Neurosis, Eagle Twin, Helms Alee, Ken Mode, un móntón de bandas. Nunca dejé de escuchar Fugazi, Minor Threat, Bad Brains…

—Que no tienen nada que ver con el stoner rock… 
—No, totalmente. Mi corazón está en el punk rock y el hardcore. Nunca nos clasificamos, nunca nos gustó la etiqueta “stoner” porque nos sentíamos mucho más amplios. También fue un poco eso lo que hicimos con los EPs, mostramos otra faceta que la gente tal vez no conocía de Humo del Cairo. Música escuchamos mucha, cada uno de los tres también escucha cosas diferentes. El Tano [N. del R. Gustavo Bianchi, bajista] es el más vintage, le gusta mucho el soul, el funk, es más setentero; yo voy más con el punk, el hardcore y el post hadcore; a Fede le gusta más el metal y lo vivimos re desprejuiciado, re natural.

—Hagamos un breve paréntesis para hablar sobre tus bandas pre-Humo del Cairo. Contabas que estuviste en Cucsifae, que fue un proyecto paralelo a Fun People. ¿En qué otras bandas tocaste? 
—En Cusifae arranqué tocando el bajo, luego la guitarra y canté. Hicimos el primer disco en el 96´, fue puro aprendizaje, mi primer contacto con el DIY, el posta, una banda que se autogestionaba, grababa sus discos, los editaba por su propio sello y los distribuía. Hacíamos nuestro merch y lo mandábamos por correo. Giramos por Chile y Uruguay y tocamos con los míticos Crudos. Baltimore in Love es otro buen recuerdo, éramos de las primeras bandas de post hardore, emo, toda esa movida de parque Rivadavia, Sniffing Recording, Heartattack, Revelation, Jade Tree, Ebullition, Dischord Records y toda esa data que terminaron de transformar mi cabeza. Después arme Nostalgia y Siberia hasta que arranque con Humo del Cairo y largué todo.

“Nunca nos clasificamos, nunca gustó la etiqueta ´stoner´ 
porque nos sentíamos mucho más amplios”


—Volviendo a la banda, me gustaría que hablemos sobre la parte artística de los dos EPs: pasaron de la ilustración en “Vol. 2” a fotografías reales, muchos grises, no hay colores, edificios, antenas, ¿qué hay detrás de todo esto? 
—Primero, tuvimos la suerte de laburar el arte de los discos, las gráficas, con gente que le pudo sacar la ficha y entender lo que queríamos transmitir. El primer disco fue algo bastante amateur pero lo sacamos adelante, lo hicimos con Ezequiel, un amigo de la banda. Ya para el segundo, nos juntamos con Ale Leonelli de Estudio Gogogoch que labura con Pez y un montón de bandas amigas. Para los EPs 1 y 2 queríamos algo diferente, ya no queríamos un dibujo y le encargamos la tarea a Martín Santoro [N. del R. Fotógrafo de la banda] de reflejar eso que decís, los grises, el concreto, lo físico, el cemento. Nos despojamos un poco de la psicodelia y decidimos mostrar algo más urbano. Despegar del cliché, la psicodelia, el porro, el cuelgue y hacer algo que nos sentíamos más identificados. Quisimos mostrar algo más orgánico, vital. Nos enroscamos mucho a hablar con el Tano, de ahí salen la mayoría de las ideas que luego van a las letras, al concepto de los discos. Las antenas son una imagen recurrente ahora que estamos viajando un montón al interior y es muy flashero ir escuchando música y saber, metafóricamente, que en las antenas viaja nuestra música y todo lo que estamos generando para que alguien alejado lo reciba, que haya un feeback, que te escriban diciendo “qué bueno lo que hacen”. Por otro lado, el mambo del disco, de las letras fue un poco intentar una apertura diferente en la gente. Que cada uno la reciba y la viva de la manera que quiera. Es transmitir y que genera algo, ojalá sea positivo.

—Las letras nunca fueron incluidas en los booklets y hay algunas que me interesa rescatar como “En Nubia” donde cantás “Muy lejos los mercenarios, no vieron la antorcha en mi mano”. ¿A qué hace referencia? 
—Está inspirado en un libro que se llama “Las 36 estrategias chinas de la guerra” y es una metáfora de la gente que se mete en esto con fines comerciales y terminan cagando todo. Es recurrente encontrarte con gente así, colegas, productores, no todos estamos en esto por lo mismo, pero es bueno saber con quién estás hablando. Lo de la antorcha es como un arma primitiva, onda “sabemos que ustedes no tienen las mejores intenciones pero yo tengo algo guardado acá, no rompan las bolas”.

—Una de las cosas que me llama la atención es la referencia a nombres del otro lado de occidente. Partiendo desde Humo del Cairo, siguiendo con “Emir”, “Mar de Aral”… 
—Hay cierta fascinación, no lo voy a negar. Me parece que es un lugar que tiene una energía súper zarpada, por algo hoy sigue habiendo tantos quilombos. Es gente que sigue viviendo como hace miles de años, que nunca dan el brazo a torcer. Tiene una carga muy fuerte esa región, aunque no nos interesa meternos en cuestiones religiosas. Repudiamos la violencia en todas sus formas y, en momentos tan sensibles como los que vivimos, no me gustaría que se confunda o mal interprete. Creemos que tiene un peso y una carga muy grande todo lo relacionado con esa zona del planeta. Para algunos más espiritual que para otros. Humo del Cairo puede ser el humo de las pipas de opio como las columnas de humo negro de los pozos petroleros en llamas o las ruinas de un hospital bombardeado por Estados Unidos.

