martes, 16 de diciembre de 2014

Entrevista a Persona

“La música para mí es la vida misma”



 
Recuerdo haber llegado a esta banda gracias a una recomendación de Fer Doma [guitarrista del ahora desaparecido trío de rock Doma] y luego a través del ep “Inconcluso”. El cuarteto de Ingeniero Maschwitz acaba de lanzar digitalmente su primer y homónimo disco: esa fue la excusa que el destino tuvo para juntarnos en una estación de servicio de San Miguel con Lucas Podestá, guitarrista y bajista de Persona para charlar también de sus otros proyectos La Tumba del Alca y Santino y los hermanos enemigos, el festival "Antiego", del sello Cabello, de sus influencias y otras interesantes yerbas. Esta es una nueva puerta que nos lleva a una nueva historia de esos músicos que respiran, sienten y viven la música de una manera que no todos pueden.

¿Desde cuándo están tocando juntos y cómo llegan a la grabación del ep “Inconcluso”?

Empezó todo zapando con mi hermano [Esteban Podestá, batería] en el 2004, nos empezamos a juntar con él y un amigo, Gustavo [Hernández, guitarra], puertas adentro. No tocábamos en vivo, teníamos otro nombre incluso. Cambiamos un par de bajistas hasta que llegó Santi [Santiago Adano, bajo y guitarra] y con él se armó lo que estábamos buscando. Con esta formación grabamos ese ep en 2008, le pusimos “Inconcluso” porque no nos gustaba tanto como había quedado el sonido, habíamos grabado más temas porque iba a ser un disco y terminó siendo un ep. Nos gusta pero en realidad queríamos que suene como el que sacamos ahora, más pro.

¿Cuál fue la idea musical desde el principio?

Buscamos hacer una zapada instrumental, porque probamos con un cantante y no nos convenció. Pero no una zapada larga e interminable, sino como canciones, con melodías instrumentales reconocibles. Digamos que se dio porque no encontrábamos un cantante y porque nos gustaba lo instrumental, nos gustaba mucho Kyuss, que tiene varios temas así de esa onda. Así que le encontramos la vuelta por ese lado.

¿Cabe la posibilidad de escuchar en un futuro a Persona con voces? 

Santiago está en otra banda que se llama Julio y Agosto donde canta y toca la guitarra y pensamos un par de veces hacer algo con él cantando. No lo descartamos, andá a saber, capaz que hacemos un tema o tal vez un disco todo cantado.

Finalmente sacan su primer disco 6 años después de ese ep, ¿en qué momento de la banda llega? 

Y en un momento donde ya estábamos con muchas ganas de tener el disco en serio. Surgió la posibilidad de grabar con Gonzalo “Pájaro” Rainoldi, que es amigo de toda la vida, sabíamos cómo laburaba y que era la persona que necesitábamos, que podía sacarnos lo que queríamos escuchar. Podríamos haber grabado en otros lados, sin embargo lo esperamos a él. El mastering lo mandamos a Chicago [USA] a Carl Saff, un tipo que laburó con bandas como Don Caballero, Mogwai, Fu Manchu, Off!, Earthless, entre otros.

Esta es una apreciación personal: por lo general, los primeros discos de las bandas suenan muy pegados a sus influencias, pero en el caso de Persona, me resultó difícil poder asociarlo a tal o cual banda, y me da la sensación como si fuese el segundo o tercer disco de la banda. ¿Cómo lo ves vos?

Qué bueno. Como te decía, tratamos que suene siempre a Persona, y si hay algo que suena demasiado a otra cosa, la sacamos, buscamos por otro lado. No dijimos nunca “hagamos stoner rock, post rock o math rock”, hacemos la música que nos gusta, la que nos sale. Buscamos cosas distintas entre los cuatro, cada uno aporta su parte y sale esto que es Persona, sin una etiqueta. Hacemos rock pero sin cantante.

El tema más largo dura 6 minutos, ¿hay cierto espíritu punk?

Sí, hay temas de un minuto y medio, pero la mayoría son entre 3 y 4 minutos. El punk nos gusta mucho, tal vez en las influencias musicales no se note tanto pero escuchamos un montón de bandas. Yo no estudié nunca, no sé las notas, no sé teoría, todo lo que aprendí fue tocando solo, escuchando y sacando temas de Ramones. Esteban y yo venimos del punk rock, el resto de los chicos escuchan otras cosas.

¿Lo van editar en formato físico?

Si, hace dos semanas sacamos una tirada en cassette, de manijas, sólo 50 copias, tal vez hagamos más o tal vez no. En marzo del año que viene va a salir por Venado Records, Sello Cabello de Escobar y Monqui Albino, que es un sello de los chicos de Julio y Agosto. Son los tres re distintos, Sello Cabello es más experimental, Venado es rockero y Monqui Albino es otra onda, que nada que ver. Está bueno que esté como en tres puntas distintas, es como una cooperativa entre sellos. Viene como una idea más del punk y del hardcore.

Ya había escuchado hablar y tengo algunas referencias sobre el sello Cabello. ¿Qué nos podes contar? 

Parte todo de Mateo del Taller de Remedios en Escobar, donde da clases de grabado, cerámica, hace de todo. Y se le ocurrió hacer un ciclo donde las bandas tocan y graban algo especialmente para ese día y se edita al mes. Todas las ediciones son artesanales, muy cuidadas, armadas por él. El Taller de Remedios armó como una escena, nucleó a un montón de gente y está buenísimo.

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“Tratamos que suene siempre a Persona, y si hay algo que suena demasiado a otra cosa, la sacamos, buscamos por otro lado”.

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Persona live: Gustavo Hernández, Esteban Podestá, Santiago Adano y Lucas Podestá. 


Hace poco organizaron un festival que denominaron “Antiego”, ¿cómo estuvo eso? 

Increíble. Lo organizamos con la Tumba del Alca, ya lo habíamos hecho el año pasado en un barcito en Escobar donde invitamos a todas las bandas con las que tocamos durante el año: 15 bandas, 15 minutos cada una, compartiendo set de pedales para no perder tiempo. Este año quisimos redoblar la apuesta poniendo dos escenarios, media hora cada banda, terminaba una y al toque arrancaba la otra. Vinieron bandas de todos lados, de todos los estilos, fueron 12 horas de música sin parar. Hicimos todo a pulmón, en un campo hermoso al aire libre. La idea era que se junten las bandas que nunca habían compartido fecha y se conozcan, que se armen fechas. Pegaron re buena onda, quedaron todos re contentos, fue un festival entre amigos y estuvo buenísimo, se logró. Esperemos que el año que viene podamos redoblar la apuesta.

Hablando de festivales, ¿qué opinión te merecen los “lollapalooza” o los que arman las marcas de celulares o gaseosas?

Al último que fui fue hace como 5 años a ver a Faith No More, pero la verdad no es mi ambiente. Empezando por las entradas carísimas para ver una banda que esperaste mucho tiempo, después tocan 40 minutos en condiciones que la banda no quisiera tocar seguramente, no podés tomarte una birra, hay mucha gente, eso no me gusta.

Vos además tocas en otras dos bandas, La Tumba del Alca y Santino y los hermanos enemigos. ¿Cuál es el hilo conductor entre ellas y qué tienen de diferente? 

La Tumba del Alca y Persona son instrumentales pero desde diferentes enfoques. La Tumba es más experimental, hay tempos más raros, no hay canción, son temas más largos. Santino y los hermanos enemigos es una banda cantada, teníamos ganas de hacer algo así y nunca dábamos con la persona. Lo conocimos a Santino que tocaba solo con una guitarra de doce cuerdas y nos sumamos con mi hermano Esteban, vamos a sacar un disco el año que viene. Lo que une a estos tres proyectos es que somos todos amigos, nacieron todas de una relación de amistad, no es que pusimos un aviso para ver quién caía. Es divertido, me mantiene activo y joven, salimos a tocar por todos lados. En el festival “Antiego” toqué con las tres bandas, está bueno.

El primer disco de La Tumba del Alca está grabado en vivo, ¿de dónde sale esa idea? 

Se le ocurrió a Mateo del Taller de Remedios. El primero fue como un disco en vivo con público y para el segundo queríamos que sea una grabación con gente en el estudio, para que puedan ver cómo se graba. El primer día nos dimos cuenta que no fue lo que nosotros pensábamos que era, había muchos nervios. Como fueron dos días de grabación, ya para el segundo salió todo buenísimo. Fue como grabar en diferentes tomas, si no nos gustaba parábamos y repetíamos. No fue un recital en vivo sino un disco con gente.

¿Con Persona piensan hacer lo mismo?

El año que viene, seguramente. Sería algo muy puntual, una pieza dedicada en el Taller de Remedios, tenemos que componer para esa ocasión. Tiene que ser algo que no haya sido grabado. Todos los que pasaron por ahí lo hicieron de esa manera.

Es interesante cómo hacen todo de una manera muy fresca, sincera, genuina y artesanal… 

Es realmente así, somos un grupo de amigos haciendo cosas porque nos gusta, nadie quiere hacer plata con esto. En cada pieza dedicada, se hace un plato de comida elegido por el que toca, hay gente que cocina, que se queda preparando todo, los chicos que graban, Mateo haciendo los discos, hay un montón de gente que colabora desinteresadamente. Ayudó un montón a la movida de Escobar.

Vos tocás con tu hermano Esteban en Persona y Santino y los hermanos enemigos. ¿Qué discos o qué bandas sonaban en tu casa desde chicos? 

Y empezamos con Ramones a pleno, después vino toda la movida de Mentes Abiertas y el Buenos Aires Hardcore, pasamos al heavy pero seguíamos escuchando punk. Luego vino Kyuss y él arrancó con Tool, y bueno, nos íbamos pasando cosas.

Me habías contado en otra oportunidad que ambos tienen un pasado straight edge… 

Si, y ahora somos unos caídos [risas]. Eso nos llegó por el hardcore, escuchábamos Shelter, Youth of Today, Minor Threat, Inside Out, a través de las letras y el mensaje: no alcohol, no drogas. Eso nos llevó al vegetarianismo también, que lo conservamos hasta hoy. Habrán sido dos años, nos llegó de chicos, yo tenía 18. Todavía sigo escuchando esas bandas.

Para ir finalizando, ¿qué significa la música para vos?

La música para mí es la vida misma, es una de las razones o la razón por la que sigo vivo. Me da ganas de seguir, y también todo eso que está alrededor: conocer gente, tocar, poder mostrar lo que hacés, que te digan que está bueno, ensayar, crear. Va todo de la mano, la música y la vida juntos, no pasa un día sin escuchar música o haciendo cosas relacionadas con eso.

¿Entre qué discos guardarías este disco de Persona?

Uy, me mataste, no sabría donde ponerlo, encima tengo todos los discos desordenados [risas]. De caprichoso y agrandado lo pondría entre uno de Kyuss y uno de Tool.-

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Próximas fechas: 


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Foto #1 por Natalí Mosquera.
Foto #2 por Victoria Bouzas.

miércoles, 10 de diciembre de 2014

Entrevista a Stilte y Sutrah

La eterna búsqueda del camino hacia el vacío 

La vida muchas veces nos pone en aprietos y presenta obstáculos en nuestro camino. Pero otras tantas, nos permite disfrutar de esos artistas que uno admira y hacen que la música y las palabras se traduzcan en emociones. Nos juntamos con Nahuel Sanguinetti de Stilte y Juan Marcos Borba de Sutrah para charlar, debatir y filosofar extensamente sobre la vida y la música: el split que grabaron junto a Billy Anderson [quien trabajó con bandas como Sleep, Acid King, Cathedral, Om, Melvins, entre muchas otras], la filosofía oriental, el “Chacho” Peñaloza, Sarmiento, José Hernández, Iron Maiden, la sinceridad, el circuito, el stoner, el doom, la hegemonía, los vinilos y qué se viene en cada banda.



Stilte en el estudio el Attic junto a Billy Anderson y Pato Claypole.


HABLEMOS DE STILTE



Este material que grabaron para el split, me parece algo diferente a lo que venían haciendo, sobre todo a lo hecho en el anterior “La derrota muere con ellos”. Es más pesado, saturado, más stoner rock. ¿Cuál fue la idea?

N: Si escuchás detenidamente el tema “La capital del dolor” de “La derrota…” tiene como un despegue a este nuevo material. Surge de acelerar el tempo, tocar más al palo, de los shows en vivo también. Surge de las sesiones del Blackdope, de zapar con amigos, pero fue absolutamente natural, ya veníamos en esa vena. Fue un gusto que nos dimos, en estos 3 temas hay mucha influencia de metal clásico, soy muy fan de Iron Maiden, pero con un vuelo distinto, que es el nuestro. Fue como despuntar el vicio, hacer algo más corto y más power. Con “La derrota…” cerramos una etapa de oscuridad, que quizás en algún momento vuelva, es más introspectivo. Estos temas del split son más bárbaros, más salvajes.

¿Y en que mambo se sienten más cómodos? 

N: Me parece que nos sentimos más cómodos en la vacuidad, en la no definición, en el misterio. 

¿Quiénes son “Genghis Khan” e “Infanta de Castilla”? 

N: Genghis Khan es el famoso corta cabezas de medio oriente, le pusimos ese nombre no tanto por el personaje histórico sino por lo que evoca, esta cuestión de animalidad y salvajismo, pero a la vez él tenía una conducta intachable, era un caudillo. Además hay un tema instrumental de Iron Maiden que se llama así, que está en “Killers”, es una especie de homenaje. “Infanta de Castilla” no remite a nadie en especial, el riff nos parecía que tenía una onda española, surgió del azar, prácticamente.

Junto al programa de radio Jock Horror y el ciclo Mondo Trasho organizan eventos relacionados con el cine y la música, ¿qué balance podés hacer de lo que fue este año? 

N: La idea es tratar de abrirle un poco la cabeza a la gente, tratar de acercar discusiones que sean un poco más reales que la gilada de la birrita y nada más. Es lo que nos sale, tanto a nosotros con Jock Horror en la radio o en los ciclos, como las chicas con Mondo Trasho en su ciclo de cine. Tampoco se trata de “adoctrinar”, o sea, venga o no gente, escuchen o no el programa, lo que me parece buenísimo es darle lugar a cosas que no lo tienen en otro lado. Hay una forma de encarar las cosas que busca no sólo poner cuestiones sobre el tapete que están invisibilizadas, sino cuestionarlas, debatirlas, intercambiarlas. A veces la gente acompaña y a veces no, pero nosotros lo seguimos haciendo igual, está bueno acercarle a alguien tal o cual película o director que tal vez se asemeja a lo que piensa pero no lo sabe.

Volviendo a la banda, ¿hasta donde les gustaría llegar con Stilte? 

N: Es muy personal de cada miembro de la banda, en mi caso, cada año que pasa me siento más cerca de este modo de vida, una vida paralela a la hegemonía, a lo preestablecido. Lo más cercano a la verdad, a la autenticidad, es llevar una vida tocando música, acorde a lo poético más allá de Stilte, el rock pesado y la psicodelia. Cada vez concibo menos la posibilidad de tener una vida “institucionalizada”. Dejaría de hacer todo lo que hago si me asegurás que puedo aunque sea vivir austeramente de esto, que es lo que uno respira. Cada vez estoy más podrido de la hipocresía que se vive, todos validan un sistema que básicamente nos explota, nos roba, no sólo económicamente sino moralmente y que vivamos dormidos frente a esto. Tener una banda, un proyecto, en los cuales ponerle voz a estas cosas me parece fundamental, y qué mejor que poder dedicarle la vida a esto.

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 “Nos sentimos más cómodos en la vacuidad, en la no definición, en el misterio”. 
STILTE

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Sutrah en directo tocando en Club V. 


HABLEMOS DE SUTRAH



La última vez que charlamos, todavía no había salido “El Camino hacia el vacío”. Imagino que pasaron muchas cosas desde ese tiempo hasta acá.

J: Si, la verdad que fue todo bastante positivo, la banda fue evolucionando y nosotros también. Sacamos un split, tocamos un montón de veces por todos lados, fuimos al interior y todo eso nos tiene re contentos.

¿Quedaron conformes con esa grabación?

J: Si, quedamos muy conformes. Me parece que está muy bien plasmado lo que es la banda y el sonido que tenemos en vivo. El proceso de grabación fue buenísimo también. Justamente esta semana lo estuve escuchando de nuevo y me re gusta, a la distancia lo disfruto más que antes.