—En las gacetillas de prensa noté que mencionan esto del despertar de la consciencia, la iluminación, cosas que antes no había percibido en ustedes. ¿Se consideran una banda espiritual? 
—Humo del Cairo se volvió una banda bastante espiritual. Hace 10 años que tocamos, crecimos un montón. Ahora nos preocupamos por otras cosas que antes no, hicimos un click. Personalmente me di cuenta que estaba viviendo en un mundo de giladas, y que hay otras cosas que son muchos más importantes. Cosas cotidianas, no es todo perseguir un billete, podemos ser felices de un montón de maneras diferentes. Empezar a dedicarnos a vivir de la música al 100% nos abrió un espectro diferente de cómo vivir las cosas. Yo me levanto y pongo a tocar la guitarra con la melodía que soñé, voy a la sala a ensayar como un laburo y convivo con músicos amigos que hacen que mi existencia sea hermosa. Empezamos a vibrar diferentes, nos dimos que cuenta de alguna manera que estábamos evolucionando y eso nos dio la pauta para seguir un camino. Empezamos a investigar un montón de cosas, a leer. La naturaleza del hombre es investigar y hurgar un poco.

—Ya que tocás el tema de investigar y leer, me gustaría saber si, más allá de todo el backround musical que tienen, hay cosas de literatura u otras ramas artísticas que terminen de moldear a la banda. 
—Nos gusta mucho leer, no solo literatura, sino también ciencia e historia. El Tano es un tipo que lee muchísimo, es como una enciclopedia. Nos gusta la idea de expandir un poco el conocimiento. Creo que lo cotidiano es una gran influencia, más que un libro, una película, una pintura, una banda. Humo del Cairo es un fiel reflejo de lo que nos pasa día a día. Eso nos marca mucho más.

 "Creo que lo cotidiano es una gran influencia, más que un libro, una película, una pintura, una banda. Humo del Cairo es un fiel reflejo de lo que nos pasa día a día. Eso nos marca mucho más" 


—Hace algunos años ustedes fueron editados en un compilado del sello norteamericano MeteorCity, ¿porqué no aprovecharon ese impulso para tocar en Estados Unidos o Europa? 
—Ese disco fue reeditado en 2010 junto con la reedición también de “Vol.1” y fue un aluvión de cosas nuevas. Nos empezaron a llover mensajes de Rusia, Israel, de Europa, Estados Unidos, fue muy loco, llegaron un montón de propuestas. Nos escribió Walter del Roadburn que estaba fascinado pero en ese momento éramos tres pibes que tocábamos con el corazón pero por hobbie, teníamos laburos y era una locura embarcarnos a hacer una gira por Europa, no estábamos en condiciones de hacerlo. Es algo que tenemos pendiente. Ahora que estamos grandes nos encantaría ir a tocar afuera, tenemos la mejor onda con toda esa gente, en su momento llegará.

—La comunicación en los conciertos entre la banda y el público, en mi opinión, es mínima, escueta, al menos desde lo verbal. Sin embargo, la letra de “Sepia” dice “son ustedes los que se mueven como serpientes, van quemando ciudades de neón” y eso me pareció un guiño a su público.
—Sí, totalmente. No me considero un frontman, tampoco nunca me creí el papel de cantante. Caí en la voz porque no había uno que cantara, siempre me consideré un guitarrista. Capaz que a la hora de subir a tocar me meto en un mambo que es estar tocando y el más sociable es el Tano, que capaz que no tiene micrófono pero busca la manera de comunicarse con la gente. Pero no somos una banda de hablar mucho. Hay una referencia en esa frase, sabemos que están ahí y estamos completamente agradecidos. Siempre tratamos de transmitir lo felices que somos cada vez que subimos a un escenario y eso es gracias a la gente que nos viene a ver.

—No son una banda que habitualmente haga covers, pero últimamente en los shows vienen tocando “Merchandise” de Fugazi, que tiene una letra que es toda una declaración de principios. ¿Qué significa para ustedes? 
—Y…yo vi a Fugazi en vivo, para mí son los Beatles. A pesar que no tenemos nada que ver musicalmente, a nivel emocional y espiritual siempre fue súper influyente para Humo del Cairo. Nunca hicieron remeras ni videos, tiraban un mensaje que podía poner de culo a todo el mundo, se plantaban e hicieron una movida grosísima. Hoy son un mito y son el soundtrack de mi vida.

—El “EP 2: Imaginario” comienza con “Alumbra”, uno de los temas más pesados de la banda y al toque le pegan un pasaje drone de casi 11 minutos. ¿Estamos en presencia de un Humo del Cairo más experimental? 
—Experimentales siempre fuimos. Previo a grabar el primer disco, hicimos unas sesiones con los mismos temas en un estudio de un amigo que duraban el doble, porque fue saliendo todo de la experimentación, de tocar y tocar los mismos temas. Lamentablemente esa cinta se perdió, pero “Nimbo” por ejemplo, duraba como 15 minutos Antes la flashábamos más en experimentar y zapar con el mambo de la psicodelia y todo eso. Hoy en día sentimos que tenemos que ser un poco más concretos en cuanto a lo que vamos a grabar. Pero en los shows en vivo, en los ensayos seguimos experimentando. Estamos escuchando mucha música electrónica y flashámos con sintetizadores, hacer ruido, aprovechar los conocimientos que tenemos. En el final de “Alumbra” fue un poco eso. Muy contrario a lo que decís vos, lo consideramos un tema re contra pop, me encanta, es uno de los que más me gustan, pero era bastante light y meterle el drone fue como “bueno, si esto es hitero y comercial, vamos a meterle esto, cosa que sea la antítesis completamente”. Nunca dejamos la experimentación. Me gustaría que Justin [N. del R. Justin Broadrick de Godflesh, Jesu, entre otros] nos haga un remix. Me parece que es parte de la dinámica de una banda para no aburrirte, transgredir los límites.