En aquel momento habíamos hablado un poco sobre el circuito y la escena, me decías que ustedes eran un poco “renegados” y que no les interesaba formar parte. Sin embargo, de a poco comenzaron a aparecer en fechas internacionales y festivales del circuito. ¿Siguen pensando lo mismo sobre el tema o hubo una apertura de la banda hacia estas cosas? 

J: Es bueno que lo preguntes. La entrevista a la que te referís tiene ya un par de años y bueno, esto fue parte de la evolución de la banda, no estar tan cerrados. A veces uno de prejuicioso se cierra y lo que ve alrededor quizás a uno no le gusta y tiene mil cosas para criticar y decir. Se dio paulatinamente, comenzamos a conocer gente de a poco, conocimos otras bandas, fue como un proceso. Yo creo que Sutrah es como somos nosotros y eso me gusta mucho. Crecimos, estamos más abiertos a ciertas cosas y eso nos sirvió un montón. Tocamos con bandas de afuera y en festivales, nos dimos a conocer un poco más. En las redes sociales veo mucho “anti” o “true” que ya me tienen las pelotas llenas y nosotros queremos escapar un poco de eso, queremos ser más abiertos.

Hay una historia interesante detrás de “5 anillos”, ¿es así?

J: Todos nuestros temas tocan algún tipo de influencia o algo que nos inspiró. En este caso, “5 anillos” está dedicado o es nuestra visión sobre la vida de Miyamoto Musashi, que fue un samurai japonés muy groso, un genio de la espada que tuvo muchísimos duelos, jamás perdió ninguno y en el pico máximo de su historia como espadachín, el tipo se retiró a las montañas a buscar la iluminación y a conocerse a sí mismo. La vida de él nos pareció increíble, en este retiro a las montañas escribió un libro de que se llama “El libro de los 5 anillos” y está buenísimo, es una fuente de inspiración para nosotros. No sólo es para el que practica artes marciales, sé que se ha usado para seminarios de marketing porque está enfocado al liderazgo y a otras cosas también.

Y de la filosfía oriental pasan a la referencia criolla del gaucho y caudillo Ángel Vicente “Chacho” Peñaloza… 

J: Más allá de la influencia que uno puede tener desde lo musical, para nosotros también son influencia personajes o autores de libros, películas. Si bien la filosofía oriental no tiene mucho que ver con los criollos que habitaron acá hace un par de siglos, ambas historias están linkeadas con dos guerreros, super sinceros y convencidos de lo que querían. Me parece que son un ejemplo a seguir.

Fue asesinado en la época de Sarmiento y su “civilización o barbarie”… 

J: Sarmiento quería eliminar al gaucho y al caudillismo porque venía con toda una cultura e ideas norteamericanas y europeas de progreso. El “Chacho” era un caudillo que en un par de días juntaba 6 mil gauchos que iban a pelear con un palo, porque tenía esa cosa de liderazgo y fuerza en su discurso. Luchaba contra el centralismo de Buenos Aires y lo mataron en una emboscada. En esa época, José Hernández, que escribió “Martín Fierro”, otro libro que me parece una joya, le dedicó unas palabras. Yo me emociono mucho con estas cosas. Son nuestros homenajes para los dos, a Musashi y al “Cacho”.

¿Qué onda tu otro proyecto Juan Marcos y la Gran Vía? 

J: Es algo que hacemos con mi hermano y uno amigos. Se dio porque Pato Lerma de Cabrocordero estaba organizando un ciclo que se llama Ascendentes del Plano Blanco y nos invitó a zapar, es más, él nos puso ese nombre. Es un proyecto super libre, es distinto a Sutrah pero a la vez tiene un montón de similitudes. Tenemos ganas de hacerlo un poco más en serio, grabar, componer, juntarnos. Muchas de las cosas que tocamos acá son de Sutrah también, no puedo escapar de mi manera de tocar.

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  “Yo creo que Sutrah es como somos nosotros y eso me gusta mucho. Crecimos, estamos más abiertos a ciertas cosas y eso nos sirvió un montón”. 
 SUTRAH 

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El arte de tapa estuvo a cargo de Gabriel "El Gabe" Lamoretti.


EL SPLIT: STILTE + SUTRAH + BILLY ANDERSON

¿Cómo surge la idea del split?

J: Cuando nos enteramos que cabía la posibilidad de hacer un split, a la hora de elegir una banda, no lo dudamos. Más allá de que nos gusta mucho Stilte, nos sentimos muy unidos a ellos, no tanto en lo musical pero si en esa cosa de la búsqueda constante, me parece que estamos muy hermanados con eso. De cómo uno se mueve, de cómo uno es en la vida y cómo es en la banda, esto se ve reflejado. Cuando tuvimos que elegir una banda, dijimos que iba a ser Stilte por todo esto. Estamos muy contentos con el resultado.

¿La idea era editarlo en vinilo, no? Finalmente no se dio. 

J: No se dio por el tema de los costos y porque es un bardo mandarlo a fabricar a Europa, en Estados Unidos también y es más caro. Lo que nos impidió editar en vinilo básicamente fue eso, la plata y toda la movida de ir a buscar los discos, porque si te los mandan quizás quedan en la aduana. Nos movimos y averiguamos en varios lados como Brasil, Chile, acá también hay un pibe que los hace pero es otra calidad y bueno, salió en CD. No está cerrada la posibilidad, hubo algunos sellos que se interesaron, quizás en un futuro lo volvamos a charlar, por la obra en sí, por la tapa, por los coleccionistas, por nosotros.

N: Hay una cosa que se llama Argentina, otra “culo del mundo” y otra “dólar blue”. La verdad, está imposible, buscamos financiar nuestro disco sin ayuda de ninguna entidad externa pero los costos en Europa son altísimos. El problema que tenés acá también es la aduana, ni siquiera los podés ingresar al país. Este split está grabado en cinta abierta, todo analógico pensado para el vinilo. De todas maneras, seguimos teniéndolo en mente.

¿Cómo se dio lo de trabajar con Billy Anderson?

N: Pato [Claypole, del estudio El Attic] y Billy son amigos, y le propuso hacer una clínica para mover el avispero por estas pampas y de paso producir dos discos: uno de Dragonauta y el otro el de Sutrah. Pudiendo elegir cualquier banda, Sutrah nos eligió a nosotros. Igualmente, ya veníamos con la idea de hacer algo así.

J: Billy venía a la Argentina a hacer un workshop en el estudio El Attic, donde grabamos siempre nosotros y Stilte su último disco, y Pato nos ofreció la posibilidad de trabajar con él. Nosotros recién habíamos editado “El camino hacia el vacío”, así que no teníamos temas ni plata para volver a grabar. Él habló de nosotros con Billy sobre grabar un split y producirlo y así fue. No lo podíamos creer, estamos super agradecidos.

Humanamente, ¿fue lo que esperaban? 

J: Con respeto a lo humano, la verdad que no imaginaba nada. Mas allá de una especie de admiración porque grabó a un montón de bandas y discos emblemáticos que nos influenciaron, humanamente no sabía con qué me iba a encontrar. A pesar del idioma, nos comunicábamos bien y me pareció un pibe muy distinto a nosotros, creo que por una cuestión cultural. Yo más que nada le preguntaba por Sleep, Mike Patton, Mr. Bungle o nos contaba dónde vivía, esas cosas. Super sencillo y copado, pero la verdad que no teníamos expectativas en este aspecto.

N: Lo que me dejó Billy es que realmente respira lo que hace. No sé si decir que tuvo suerte en estar en un país donde realmente se puede vivir de esto, acá estamos más divididos, todos necesitamos un kiosquito y además dedicarnos a la música. No sé si tuvo suerte o las pelotas para decir “fuck the system” y fuck todo y realmente vivir como se le cantó. Al menos para mí, fue enriquecedor ver una persona totalmente auténtica y genuina. Por momentos tenía destellos de creatividad, se re copaba y nos decía “this kill people” o “this sound is killer” y de repente se ponía los anteojos, se sentaba en el sillón y estaba horas así. Pero cero ego, un genio.

¿Cuánto influyó en las composiciones saber que Billy Anderson iba a estar en el estudio? ¿Ya tenían los temas terminados o los cerraron ahí?

J: En realidad, fuimos con los temas super cerrados aunque cuando grabamos los discos, el tema improvisación está siempre presente porque es super fresco. En lo que es composición, Billy no opinó nada. Solamente intervino en el tema sonido y mezcla, la única intriga que teníamos era qué iba a decir sobre nuestros temas. En comparación con el audio de nuestros discos, el sonido está bastante más limpio, en la mezcla las voces están más al frente, el sonido de viola también, suena distinto. Al principio no me hallaba, obviamente a él no le decía nada. Pero el resultado es buenísimo, escucho los trabajos anteriores y pienso que por ahí las voces más al frente hubiesen quedado buenas, qué se yo. Aprendimos un montón también.

N: Es un poco y un poco. “Genghis Khan” ya lo veníamos tocando en vivo antes de la noticia de que íbamos a grabar con Billy y el resto lo fuimos componiendo con muy poco tiempo de anticipación, así que los grabamos re contra frescos. Influyó tal vez en profundizar el sendero por el cual ya veníamos, nos animó a eso.

Si bien Billy Anderson grabó mucha música, es un productor emparentado con el stoner rock y el doom, ¿esto les genera alguna especie de límite o tal vez el tema de quedar pegado a estas etiquetas?

J: No me interesa si quedo pegado o no, porque lo importante es lo que sentimos nosotros. Tratamos de hacer nuestra música con la mayor honestidad posible, es mi viaje, mi universo. La verdad que lo que opinen los demás me chupa un huevo. No se me cruzó por la cabeza, no me molestan las etiquetas tampoco, es la música que nosotros hacemos, es sincera y eso es lo único que importa.

N: Honestamente no nos sentimos cómodos con ninguna etiqueta de ningún tipo, a nosotros nos viene primero la idea y después podríamos cuadrarlo dentro de un género. Yo no escucho géneros, escucho bandas y valoro su autenticidad, no importan si hacen stoner o lo que sea que hagan, lo que me importa es creerles, que respiren lo que hacen, no que se suban a una ola de moda o algo así. Billy demostró ser un productor super versátil, muy libre, no que tiene que sonar a esto o a lo otro. Tampoco me molesta la etiqueta porque en definitiva a todo hay que ponerle un nombre para poder comunicarse o transmitir esos sentimientos. Igual me parece mucho más genuino lo que transmitís con una mirada, un abrazo, un momento, una nota, son cosas más profundas, más sinceras.


FIN DEL CAMINO: SUTRAH X STILTE, STILTE X SUTRAH.

Juan, ¿qué es lo más te gusta de Stilte? 

J: Lo que más me gusta es la manera que tienen de encarar la música y todo lo que rodea a Stilte, más allá de su música. Lograron una identidad, que eso es muy difícil, y cuando los ves en vivo tienen una cosa super caótica, que me lleva a un lugar extraño, a un lugar de conflicto que no es placentero, pero a la vez sí lo es, no sé si me explico. Me gusta su visión de la música, su búsqueda constante, me siento muy hermanado y es por eso que hicimos juntos el split.

Nahuel, ¿qué es lo que más te gusta de Sutrah?

N: Que desde un punto de vista absolutamente genuino y auténtico hayan reformulado el stoner rock. Desde mi visión, es cierto que Sutrah es stoner, pero también Sutrah es Sutrah, con sus cuelgues, con su filosofía oriental. Ese es su mambo, ellos realmente son así en su vida, no sólo con la banda. Eso es lo que más remarco de ellos.

¿Cuáles son los próximos pasos de Sutrah? 

J: Vamos a grabar a mitad del año próximo, estamos componiendo ahora, es un proceso que disfrutamos un montón. Lo que está saliendo está buenísimo, estamos super conformes, la banda sigue evolucionando, estamos buscando otros ritmos, otro groove. Estamos con temas largos ahora, pero no sabemos bien como será. Va a ser nuestro tercer disco y eso es muy importante para nosotros.

¿Y los de Stilte? 

N: Vamos a sacar ahora el DVD del show que compartimos con Nadja en diciembre del año pasado, donde nos juntamos con Bhutan para hacer una big-band en Zaguán Sur. El show fue producido por la gente de Zann´s Music y Venado Records. Por otro lado, también estamos componiendo, hay 2 o 3 temas nuevos y ya tenemos la idea de lo que estamos buscando, es un compendio de todo lo que hicimos hasta ahora. La idea es grabar un disco para 2015.

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Próximos shows: 

#Jueves 18 de diciembre. Stilte + Bhutan @ Zaguán Sur.
#Sábado 27 de diciembre. Sutrah + Los Antiguos @ Club V.

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#Foto Sutrah por Gimena Cuenca.
#Foto Stilte por Flor.

sábado, 27 de septiembre de 2014

Entrevista a Duncan Patterson


The Obscurants: personas que ocultan la verdad 





Duncan Patterson fue bajista de Anathema en los 90`s y compuso uno de los discos más recordados de la banda inglesa. Luego decidió partir y comenzar su propio camino con Antimatter y más tarde, con Íon. Desde 2011, Duncan está centrado en Alternative 4, grupo con el cual editó recientemente su segundo trabajo “The Obscurants” a través del sello alemán Prophecy. Atravesamos los océanos y las distancias que separan Liverpool de Morón para charlar sobre sus canciones, la industria de la música, Ian Mackaye, Victor Jara y América Latina, entre otras yerbas. Todas y cada una de sus palabras tienen un poder y una magia que serán difíciles de volver a encontrar.

¿Que podés contarnos sobre la portada y el concepto del nuevo álbum? ¿Por qué lo llamaste “The Obscurants”? 

Originalmente quería llamarlo "Obscured By Clowns", como un juego de palabras con el título de Pink Floyd [“Obscured by Clouds”], además de la idea de que muchos payasos están en mi camino, siento eso sobre mi carrera, a veces. Estoy tratando de seguir adelante con mis cosas y seguir creando, pero estoy obstruido por fanáticos de mi primera banda [Anathema]. Luego, descubrí que "Obscured By Clowns" ya había sido utilizado, y no soy de los que roba el arte a otras personas. Así que miré algunas variaciones y encontré "The Obscurants", un título mucho mejor. Suena oscuro y misterioso y se adapta muy bien al álbum. La idea general es sobre los encubrimientos, las personas que ocultan la verdad, eso explica el título. La portada representa insectos voladores en un enjambre y oscureciendo la vista. Eso encaja con el título y el concepto general.

En el disco anterior “The Brinks” hay una canción llamada “False Light”. En el corte de este nuevo álbum “Lifeline”, vuelve a aparecer y hacés referencia a esto. ¿Cuál es el concepto de esta “falsa luz” para vos?

"False Light" es básicamente la idea de buscar a alguien, simplemente porque está en una posición de poder. Ya sea que sea una estrella de televisión, un músico, una jerarquía en religiones organizadas, etc., sin tener ninguna otra razón que no sea eso. Una de las principales razones por las cuales decidí no subir a la "escalera comercial” en mi carrera musical fue exactamente por esto. No puedo soportar un clima no saludable. Llegó un momento en que me di cuenta de que muchas cosas en el negocio estaban "manipuladas" y simplemente todo se reducía al dinero o a tener un manager poderoso, o sea, nada que ver con la música. Hay un montón de personas que mueren por tener esta atención y poder, que rompa cualquier tipo de código moral para conseguirlo, y he escrito mucho sobre ello. Cuando escribí “Lifeline” yo tenía a alguien en mente que irrumpió en la vida de mi banda hace muchos años y no pensó dos veces antes de joderme, y a su vez crear una gran cantidad de problemas entre los demás integrantes también. Mi pregunta para esta gente es ¿por qué no hacen sus propias cosas?, ¿por qué aferrarse al talento de otra gente? En los años de Anathema nunca fuimos así. Tuvo que pasar mucho tiempo para darse cuenta de esto.

El disco incluye una hermosa versión de “Returning the Screw” de Fugazi. ¿Cómo llegó esta canción a tu vida? ¿Es una banda especial para vos? 