—Entiendo que experimentar también es asumir un riesgo. ¿No les da miedo de perder todo eso que ganaron en todo este tiempo? ¿A que el público no pueda llegar a entenderlos? 
—El riesgo de hacer algo diferente nunca nos importó. Para mí es evidente el cambio que hubo del EP 1 al 2 y del 2 a lo que va a ser el 3. Me parece poco creíble ir atrás de lo que la gente espera que hagas. Me parece mucho más leal y estamos más tranquilos haciendo lo que nos sale. No pre-producimos para que sea todo una fórmula matemática y sea un éxito. Hemos reversionado los temas, hay una faceta de Humo del Cairo que ahora están conociendo de a poco. No nos da miedo enfrentarnos a otros géneros. Estoy grande y quiero disfrutar de la música en general. Por otro lado, creo que el público de Humo del Cairo es bastante variado y no sé si le puede caer mal. Me parece que lo ven como una vuelta de rosca, saben que no queremos hacer lo mismo. Es como levantar un poco la vara.

—Ya han anunciado que esta serie de EPs serían tres. Me gustaría que me cuentes cuándo va a salir este tercer EP, cómo viene la parte musical y cómo lo van a editar. 
—La idea es tener editados los tres EPs en formato físico para principios del 2016, mientras tanto seguimos trabajando en más material que grabaremos pronto. Si bien los temas ya tienen su carácter y su forma, hasta que no entremos al estudio, no está todo dicho. Seguro tendrá mucho de los dos EPs y de los LPs pero también habrá cosas que nunca antes hicimos.

—Juan, muchas gracias por tu tiempo y la buena onda, ¿algún mensaje final? 
—Que vengan a escuchar Humo del Cairo, me parece que somos una banda sincera. Que escuchen nuestros discos y que nos digan qué les parece, nos gustaría tener un feedback. Muchas gracias.-
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Próxima fecha: 19/12 - Humo del Cairo + Poseidótica en Niceto Club.
Fotos: Martín Santoro.

martes, 24 de noviembre de 2015

Entrevista a Mick Moss de Antimatter: La mesa de Judas está servida


 

Descubrimos Antimatter cuando Duncan Patterson se alejó de Anathema para seguir su propio camino musical junto a Mick Moss. El destino los separó, y Mick continuó en solitario, redefiniendo la propuesta inicial a base de canciones íntimas, melancólicas e introspectivas. A 10 años de la partida de Patterson, Antimatter ha lanzado su sexto álbum de estudio llamado “The Judas Table” a través del sello alemán Prophecy. Tuvimos el placer de charlar con un hombre sensible como Mick Moss sobre su nuevo trabajo, la industria de la música, su proyecto paralelo, las giras y los próximos pasos.

“Antimatter es una gran mezcla de géneros, todo envuelto en una piel oscura y de humor cambiante. Claro que hay canciones melancólicas, pero algunas de ellas son progresivas, otras synthwave y otras neofolk acústico” relata Moss definiendo sus canciones, para luego contarnos algo referido a las etiquetas “la única cosa que me molestó fue que me etiquetaron hace más de diez años como "la banda más triste del mundo", porque que hay muchas otras emociones que se encuentran en la música de Antimatter”.

—Me gustaría hablar sobre el concepto del nuevo álbum. ¿Por qué lo llamaste “The Judas Table”? 
—A mi modo de ver, durante la mayor parte de los últimos 25 años he estado involucrado con personas enfermas, egoístas, ladrones, manipuladores, narcisistas, matones y sociópatas. Me escondí, estuve lejos de la sociedad durante años porque me acostumbré a ser el blanco de las personas que confundieron mi empatía por debilidad, mi humildad por ingenuidad. Y creo que hasta cierto punto sí fui ingenuo, porque constantemente veía lo bueno en las personas en lugar de los patrones evidentes de comportamiento narcisista. Todo llegó a un punto hace unos tres años, cuando fui atacado por una joven desesperada por utilizar Antimatter para su propio beneficio. Luego de esa experiencia, prometí nunca más confiar en otro ser humano. Afortunadamente, salí de esa manera de pensar después de un año y aprendí a confiar de nuevo.

—La portada del nuevo álbum es algo diferente a lo que ustedes venían haciendo, incluso estuve viendo algunos comentarios de personas que no les ha gustado mucho. Artísticamente, ¿qué quisiste mostrar esta vez? 
—La obra retrata básicamente esto: si una persona en su sano juicio se encuentra en una relación con una persona demente, entonces el tratamiento que reciben a su vez puede conducir a la locura y el recuerdo que los mantendrá en esa locura.

—La primera canción del álbum es “Black Eyed Man”, ¿está dedicada a alguien en especial?    
—“Black Eyed Man” no es una canción basada en una persona en particular, sino en un grupo de personas que existe en la sociedad, los que mienten e inventan historias ridículas a sus pares, y luego creen que se han salido con la suya. Estoy seguro de que mucha gente puede pensar en por lo menos una persona así en sus vidas.

—Desde el álbum “Planetary Confinement” de 2005, hubo un nuevo rumbo musical en comparación con los albumes “Saviour” y “Lights Out”. Las voces femeninas y los elementos electrónicos, las atmósferas downtempo hoy ya no están. Esos cambios, ¿tienen relación con la partida de Duncan Patterson de la banda? 
—En los cinco años que lanzamos álbumes juntos, yo escribía la mitad de un álbum y Duncan la otra, por lo tanto, su salida significó que los discos de Antimatter ya no contenían canciones con su estilo tan particular. En los primeros tiempos, Duncan estaba muy metido con el trip hop cuando era popular, con artistas como Portishead y Massive Attack, pero tampoco hizo nada en esa vena desde “Lights Out” en 2003, ya sea con Antimatter o cualquiera de sus proyectos posteriores. Considero que no volvimos a ese sonido particular en los 12 años desde que ese álbum fue lanzado. Para mí, todo el asunto del trip hop se convirtió en algo saturado en ese segundo disco. En cuanto a las voces femeninas, Duncan no es cantante por lo que, naturalmente, tiene que encontrar a la gente para cantar sus canciones, y en los primeros días de Antimatter él estaba muy metido en el asunto vocal femenino. Personalmente, yo sólo me acomodé en el papel de vocalista en el transcurso de los tres discos, eligiendo hacer un poco más, cada vez. Esta es toda la evolución.