Tocamos juntos con Fugazi en Brasil, en 1994, fue en un festival para los niños sin hogar. Nosotros hemos encabezado una noche, y ellos fueron cabeza de cartel en la otra. Esa fue la primera vez que los vi y quedé completamente impresionado. Tuve un par de buenas charlas con Ian MacKaye, ya que nos quedamos en el mismo hotel, y luego poco a poco me compré todo su catálogo cuando volví a casa. He leído sobre la historia y la ética de sus bandas y fue un cambio importante en mi vida. Como te decía en la pregunta anterior, nunca estuve cómodo con ese falso e insalubre clima que hay cuando tocás en una banda estable. Fugazi eran 4 tipos que hicieron todo en sus propios términos, tenían total desprecio por la industria de la música y eran increíbles artistas también. Sentí una fuerte conexión con eso, y yo estaba en una escena que se estaba convirtiendo cada vez en algo más comercial, entonces eso me dio el coraje para salirme de todo y trabajar a mi manera, fuera de esta "máquina" que no me sentía cómodo formar parte. Cuando estábamos armando juntos este nuevo álbum, me di cuenta de que estaba escribiendo un montón de cosas en clave de Si, y en algún momento toqué algo similar a la línea de bajo de “Returning the Screw”. Entonces decidí grabar una versión en su lugar. Es un tributo a una banda que tengo total respeto, y que han tenido un gran impacto en mi carrera.

¿Cuál es la historia detrás de la canción “Dina”? 

“Dina” está escrita metafóricamente sobre una mujer promiscua, pero está basada en los golpes de estado de Henry Kissinger en la década del ´70 en América Latina. He utilizado una línea de una canción de Víctor Jara [“No puede volver atrás”] en la letra. Víctor fue brutalmente asesinado por la dictadura chilena después del golpe. Es un tema que he leído mucho sobre durante la última década.

¿Cómo se ve América Latina desde el Viejo Mundo? ¿Qué noticias te llegan desde nuestra región?

He pasado mucho tiempo en América Latina, así que he tenido mis propias experiencias directas allí. Conocí gente en Argentina y Chile, y también tuve las experiencias habituales de “atención insalubre” de fans de mi vieja banda. Pero siempre me sentí atraído por América Latina, por alguna razón. También he pasado mucho tiempo en México. Como te decía antes, leí mucho sobre la historia moderna de la región y hay una gran compatibilidad con una gran cantidad de cosas como la música, el fútbol y el humor. Aparte de los futbolistas, aquí en Europa no escuchamos mucho sobre América Latina en realidad.

Creo que en tus letras hay un contenido de crítica social, entre otros tópicos. ¿Creés que tu arte y tu música pueden ayudar a hacer visibles todas esas pequeñas grandes cosas invisibles para la gran mayoría de las sociedades? 

Bueno, yo creo que debe haber un porcentaje de gente que escucha mi música que está realmente interesado en el contenido de las letras, aunque hay muchas personas que no lo están. Es muy difícil para mí entender eso, como escritor. Así que supongo que hay un pequeño número de personas en el mundo que se han tomado el tiempo para pensar en lo que escribí. Y eso es muy bueno. Ahora me gustaría difundir la música a otras personas de ideas afines, y ese es realmente mi trabajo en este momento.

En tu música hay una especie de oscura melancolía, sin embargo, creo que sos un músico positivo y esperanzado: siempre has estado activo, creando bandas; siento que tus canciones son un secreto para muchas personas, y la esperanza está en que puedan ser oídas por cada vez más gente. ¿Estás de acuerdo con esto? 

Sí, no dejo de ir para adelante. Soy músico y escritor, y eso es lo que hago. Tuve un poco de mala suerte, y se han aprovechado muchas veces, pero también he estado en el lugar correcto y en el momento adecuado en muchas ocasiones. Estoy más grande y también más positivo, a pesar de que la música en sí está cada vez más devaluada. Aparte de escribir y grabar mis canciones, mi trabajo es hacerlas llegar a los oyentes correctos, a las personas que puedan conectar con ellas, y también que entiendan lo que estoy tratando de hacer. A finales de 1990 decidí que no quería más ser parte de toda la "carrera de ratas" del negocio de la música, y no quería entrar en los mismos círculos de los grandes managers y sellos discográficos. Mi vida sería mucho más fácil en muchos sentidos, pero hay una fealdad en la industria que no puedo soportar. Existir fuera de eso, sin dejar de tener suficientes personas interesadas en lo que hago, es simplemente mi misión. Lo cual es una cosa casi de todos los días.




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“Mi vida sería mucho más fácil en muchos sentidos, pero hay una fealdad en la industria que no puedo soportar".
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Han pasado muchos años desde tu partida de Anathema, sin embargo mucha gente sigue preguntándote qué pasó. Honestamente, ¿es molesto para vos seguir contestando preguntas sobre eso? 

No tengo ningún problema en hablar de Anathema y compartir historias. Estoy orgulloso de lo que logramos juntos y la forma en que lo hicimos. También estoy orgulloso de mi progreso personal y las experiencias que tuve mientras todavía era un adolescente. El problema que tengo, lo que ha sido una pesadilla en mi carrera, es cuando la gente no puede ver más allá de lo que hice en Anathema. Con Íon, era el artista más vendedor del sello, pero no pude conseguir tocar en ningún concierto. Ningún promotor estaba interesado en nosotros, y muchos me preguntaron si estaba tocando canciones de Anathema. He tenido literalmente cientos de correos electrónicos y mensajes de Facebook de la gente diciendo "sos mi compositor favorito" y no han oído nada de lo que he estado haciendo desde 1998, y me imagino que muchos de los que desean que me reúna con la banda, tampoco. También está la pregunta incesante "¿Por qué te fuiste de Anathema?"; estas cosas son molestas después de 16 años.

Hace algunos años estuviste tocando en Buenos Aires, en un show íntimo. Desafortunadamente para mí, no estaba en la ciudad para ese momento. ¿Qué recuerdas de ese concierto? ¿Tenés planes de volver algún día? 

Buenos Aires fue una gran experiencia. Tocamos dos noches, ya que en la primera se agotaron las entradas. Eso no está nada mal para alguien que no ha tenido un empuje comercial. Fue Mauro Frison [también baterista y percusionista de Cruachan] quien organizó los shows, él es originario de La Plata, ahora está tocando la batería en Alternative 4 y así es como lo conocí.  Me encantaría volver, pero no sé cómo sería posible ahora. Intentamos agendar algunos conciertos con Alternative 4, pero había demasiadas bandas "establecidas" tocando y los promotores no podían correr el riesgo.

¿“Lost Control” es una de las canciones más emotivas de tu autoría? La versión en vivo que grabaron con Antimatter en “Live @ k13” es genial. 

Realmente, no sé cómo medir la emoción en mis propias canciones, porque que todas significan algo. Creo que “Lost Control” tocó la fibra sensible de una gran cantidad de personas debido a su simplicidad. Es fácil de digerir y fácil de entender. Y muchos de nosotros hemos tenido sentimientos similares, sobre todo a los 20 años cuando la juventud se va y la depresión a menudo entra en acción. También tiene suficientes guitarras distorsionadas para que los metaleros no se sientan culpables [risas].

¿Cuáles son tus canciones favoritas de cada uno de los proyectos que formaste? 

Con Anathema, diría “Eternity part III”. La versión original no es tan buena, ya que no se grabó muy bien, pero como composición es probablemente mi favorita. Con Antimatter, diría “Expire”, ya que era el estilo que tenía en mente cuando formé el proyecto. Tiene sonidos y voces lo-fi, una energía espeluznante, todo encaja perfectamente. Esa es una canción que no cambiaría, incluso si tuviera la oportunidad de volver a grabarla con un presupuesto holgado. Con Íon, estoy entre “Fe, Esperanza, Amor” y “Learpholl”. Estoy muy contento con las composiciones y las versiones grabadas de las dos. Hay una especie de alma celta en ambas, no demasiado, pero si una sutileza de buen gusto. Y con Alternative 4, entre “Underlooked” y “Dina”. “Underlooked” es implacablemente monótona y es una de las cosas más extremas que escribí. “Dina” resultó mucho mejor de lo que imaginaba cuando la escribí. Ambas versiones grabadas de las canciones resultaron muy bien. Mark [Kelson, anterior cantante y guitarrista] realmente confirmó “Underlooked” en el estudio, su mejor actuación para mí. Y Simon [Flatey, nuevo vocalista y guitarrista] lo hizo genial en “Dina”.

¿Cuál fue el momento más emotivo que viviste arriba de un escenario? 

Dos de mis conciertos favoritos fueron acústicos. Uno en Rumania con Vinny y Danny Cavanagh [cantante y guitarrista de Anathema, respectivamente]. La energía era inmensa esa noche, en una antigua iglesia sobre una colina. Había una fuerte tormenta afuera, podíamos oír la lluvia y se pudo ver un rayo a través de las ventanas abiertas. En la nota final del set hubo un enorme rugido de un trueno. Todo el mundo quedó fascinado, incluso nosotros. Otro fue con Mick Moss [cantante y guitarrista de Antimatter], en Sofía, Bulgaria. Fue en un teatro y había una gran asistencia. Todo el mundo fue respetuoso y tranquilo durante las canciones, el único ruido que había era cuando cantaban junto con nosotros. Me gustó mucho ser parte de eso. Creo que mucha gente no se da cuenta de lo importante que es la audiencia en los conciertos. Cuando hay un respeto mutuo entre los músicos y el público, hay una especie de sentimiento de unión, eso pasa cuando la magia sucede, al menos para mí. No me gusta cuando una banda está en un gran escenario y hay gente enfrente sólo gritando a ciegas y volviéndose loco. Nunca acepté la idea de que los músicos son más importantes que el público. Es una experiencia mutua.

Después de tantos años en la ruta, ¿qué lección te gustaría compartir con nosotros? 

Ser real, tener una fuerte ética y no tomar ninguna mierda de nadie. Por encima de todo, disfrutar, ya que eso es, sin duda, la intención en primer lugar.

Duncan, ha sido un enorme placer para mí, ¿hay algo que tengas ganas de decir? 

Muchas gracias por el interés. Si desean saber nuestras noticias pueden seguirnos en nuestros blogs y páginas de Facebook. Los mejores deseos para ustedes y saludos desde Liverpool. 

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Alternative 4 es:

Duncan Patterson: Bajo, piano, Teclado.
Simon Flatley: Voz y guitarra.
Mauro Frison: Batería.

https://www.facebook.com/alternative4.band
http://www.alternative4.co.uk/

#Fotos pertenecientes al archivo de la banda.

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jueves, 18 de septiembre de 2014

Entrevista a Lou Baumann

"Desde chico me levanto y me acuesto pensando y soñando en lo que hago" 


Se llama Luis, pero también lo llaman Lou. Vive en San Miguel, al noroeste del conurbano bonaerense y su vida está ligada al arte, al punk y a la ética DIY: música, diseños, collages, dibujos, ferias y conciertos autogestivos. En una interesantísima y extensa charla, hablamos sobre fanzines, sus bandas Fusibles y Quemacoches, su proyecto solista, los cassettes, los vinilos, los centros culturales y muchas cosas más que vale la pena recorrer en las siguientes líneas.



ENTRE FUSIBLES Y FANZINES 

"Por el año 2000, tocaba en una banda, los demás propusieron Visión Interna y yo, Fusibles. Finalmente quedó el primero y bueno, Fusibles me quedó en el tintero y lo usé como nombre de mi proyecto paralelo. Grababa todo solo, llegué a registrar como 10 demos, con grabadores de periodista, walkman, lo que tenía, los hacía con tapa y todo", nos cuenta Lou sobre los orígenes de Fusibles.

¿Desde esa época ya dibujabas? 

Desde el ´95 que vengo haciendo fanzines. Me volqué desde el fanzine más informativo, político y de bandas a uno más de ilustración y fotos. El primero era el típico: notas a bandas, reseñas, escritos personales políticos, análisis sobre la escena. Los vendía para hacer dos, en esa época todos los fanzines salían $1, algunos $2, los más "gorditos" o de imprenta y si hacíamos una fecha y quedaba plata, imprimía 20 o 30 y los mandaba por correo a todos lados. Al principio de llamaba "Why?", después le puse "¿Por qué?" y luego cada número tenía un nombre distinto, según lo que recortaba de alguna revista de todas las que colecciono. Hasta que de una propaganda saqué "Dellamore", nombre que quedó hasta el día de hoy.

En estos tiempos de ciberinformación, me parece que ya casi no existen o hay muy pocos ¿cómo ves la salud de los fanzines? 

Yo creo que existen, hay muchos. Hubo muy poco y nada después del 2000, sobre todo porque muchos de los que participaban entre los 80`s y los 90`s se hicieron personas grandes, con sus trabajos se fueron a otro país, en la crisis muchos emigraron, muchas bandas desaparecieron. Entre 2004 y 2005 empecé a verlos de nuevo. Yo nunca dejé de hacerlos, de hecho con una amiga en la peor época, hacíamos ciclos, con proyecciones e invitábamos gente a hablar. El fanzine dejó de ser una cosa del anarko-punk y pasó a ser una herramienta de autoedición, que empezó a abrirse desde el contenido. Creo que todas las herramientas que provee el sistema hay que utilizarlas para beneficio propio. No estoy en contra de la tecnología, al contrario, hay que usarla para generar un ambiente que nos sirva. Yo apoyo la autogestión, la independencia y la autoedición, y me parece que internet sirve mucho. Todos los proyectos de discos, fechas, participaciones gráficas salen por internet. Por otro lado, trabajo con eso, estoy haciendo diseños y es una herramienta de trabajo.

¿Qué tienen los fanzines que no tienen las revistas de rock? 

Creo que las revistas están limitadas por la publicidad, hay un interés más comercial, que el fanzine no lo tiene. La finalidad del zine es más directa y humana; la de la revista "conocida", la del kiosko de diarios quiere entrar en un ámbito de consumo. No las critico, algunas son muy buenas, hablan de las escenas underground pero como algo más pequeño, siempre la tapa es para "lo conocido", veo una cosa como muy vertical. En el fanzine, vos como editor ponés lo que vos querés. Vos te vas a Escobar, a una hora de acá y en una casa están haciendo grabados, talleres, ciclos y eso no sale en la revista "X". En fanzines quizás si se hable de eso. Pasan cosas en todos lados.

LOS SELLOS: ALBORADAS EDICIONES Y POSTALES DISCOS. 

¿Llevás adelante un sello también, no? 

Si, primero trabajé con Juan, él tenía una distro que se llamaba Marathón. Empecé a ayudarlo con eso y después elegimos formar el sello Alboradas Ediciones donde empezamos a editar bandas, hacer ciclos y exposiciones. Luego, por cuestiones de salud y de ocupación me desligué un poco, tuve que parar un tiempo. Mas tarde comencé con Postales Discos, que editaba material mío y de algunas bandas como 1X1, grupo de los 80`s bastante experimental que radica en San Miguel. Desde 1999 me venía manejando con CD-R y cassette y quería editar original, en fábrica, pero necesitaba una inversión que en ese momento no la podía hacer. El sello no está desaparecido, pero está en una especie de stand by. Lo que me interesó más es participar de una coedición, que se junten 5 o 6 sellos y saquen una edición, como hicimos con Quemacoches y Fusibles. Cuando los discos se fabrican, se reparten entre los sellos participantes y además implica que se distribuya a través los mismos, más las copias que te quedan para vos cuando tocás. Entonces se da algo interesante, no pagás por una distribución. Estamos vinculados con Volante Discos de Córdoba que editan sólo en cassette, con Ediciones Incendiarias de Chile, Alboradas, Postales, Gba, el sello Cabello en Escobar de los chicos del taller de Remedios que es una de las cosas más geniales que descubrimos en estos años.

Hay un revival del cassette y del vinilo, ¿es una moda o es resistencia, una vuelta a lo romántico? 