—He entrevistado a Duncan el año pasado y, entre otros temas, hablamos sobre la industria de la música. ¿Cuál es tu punto de vista? 
—Tengo muchas opiniones sobre la industria de la música. Pienso que es un modelo de trabajo que se ha visto obligado a luchar contra la piratería generalizada y de fácil acceso y millones de músicos “hazlo tu mismo” han entrado por sí mismos al mercado. Una opinión común es que las audiencias están más interesados en los nombres establecidos desde hace 25 años que los nombres de ahora, lo que también significa que las bandas tributo son más deseables que los nuevos artistas. Eso nos llevará a un colapso en aproximadamente otros 25 años, una vez todos estos nombres establecidos estén muertos y la industria haya fallado en no poner a nadie nuevo en su lugar, resultando un masivo intento para adecuar a una próxima generación de nuevos artistas a un público que principalmente no les den una mierda. Una teoría interesante, pero no una que yo particularmente esté de acuerdo o en desacuerdo. Donde haya dinero para gastar en relaciones públicas y una masa de ovejas que consumen música lista para que le digan quién es "más grande y mejor" siempre habrá una industria de una manera u otra.

—Volviendo al nuevo álbum, hay una canción llamada “Integrity”. ¿Qué importancia le das a la integridad y la ética en tu carrera musical y tu vida personal? 
—Es muy importante para mí. Hago lo mejor para actuar con integridad en todas las situaciones posibles. Hago lo mejor en lo que pueda, y de esa manera sé que si las cosas se vienen abajo o van mal, por lo menos que puedo mantener mi cabeza en alto y decir que hice mi parte.

—¿Qué nos podes contar sobre Daniel Cardoso? [Anathema, Anneke van Giersbergen, entre otros] ¿Por qué decidiste involucrarlo en este nuevo trabajo? 
—Luis Fazendeiro [NdR. Guitarrista de los portugueses Painted Black] acercó a Daniel para mezclar y masterizar el disco debut de Sleeping Pulse el año pasado y me gustó mucho el trabajo que hizo, por eso le pedí hacer lo mismo para los dos últimos trabajos de Antimatter, el single “Too Late” y “The Judas Table”. Tiene una manera relajada y agradable de trabajo y Daniel es muy receptivo a las necesidades del artista, que a veces es difícil de encontrar.

Sleeping Pulse es tu proyecto paralelo que compartís con Luis, ¿cuáles son las diferencias con Antimatter?
—La diferencia es que Antimatter es un proyecto en solitario. Sleeping Pulse es el trabajo de dos personas, por lo que escucharás las influencias musicales de Luis. Sleeping Pulse fue una fantástica oportunidad de trabajar con la música de Luis y luego elaborar melodías vocales y letras sobre ella. Una experiencia maravillosa que me permitió enfocarme plenamente como vocalista y letrista, y puse toda mi energía en esos temas, sin tener que preocuparme por todos los otros instrumentos como lo hago en Antimatter.

  “Donde haya dinero para gastar en relaciones  públicas y una masa de ovejas que consumen  música lista para que le digan quién es ´más  grande y mejor´ siempre habrá una industria  de una manera u otra”. Mick Moss 




—Volviendo a Antimatter, me gustaría que hablemos sobre la discografía, ¿podrías decirnos brevemente algo sobre cada álbum? Algunas palabras, algunos recuerdos y pensamientos.
—“Savior”, mi primer álbum en un momento en que estaba muy inestable mentalmente; “Lights Out”, nos volvimos locos con el experimentalismo en este álbum; “Planetary Confinement”, las cosas tornaron a un estado más natural. Fue el primer álbum donde canté como voz principal para todas mis canciones. “Leaving Eden”, mi primer verdadero disco en solitario; “Fear Of A Unique Identity”, Un álbum frenético, mucha energía después de una ausencia de estudio de cinco años y finalmente “The Judas Table”, una selección muy bien redondeada de canciones y estilos.

—¿Cuál es el estado de tu propio sello, Music in Stone?
— Solía usarlo como un sello vanidoso para editar “Live @ Un Club” y el single “Too Late”. Es todo material de Antimatter y cumple con su propósito si lo necesito. Está allí para ediciones menores. 

—Has girado recientemente por países como Bélgica, Alemania, Polonia, Holanda. ¿Cómo estuvo eso? ¿Cuáles son los puntos positivos y negativos de estar lejos de casa? 
—Me encanta viajar y girar, es una parte de mi vida ahora y no podría imaginarme sin eso. A veces tiene sus aspectos negativos, por supuesto, pero así es la vida. Con Antimatter hacemos dos giras europeas por año, y los muchachos de la banda en vivo y yo ya esperamos el año que viene. Las audiencias fueron más fuertes esta vez, fue agradable alzar la vista y ver más cabezas, más gente cantando. Espero que continúe así.

También estuviste tocando en el marco del Overload Music Festival en Brasil, junto a bandas como Paradise Lost, Mono, Novembers Doom, Anathema. ¿Te gustaría venir a Argentina?
—Fue una gran experiencia. Fue satisfactorio para nosotros poder tocar finalmente en Sudamérica, fue una buena oportunidad para conocer a gente y había una maravillosa mezcla de bandas allí. Estamos planeando hacer algo acústico de nuevo allí para 2016, ¡esperemos que suceda! Lo anunciaré en la página de Facebook y la página web oficial ¡Crucemos los dedos!