En una época, sobre todo en EE.UU era más barato editar en esos formatos que en CD. Con los años se empezó a dar vuelta. El revival es natural porque hay un recambio generacional. Nosotros vivimos en los 90`s toda una explosión de eso, que nos marcó a nosotros y a muchas bandas también. La alternativa de resistencia tiene que ser la más barata, a nivel difusión, prensa y musical para que vos puedas expresar lo que querés. No creo que haya que adaptarse a un estudio super costoso, si podés hacer que tu banda suene bien de forma casera. La alternativa siempre es hacer lo que tenés a mano. No creo que la evolución de una banda sea la evolución sonora a nivel tecnológico, para mí siempre es musical, no importa cómo esté tomado. Los discos que más nos gustan fueron grabados con muy pocos recursos, y son clásicos que hasta hoy se escuchan. Creo que con los cassettes y vinilos hay un revival, hay romanticismo y es muy bienvenido porque acá estuvieron a punto de desaparecer, no en Europa ni en EE.UU. Estaría bueno que no desaparezcan y que vuelvan a ser accesibles. Con Fusibles editamos el split con Zat en vinilo, fabricado en EE.UU, mediante otros sellos de forma cooperativa. Es un trabajo arduo y todavía no nos llegaron entre aduanas, correos, trámites, gráficas, etc. En Europa, EE.UU, Brasil, Chile y hasta centroamérica no se dejó de escuchar vinilo, acá un poco si.

En estos días estamos viviendo la clausura de muchos centros culturales y espacios en la Ciudad. ¿Cómo es la convivencia con los dueños de los lugares para tocar para una banda que se maneja de forma autogestiva e independiente como ustedes? 

Fue y es difícil, ahora se está ablandando un poco, pero fue mucho más duro. Es toda una cadena: al no haber una inversión desde una política, sea cual sea, no hay inversión a nivel cultura, no hay un interés fuerte. Se busca lo contrario, cuanto menos cultura, más control tienen. Las bandas no dejan de existir, al contrario, hay cada vez más y al no haber lugares donde tocar, se tienen que autocrear. Los boliches y bares abrieron sus espacios pero era todo muy mercenario, tenías que pagarles por usar el lugar, mientras ellos ganaban con la barra y la entrada, tenías que llevar el sonido y pagar todo para mostrar tu arte. Eso se hizo un tiempo porque no había nada. Nosotros empezamos a separarnos de todo eso y a plantear otra cosa. Yo veo que en Capital a los lugares autogestionados que plantean lo mismo que nosotros queremos, culturalmente se los está exprimiendo cada vez más, acá por ahí hay menos lugares pero la convivencia es más equilibrada, a veces.

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"Vos te vas a Escobar, a una hora de acá y en una casa están haciendo grabados, talleres, ciclos y eso no sale en la revista "X". En fanzines quizás si se hable de eso. Pasan cosas en todos lados".
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LOU BAUMANN SOLISTA 

"Cuando Fusibles comenzó a ser una banda, en 2006, yo grababa canciones acústicas pero nunca lo mostraba. Más tarde lo subí a bandcamp y demás. Después tuve una época de acústico, eléctrico e instrumental. Vamos a hacer una edición en Córdoba con Volante Discos que va a tener como 20 canciones, muchas son cantadas y también tengo otra preparada que va a ser instrumental. Ahora hay como una mezcla, hay de las dos cosas".

¿Qué creés que te da el formato instrumental que no te da el formato canción? 

Cuando compongo, a veces no le encuentro la vuelta para ponerle una voz pero si para que tenga otros arreglos de guitarra y quedan instrumentales. Es más intimista, de paisajes, de proyección. Hay un Ep que se llama "Dibujos" y me dicen que es muy de película, de corto, muy paisajista. Tiene que ver con eso, el lugar donde vivo, ese respiro que me tomo en mi barrio, de hecho está grabado el sonido de los pájaros en el Ep. Me gustó mucho poner sonido ambiente, este que estamos teniendo ahora también lo usaría porque es como que te hace viajar. Con la música uno viaja mentalmente a un lugar.

Escuchándote hablar, parece que sos todo lo contrario a la industria. No sólo a la de la música sino a la industria del consumo masivo, como articuladora de nuestras vidas... 

Es relativo, pero puede ser, puede haber un poco de eso. Últimamente estoy pensando en que también hay una industria en lo que uno hace, más allá que no sea de una política capitalista. Pero si, quizás no una posición de contra sino que no soy compatible ni con la globalización ni con el capitalismo ni con las políticas neoliberales. Las limitaciones que me tocó tener en la vida me llevaron a tener esas herramientas, el cassette, lo barato, lo práctico y rápido. Después políticamente tuve una atracción a ideas más libertarias, ligadas al anarquismo o al socialismo utópico, como le dicen. No digo ponerme en contra porque con Quemacoches y Fusibles fabricamos los discos en una empresa, también fabricamos en EE.UU . No somos ortodoxos, hay una convivencia. Obviamente elijo una vida más sustentable pero no hay una posición de contra. Con respecto al trabajo artístico, está alejado de la industria que haces referencia, aunque he participado en exposiciones que luego me di cuenta que estaban auspiciadas por marcas nefastas [risas].

SOBRE QUEMACOCHES 

El video de "Muertos" está buenísimo y ya superó las 7200 reproducciones. ¿Qué te provoca este tipo de cosas? 

Ese video es el resultado del trabajo desinteresado y totalmente con amor de Pablo Leone, Mara Hitters, Luciano Zazzaro y Ariel García. Fue como una sorpresa, no nos querían decir nada hasta que lo presentaron en un fecha que tocamos y no lo podía creer. Nunca pensé que iba a llegar a esta instancia en mi vida en la que iba a tener un video de verdad, tan lindo, tan bien logrado, fue un trabajo de amor puro. Hay un chico que subió el álbum entero a youtube y ya superó las 10.000 escuchas y la verdad que no lo puedo creer, un poco. Por otro lado si, porque cuando vamos a algún lado nos dicen "qué bueno que está", a todo el mundo le gusta, es loco. Quemacoches es un proyecto que Diego [Casalves, cantante] ya venía craneando, costó un montón sacar el disco [Puro Veneno] pero creo que el esfuerzo tiene su premio. Osvaldo Bayer en una charla en la que inauguraba una feria de prensa libertaria y producciones independientes en el Municomio de Grand Bourg, hizo una introducción sobre sus exilios, persecuciones y pérdidas de compañeros y dijo una frase que me marcó mucho, algo así como que toda ética tenía su triunfo al final. Venimos hace muchos años trabajando en proyectos y creo que cuando tenés constancia en el trabajo, le pones pasión y ética, tiene un resultado beneficioso en algún momento. De hecho, salieron cosas copadas en la prensa y no fueron buscadas, y eso no pasa siempre.

¿Tienen una empresa que los apoya? 

Cuando nosotros sacamos el disco y convocamos a muchos sellos para que participen y apareció la marca independiente de ropa Up Rad que quería colaborar.Quieren apoyar la banda, no es una cuestión económica, les interesa mostrar lo que hacen. Pasa lo mismo con las de skate, todas están bienvenidas a que nos ayuden y nosotros a ayudar a difundirlos también. Hay muchos coeditores que son fanzines o productores de ciclos de música que aparecen con su logo apoyando pero no son empresas, son marcas independientes. No firmamos un contrato, es ayuda mutua.

Tal vez por falta de información, prejuicio, a veces porque es fácil criticar, pero se les suele pegar a aquellas bandas independientes que tienen cierta convivencia con alguna empresa. Nos ha pasado y nos pasa a veces como escuchas de crucificar a bandas que nos gustan, ¿recordás alguna? 

La verdad que crucificar, no. Pero vos como escucha de una banda que te gusta ves que le da la mano a un gobierno neoliberal y si, te baja un poco las ilusiones. Pero no tengo muchos casos, porque todas las que escucho tienen un lineamiento más ético. Me centro más en los que hacen cosas positivas, no estoy en condiciones de juzgar a nadie, tal vez diría que yo no haría tal o cual cosa.

Como el caso de Massacre, por ejemplo... 

Es una banda que me gustaba mucho, lo viejo, hasta "12 nuevas patologías" y después me dejó de gustar por una cuestión musical, se fueron a un rock de producción más comercial. Me gustaba lo más jugado y conceptual que tenían, pero escuché todos los discos y son obras geniales, aunque no me gusten tanto ahora. Creo que siguen siendo independientes, lo que pasa que están en otro nivel de consumo, más elevado, lo que sí se le puede criticar es esa especie de guiño a cierta política que no apoya a la cultura, sino todo lo contrario, la destruye. Pero es relativo, no me arriesgo a crucificarlos por participar en un recital de un gobierno de turno. Ahora, si yo lo haría o no, es otra historia. Muchos se fijan en Massacre pero en muchos recitales indies también los auspicia el gobierno o algo parecido.