—¿Cuáles son los próximos pasos y metas con Antimatter?
—Por ahora, realmente sólo quiero disfrutar de este momento sin presionarme demasiado. La inclusión de las canciones de "The Judas Table” ha fortalecido la lista de canciones en vivo. Se viene la segunda parte del “The Judas Tour” en abril, donde nuestro objetivo es llegar a lugares que no tocamos en nuestra primera gira en octubre. Esperemos que se concreten algunos festivales de verano y luego en algún momento voy a seguir adelante construyendo el camino hacia el séptimo álbum de Antimatter, para lo que ya tengo la idea en mi cabeza.

—¿Cómo te gustaría ser recordado dentro de 50 años?
— Como una persona genuina, alguien con empatía.

—Muchas gracias por tu tiempo y buena onda, ¿te gustaría agregar algo más? 
—Por supuesto, muchas gracias por el apoyo, y espero verlos en un concierto pronto!-

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Foto: Archivo de la banda.

lunes, 7 de septiembre de 2015

Mono + Bhutan en Niceto Club: una realidad aparte.


«Ella está en el horizonte. Me acerco dos pasos, ella se aleja dos pasos. Camino diez pasos y el horizonte se corre diez pasos más para allá. Por mucho que camine, nunca la alcanzaré. ¿Para qué sirve la Utopía? Para eso sirve: para caminar». Eduardo Galeano, filósofo de las Américas, lo dejó escrito antes de partir. Con la humildad de los grandes, que no debe confundirse con lo grandote, dejó en claro que su amigo Fernando Birri fue la inspiración para estas líneas y que esa idea de utopía, no le pertenecía.

Desde Tokyo, Japón, MONO salió nuevamente de la isla, atravesó océanos para expandir su música e introducirse por vez primera en las grandes babilonias sudamericanas, como Santiago en Chile, Buenos Aires en Argentina y San Pablo, Brasil, donde la desigualdad, la polución y la violencia son más libres que los propios hombres. Aún las venas continúan abiertas.

El trío neuquino Bhutan fue de la partida. Sin disparos percusivos ni estigmas doom, las mentes detrás del sello Venado Records quemaron neuronas con un set altísimo, tanto como las montañas del Himalaya, de kilométricas y bajas frecuencias inéditas, anticipando lo que será su próximo material de estudio. Una banda con una propuesta atípica para el oyente medio y radial, un proyecto honesto que atraviesa los muros de lo conocido y está escribiendo su propia historia bajo meditaciones drone, noise y post rock.


Los relojes de la jungla de cemento se congelaron. La atmósfera que dejó Bhutan logró encapsularnos en un mundo dentro de otro, donde ese hermoso lenguaje universal, aquella música de la libertad, fue el medio de comunicación central. Un campo magnético y onírico. Una realidad aparte.

El espíritu de Jimi Hendrix revivía y palidecía una y otra vez en los parlantes del club. Fade out. El misterio japonés mostraba su rostro: "Taka" Goto y Yoda, sentados y con sus armas de seis cuerdas, Yasunori Takada en batería y Tamaki en bajo, única mujer de la banda, aparecieron bajo las luces para darle vida a “Recoil, Ignite”. MONO ya estaba entre nosotros.


Cientos de almas en el pit, entre conocedores y curiosos, alinearon sus lazos y energías en busca del primer highlight: Tamaki dejó su bajo y se adueñó del piano en “Kanata”, uno de los grandes himnos de “The Last Dawn”. A falta de palabras y de proyecciones visuales, la música fue quien las creó en el aire para cada uno de nosotros: un tsunami de existencialismo y post rock, un túnel hacia lo desconocido, un sendero luminoso para seguir pedaleando y caminando con la utopía en el horizonte, una manera de ver y encarar la vida al costado de la hegemonía.


Del arte caótico de “Pure as Snow” a la calma de “Halcyon (Beautiful Days)”, MONO nos invitó a cerrar los ojos, escuchar con atención e imaginar otros mundos posibles. Taka dibujaba estelas de emoción en cada nota y cada gesto mientras Tamaki, único miembro de pie durante gran parte del set, se movía como un árbol solitario en medio de los vientos: los cristalinos y frágiles sonidos del glockenspiel nos sumergieron en una ola gigante como “Ashes in the Snow”, otro de los puntos altos de la noche.

Sobre el ocaso del concierto, como el ying y el yang, el túnel que atravesó la oscuridad en todo su largo, encontró la claridad en “Everlasting Light” para sellar el paso de los japoneses por Buenos Aires. Así, MONO y Bhutan dejaron surcos. La música fue quien persiguió utopías: despojada de voces, estribillos, melodías empastadas y lejos de los grandes flashes; belleza que acarició lo poético, desde una mirada profundamente visceral y existencialista. Los afortunados que estuvimos ahí fuimos testigos de una realidad utópica, una realidad aparte. -


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Fotos por Gottes de Baires.
Album completo

domingo, 30 de agosto de 2015

Entrevista a Takaakira "Taka" Goto de MONO: tsunami de existencialismo y post-rock


Los japoneses MONO van a estar tocando su música, tan emotiva como existencialista, por primera vez en Buenos Aires el próximo viernes 4 de septiembre en Niceto Club, acompañados por la experiencia drone local, Bhutan. Su principal guitarrista, Takaakira “Taka” Goto nos contó sobre "The Last Dawn" y "Rays of Darkness”, la participación de Tetsu Fukagawa de Envy; el sentido de la vida, la positividad, la negatividad, el caos, las emociones, entre otras cosas. 

En principio, al hablar de MONO teníamos que saber si debíamos referirnos a ellos como banda, como orquesta o si ambas opciones estaban bien, “Absolutamente MONO es una banda de rock de 4 integrantes” sentenció Goto, y continuó “estamos buscando un sonido original y único, no algo que ya se haya hecho, sentimos que debemos crear algo como un lenguaje global sobre los países, la historia y las culturas”. Luego, nos reveló que “MONO significa ´ser uno´, sin fronteras e idiomas” y que están influenciados por artistas tan disímiles como Beethoven, My Bloody Valentine, Led Zeppelin y Ennio Moricone, entre otros.

The Last Dawn y Rays of Darkness son los últimos discos de la banda y tienen la particularidad que han sido editados de manera conjunta. Podríamos decir que, según Goto, representan el ying y el yang de MONO, “la luz y la oscuridad, la esperanza y la desesperación, el amor y la pérdida”. Sobre las emociones y sensaciones de The Last Dawn, el guitarrista se explayó, “las principales emociones humanas se dividen en positividad y negatividad, y digamos que los dos son 50/50 para empezar. Si tenemos aunque sea el 1% más de emociones positivas, todo va a empezar a conducir hacia la luz. En The Last Dawn, desde un enfoque minimalista, quería expresar que, independientemente de tus situaciones o emociones actuales, si aceptás todo como está y podés encontrar más positividad, es muy probable que seas capaz de superar toda negatividad”.

Como contrapunto, sobre Rays of Darkness, Goto admitió que quería expresar que "si tenés aunque sea el 1% de emociones o pensamientos más negativos, el caos, finalmente, se extenderá y te arrastrará hacia abajo, a la oscuridad, sin que te des cuenta de ello. Empiezo a pensar que en todo lo que hay desorden, hay algo que siempre está en orden”.

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"Si aceptás todo como está y podés encontrar más positividad, es muy probable que seas capaz de superar toda negatividad" 
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En Rays of Darkness, hay un tema titulado The Hand That Holds the Truth, donde participa en voces Tetsu Fukagawa, cantante de Envy, otra gran banda, también de Japón. Taakira confesó su amistad con Fukagawa cuando nos dijo que “personalmente, durante mucho tiempo, siempre he querido colaborar con Tetsu. Es nuestro amigo desde hace mucho tiempo así que estoy muy contento de que se convirtió en una realidad. Incluso durante el tiempo en que estaba escribiendo la canción, podía escuchar claramente cómo su voz encajaría. Cuando en realidad colaboramos, realmente no le dí ninguna instrucción pero él ya sabía lo que esperaba lograr. La canción resultó ser una pieza tan increíble y todos estamos muy orgullosos de ello”.

Con respecto a la única mujer en la banda, queríamos saber si la presencia de Tamaki, bajista y pianista, de alguna manera influía en la sensibilidad y emotividad de la música de MONO, “¿Conocés la película "La lista de Schindler" de Steven Spielberg? Es una película monocromática pero podés ver el chico que lleva el vestido rojo. Tamaki es como eso”.

A lo largo de 16 años, han logrado construir una carrera muy prolífica en cuanto a ediciones (18 entre Ep´s , Lp´s, compilados, singles y DVD´s), por lo que queríamos saber cuán difícil es llevar esta forma de trabajo, “viajamos juntos por el mundo cada año durante los últimos 16 años, y sentimos como que todos crecimos juntos gradualmente de niños a adultos. Todo lo que vimos fue fresco, todo lo que hicimos fue una aventura con la continuación de enfrentar lo desconocido, la emoción y los reveses. Todo el proceso fue como aprender todos los elementos esenciales de la vida a través de nuestra música y viajes. Creemos que todas estas experiencias hacen nuestros sonidos”. Goto logró conmovernos aún más cuando se refirió a la concepción de la música, “la creación de un puente llamado música es nuestro trabajo, y gracias a todas las personas, colegas, amigos y fans de todo el mundo que hemos conocido a lo largo de los años, sobre el puente que hemos creado, podemos seguir haciendo lo que hacemos. Estamos verdaderamente agradecidos por ello”.

Sobre el final, nos contó sobre el set list que vienen tocando en las giras y sobre sus recientes fotos en su página de facebook, que mostraban a la banda en un estudio de grabación, “el set list de este tour será una mezcla de nuevas y viejas canciones. Nuestro show se iniciará básicamente desde la oscuridad con un intenso ruido. Estaremos muy contentos si las personas que vinieron a vernos tienen un gran sol brillante en su mente después de la última nota de la última canción. Recientemente grabamos un tema, que lo daremos a conocer como nuevo single en otoño” (verano para el hemisferio sur).-

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Más info en:

https://www.facebook.com/events/757891594319746/
http://www.monoofjapan.com

jueves, 6 de agosto de 2015

Entrevista a Gripe

Conquista y revolución permanente


El trío de Villa Urquiza integrado por Juan Elvira Keay [batería], Fernando Silvacanta [voz y guitarra] y Nestor “Grillo” Silva [bajo], editó en 2014 su segundo disco, donde plasmaron una interesante amalgama de estilos, logrando cosechar muy buenos comentarios en las cuevas subterráneas de Buenos Aires. En una charla con Grillo pudimos atravesar diversos momentos y temáticas: la génesis de Gripe, el concepto de revolución permanente, la política, proyectos paralelos, el nuevo video, sus influencias artísticas y sus próximos pasos.

“Juan y Fernando tocan hace muchos años, tenían una banda que se llamaba Viaje en Sol. Por otro lado, Fernando y yo somos primos y veníamos haciendo música, aunque nunca como proyecto. Se había ido el bajista de esa banda y a los pibes se les ocurrió que me podía sumar con el bajo, que en mi vida lo había tocado pero bueno, ellos me incentivaron a eso y entré a tocar. Habré estado dos meses, finalmente la banda se disolvió y ahí formamos Gripe”, nos cuenta el bajista al inicio de la entrevista.

—¿Qué material grabaron en esa época? 
—Lo primero que registramos fue un demo llamado “Las fabulosas 4” en 2006. Las primeras grabaciones que hicimos fueron caseras, grabábamos por separado e íbamos mezclando. Siempre usábamos lo que teníamos a mano para poder hacer música. Después sacamos otro demo que se llamó “Supersaddamoremix '96”. Estos demos todos los editamos de manera casera, CD-R, hacíamos las cajitas, las portadas, todo nosotros. Después sacamos el que podríamos decir que es nuestro primer disco, que es una compilación de los dos demos más otros 4 temas, “Relatos Relocos”, también grabado y editado con la misma modalidad. En cuanto a calidad de audio, quedó medio low-fi.

—¿Cuál era el rumbo musical? 
—Estábamos bastante emocionados con esto del stoner rock pero también me parece que no era tan trillado, aún seguimos teniendo otros condimentos de otros estilos de música. Pero si, estábamos en eso, después nos fuimos abriendo un poco, por una cuestión de no limitarse en lo artístico.

—¿Este material se consigue? 
—No, no se consigue, está sólo para bajárselo desde bandcamp. No quedaron ediciones físicas ni volvimos a hacer porque preferimos enfocarnos en lo nuevo, que tiene otra calidad. El audio está bastante bueno, hubo muchas horas de mezcla, pero bueno, no está en los planes de reeditarlos.

LA REVOLUCIÓN PERMANENTE  

El trío luego editó el Ep “Salud” en 2010, bajo la supervisión de Sergio Ch. (Los Natas, Ararat, Solodolor) y Patricio Claypole y en 2014 lanzaron “La Revolución Permanente” a través del sello Venado Records.


—¿A qué hace referencia el nombre del último disco? 
—Tiene que ver con el contexto de nuestro crecimiento personal y a nivel político también. Trotsky decía que una conquista da el paso y es el escalón a una nueva y así se da la revolución permanente, nunca para. Eso lo llevamos a la vida, en el sentido que uno va creciendo y va cambiando. También por todo lo que pasamos a nivel personal, algunas cosas difíciles de cada uno pero dimos lucha y salimos adelante. Es el concepto mismo de la revolución permanente llevado a la vida.

—En la portada hay policías, curas decapitados, es bastante caótica. ¿Cuál fue la idea? 
—El dibujo de la portada está basado en los hechos sucedidos en Ucrania el año pasado, hubo un levantamiento popular, un combate obrero con la policía y nos llamaba la atención la capacidad de organización, salían con tractores, excavadoras, tenían escudos, bombas molotov. Lo llevamos a un dibujo que es medio catastrofista, caótico, que está entre la línea de la realidad y la ficción. Hay un papa decapitado, que eso no ocurrió, pero todo lo demás sí. Aunque somos ateos y anti iglesia, no fue planteado ponerlo. Así lo mandó el dibujante, Mariano Castelli, que es compañero mío de la otra banda que toco, nosotros le dimos la idea de la batalla de Kiev pero que fuera más gore, más trashero y mandó un papa decapitado en el medio. Es bastante fuerte pero quedó buenísimo, nos gustó.

—Me decías que tocás en otra banda, ¿de qué se trata? ¿El resto está también involucrado en algún otro proyecto? 
—Sí, se llama Miserere y más que una banda es un grupo de propaganda socialista, ahora estamos haciendo spots de campaña para el frente de izquierda. Ahora no estoy participando muy activamente pero hace muchos años que milito en el Partido Obrero. El batero tiene otro proyecto que se llama Mar Mínimo, con un integrante de los ex Viaje en Sol, hace un tiempo están tocando. Fernando en un momento cantaba en un grupo de tango, pero ahora no está involucrado en otro proyecto.

—¿Gripe tiene una línea política? 
—El último disco tiene una línea política anticapitalista, está todo mal con el capitalismo [risas]. El resto no milita, pero en la interna de la banda salen discusiones políticas. Pero Gripe no es una actividad política, es un desarrollo artístico donde cada uno vuelca las cosas que le pasan, que pueden ser políticas o a otro nivel.

—Además de la música, ¿hay otras influencias en la banda como libros, cine, pintura, etc? 
—Sí, consumimos cine, literatura, pintura. Juan, por ejemplo, sale con una chica que es artista plástica, así que estamos conectados con todo ese mundo. Me gusta el cine clase B y algunos clásicos de los 80´s de ciencia ficción retrofuturista, el gore. Y en cuanto a la lectura, me gusta bastante leer sobre política, a Juan le gusta leer sobre historia. También leímos sobre psicodelia, a Albert Hofmann, por ejemplo.

—Volviendo a “La Revolución Permanente”, ¿por qué decidieron incluir un tema viejo como “Nana”? 
—Decidimos incluirlo porque fue el primer tema que hicimos con Gripe, nos gusta mucho, lo sentimos mucho cuando lo tocamos. Teníamos 4 temas nuevos y queríamos meter uno más al disco, quisimos aprovechar para grabarlo con otra calidad, con este nuevo sonido.

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“Trotsky decía que una conquista da el paso y es el escalón a una nueva y así se da la revolución permanente, nunca para. Eso lo llevamos a la vida.” 
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SUBLIMATO, BROMURO DE PANCURONIO Y LAS ESCENAS

—Hace poco lanzaron el video de “Sublimato”. Me llamó la atención la gran calidad que tiene, ¿qué nos podés contar sobre esto? 
—Es el primero y único video que tenemos. La idea fue de la productora Buttertoast que son amigos, participan Malen Dina, que está en la movida de Escobar junto con Agustín [Sapiens]. Hicieron un par de videos de la Tumba del Alca y de Persona y nos ofrecieron hacer uno. En un principio querían hacer un video clip con un audio del disco pero nosotros le dijimos que queríamos hacer una performance en vivo de un tema. Ellos consiguieron la locación, el taller metalúrgico que se ve en el video, consiguieron las cámaras, las luces y nosotros nos encargamos de la parte de grabación de audio y mezcla. Lo hicimos un domingo de 2014 en San Martín y la verdad que fue muy profesional, muy copado, quedó buenísimo, quedamos re contentos.

—¿Por qué eligieron ese tema? 
—Porque encierra todo lo que es Gripe. Tiene melodía, armonía, tiene partes pesadas, instrumental, están las dos voces. Encierra todas las variantes musicales de Gripe.

—¿Cómo surgen los nombres de “Sublimato” y “Bromuro de pancuronio”? 
—“Bromuro de pancuronio” se le ocurrió a Juan porque trabaja en una farmacia y sabe un montón de nombres de cosas y bueno, leyó que era para una inyección que se aplica antes de la letal, en Estados Unidos, que te duerme todo el cuerpo pero estás despierto y después de eso, te dan la letal, para que no la sientas. Bastante siniestro [risas]. “Sublimato” se le ocurrió a Fernando y no recuerdo bien por qué. A veces los nombres de los temas no tienen un significado que tengan que ver con la letra de los temas. Por ejemplo, “Niños destrozadísimos” surgió con el tema de la guerra de Irak, muy bizarro [risas].

—“Niños destrozadísimos” está incluido en el Ep “Salud”, que grabaron junto con Sergio Ch. ¿Cómo fue esa experiencia? 
—La experiencia fue completamente de aprendizaje y muy enriquecedora. La producción de Sergio garpó un montón en muchos aspectos, interpretación, ejecución de instrumentos, cómo encarar la producción de un disco. Por otro lado, aprendimos más sobre grabación, a nosotros no gusta todo ese mundo. Además fue nuestra primera experiencia de grabar en vivo y en cinta abierta, a comparación del resto que veníamos grabando todo por separado. Gracias a esta experiencia pudimos encarar “La Revolución Permanente” en cuanto a grabación, no como disco porque “La Revolución…” iba a ser un demo y terminó siendo un disco. “Salud” fue editado en CD-R y lo vamos a reeditar pronto de la misma manera.

—Gripe es una banda independiente, ¿es algo que eligen? 
—Se da así y lo elegimos también. La verdad, no nos gustaría que venga una empresa y nos ponga plata porque te imponen condiciones, supongo que se dejaría de disfrutar. Gripe para nosotros es un espacio de necesidad donde nos explayamos con lo que nos pasa y es un lugar de disfrute. Lo que sí queremos es que la banda sea autosustentable, pero no queremos sacar ningún billete ni que se convierta en una herramienta de explotación.

—¿Hasta dónde les gustaría llegar con la banda? 
—Queremos seguir haciendo música, grabar, editar y seguir tocando en lugares. Uno siempre busca que la gente nos venga a ver. Sabemos que el estilo no es un género de masas, tampoco lo buscamos, sólo queremos seguir disfrutando de la música, crear, salir a tocar, conocer bandas, hacer amistades. 

—De existir la posibilidad de que pudieran vivir de la música, ¿sería algo para evaluarlo o prefieren seguir cada uno con sus trabajos? 
—Depende de las condiciones y qué significa vivir de la música. Si la banda deja de ser un disfrute…o sea, no estoy colocando a la banda en un espacio de hobby porque en Gripe ponemos trabajo, dedicación, es un laburo, no es sólo diversión. Pienso que si paso a paso llegamos a eso, estaría bueno, pero con toda una trayectoria y aprendizaje, no de un día para el otro.

—Cuando hablamos sobre el video de “Sublimato”, mencionaste a la movida de Escobar. ¿Se sienten parte de alguna movida o escena en particular? 
—Esta escena de música pesada, lo que se está llamando stoner, está creciendo y nos sentimos parte pero siempre desde un lugar de humildad. Nosotros no somos armadores de ciclos, a nosotros nos invitan a tocar y vamos. Toda la movida de Escobar nos gusta bastante porque a nivel ideológico levanta las banderas que más nos representan que es esto de la autogestión. Los chicos de La Tumba del Alca organizan el festival Antiego y el ciclo Kamikaze, que la verdad nos hacen sentir muy bien, no necesitás del bolichero para desarrollar tu arte. Nos sentimos identificados con la movida de Escobar. En Capital hay buenas movidas, pero me parece que no está tan instalado esto de la autogestión y esas banderas.

—¿Qué bandas y discos les gustan? 
—Strapping Young Lad, el disco “City”, está dentro de los favoritos. Somos fanáticos de Beach Boys, “Pet Sounds” nos vuelve locos; Wildhearts también es una alta influencia de Gripe. Yendo más para el hardcore, Fugazi nos encanta; del stoner nos gustan Kyuss, Queens of Stone Age, Nebula, Monster Magnet, Yawning Man, que hace poco tocamos con ellos. Otro gran influencia para nosotros es Deftones.

—Muchas gracias por el tiempo y la buena onda, para ir cerrando, ¿cuál es la actividad de la banda para lo que resta del año? 
—Tenemos fechas hasta noviembre. Vamos a tocar por primera vez en el festival Noiseground y bueno, hay varias fechas, lo que se viene es seguir tocando y en noviembre hay una intención de presentación del último disco, estamos craneándolo, hablando con las bandas que queremos invitar. 

—¿ Y disco nuevo? 
—Estamos en proceso de composición, supongo que el año que viene vamos a sacar un disco. Tenemos ganas de hacer uno con 10 canciones.-

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Próximas fechas: 
7/8 Noiseground fest @Uniclub.
27/8 Fecha Maldita: Gripe, Persona, Proyecto Quasar y Policromia @Club V.
12/9 Gripe, Viaje a oriente y Gran cuervo en San Miguel.
1/10 Gripe y Nubra @ Casa rincón.
17/10 Presentación del disco de Bandera de Niebla, invitados: Gripe y Thumbarancho
14/11 Festival Antiego en Escobar.
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Más info en: 
https://gripegripiento.bandcamp.com/ 
https://www.facebook.com/gripe.salud