¿Sos un artista punk?

No sé si me considero un artista y tampoco sé si soy punk. Aunque estoy muy ligado al arte y al punk. Puede ser un error, pero tengo la concepción de artista en quien estudió muchos años, y yo soy más autodidacta. Pero no puedo negar que lo que hago es estético, gráfico, visual, musical y entra en las ramas del arte. Vivo del arte hace muchos años, aunque no implique siempre lo económico para mí. Desde chico me levanto y me acuesto pensando y soñando en lo que hago. Que no es redituable muchas veces, si, es cierto, pero en el futuro creo que lo será, estoy seguro.

¿Qué bandas te gustan?

Muchísimas, me gusta mucho el folk, no te puedo nombrar algunos cantautores porque me olvidaría de un montón. Que estén activas y las puedas ver en vivo, de acá me gustan 451, es una de las bandas más originales que escuché, vienen de otra que se llamaba Ni Idea; La Tumba del Alca, donde tocan integrantes de Persona, ambas muy buenas; El Hombre Anormal, que fueron los primeros en hacer post-rock en la zona. Archipiélagos, que justo sacaron un Ep ahora, Zat, Tildaflipers me gustan mucho también y un montón más.

Lou, ha sido un placer hablar con vos, ¿te gustaría agregar algo más, algún mensaje que quieras dejar?

A todo aquel que pueda estar leyendo y esté interesado en iniciar un camino con respecto a algo que le guste, que no lo detenga nada, que lo importante es lo que sentís, y si tenés ganas de hacer algo, siempre se puede lograr, no necesitás que nadie te banque, hay que salir y hacerlo. Está todo al alcance de la mano para que nos expresemos. Gracias por el espacio.



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Contacto: artedellamore@gmail.com
Facebook: Lou Baumann 
Foto #1: Archivo personal.
Foto #2: Sofia Lino.
Foto #3: Jaime Vera.

http://fusibles.bandcamp.com/
http://loubaumann.bandcamp.com/
http://quemacoches.bandcamp.com/

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miércoles, 25 de junio de 2014

Ciclo Venado Edición Junio @ Club V

Fecha: Sábado 21 de junio de 2014.
Lugar: Club V, Corrientes al 5000, C.A.B.A.
Bandas: Mondo Dromo, Los Cuco, Hijo de la Tormenta y Stilte.



La música fluye. Fluye como el agua que corre entre las rocas de la montaña hasta llegar a la costa, donde el Hombre espera. Mientras, él piensa qué puede hacer con ella para transformar su belleza natural en un papel, que sólo su especie dará valor y llamará dinero. La energía de la música, fluye: a algunos los motiva a tocar un instrumento, a otros a asistir a un concierto y dejarse llevar por sus encantos; a poquísimos otros, a escribir y divagar sobre ella. El ciclo Venado parece ser ese lugar donde esos pequeños fueguitos se juntan para armar una gran fogata, donde aquel papel se quema y se desintegra, quedando sólo la esencia de la música, para volver a la tierra y fluir.

Mondo Dromo fue de la partida, presentándose nuevamente ante la audiencia luego del gig con Narcoiris hace unos días atrás. Esas canciones graves, ruteras y pesadas ya merecen ser plasmadas para no perder su frescura, esa misma que la desértica escena underground de Buenos Aires ha perdido con el correr de los tiempos. Los riesgos de quedar en el camino siempre existen y son grandes, pero los que aguantan las tormentas son los que escriben la historia y construyen los puentes. Veremos qué deparará el destino a este genuino proyecto de la casa Venado, que cuenta con buenas ideas, personalidad y un sonido que se supera en cada presentación.



Desde la ciudad de La Plata, a continuación, llegaban Los Cuco. Confieso que de manera recurrente estoy llevando la imaginación y los pensamientos al extremo, pero el noise limón del Mr. Bungle de Mike Patton y ese jueguito bizarro del Puscifer de Maynard James Kennan sobrevolaron mi cabeza durante la performance del cuarteto del sur. Con una señorita tras los tones y un sintetizador que emanaba ondas espaciales, Los Cuco fueron una gran sorpresa y no sólo se llevaron una lluvia de claps por su gran destreza y versatilidad musical, sino también todas las miradas en los movimientos histriónicos de un vocalista abrazado a una remera de Swans, quien utilizó el acotado escenario de Club V como si fuese su lugar de toda la vida. Rock inclasificable y minimalista, ahí está el encanto de esta banda. La música fluyó y ganó. Y de qué manera.
 

En algún momento me crucé con una grabación que se llamaba “Simple 5/12”, se trataba del primer registro del trío cordobés Hijo de la Tormenta. Stoner rock, por momentos con pasajes más doom, es lo que les sienta mejor a estos jóvenes artistas que demuestran su amor por los graves y la polvareda. Es interesante destacar cómo las brisas del desierto de Palms Spring se extendieron por todo el territorio argentino, llegando a lugares impensados hasta hace sólo 10 años atrás, cuando Los Natas monopolizaban la cuestión por peso propio, girando y codeándose con los principales exponentes del género. Dieron un show potente y el auditorio quedó más que satisfecho. Si te caben las violas saturadas y los climas áridos, pueden ser tu banda a seguir. En noticias relacionadas, próximamente estarán editando su primer larga duración bajo el ala de Venado Records.
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Una de las bandas más interesantes que guarda el circuito de Buenos Aires se llama Stilte y fueron los encargados del cierre del ciclo. “La Derrota Muere con Ellos”, su último trabajo editado por Zann´s Music, es un gran agujero negro en la vía láctea, uno de esos discos atrapantes que se convertirá en tesoro cuando ya no estemos sobre este planeta. Stilte es intensidad, profundidad y emoción; cuatro pibes que devienen en un único espíritu cuando se conectan en directo, porque da la sensación que la música fluye por sus cuerpos, despojándose de todo aditivo material. El Split con Sutrah registrado bajo la supervisión del gran Billy Anderson está allí, agazapado, esperando una pronta edición que seguramente marcará un nuevo hito en sus caminos. Manuel Platino se ha convertido en un integrante fundamental, no sólo aportando vibraciones voladoras, sino también unos vientos que me recordaron a los de Morphine y Yakuza. Además, recientemente editó nuevo material de su proyecto Life , dúo industrial y opresivo en la vena de Godflesh y Scorn, que forma con Fernando Suárez de Cheating Spouses Caught On Tape, ex Páramo, entre otras bandas. Altísimo trance sonoro de los Stilte, una experiencia que si todavía no la viste, no la dejes pasar en tu próxima oportunidad.

Y así, volvemos al principio, para que todo se recicle y vuelva a circular. Música, música y más música. Las posibilidades del Hombre, creativamente hablando, parecen infinitas cuando nos topamos con semejante demostración de poder. Ojalá este submundo no se termine nunca, y si algún día dejara de existir, que sus partes se disuelvan para formar uno en otro lugar. En otra galaxia.

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#Foto por Arlequinada y punto rojo.
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jueves, 12 de junio de 2014

Subcultura Fanzine #4



SUBCULTURA FANZINE #4 | Junio 2014.
Free download & distro.
Tirada limitada 250 copias.
Disponible en recitales y ferias.

Podés descargarlo pinchando acá.

También podés leerlo y compartirlo desde acá:


lunes, 19 de mayo de 2014

Ciclo Venado Edición Mayo @Club V

Fecha: Sábado 17 de mayo de 2014.
Lugar: Club V, Corrientes 5008, C.A.B.A.
Bandas: Mondo Dromo, Los Llanos, Fusibles y Persona.


Tendría que hacer mucha memoria para intentar recordar un concierto de estas características en un horario matinée. Según la gente de Venado Records, fue una excepción y la grilla del ciclo hasta fin de año continuaría en su turno habitual de transoche y con Mondo Dromo como anfitrión de la velada. Con un puñado de shows encima bajo este formato, el trío Bhutan más Santiago Soto de Ruta del Desierto en batería, fue el grupo más pesado de la noche, incluso los únicos que utilizaron un micrófono para canalizar sus textos. La banda se encuentra super aceitada, entrelazando stoner rock en clave punk, letras en castellano y un sonido gordo, claro y directo. Lejos del ambient drone de su otro proyecto, Mondo Dromo aporta un poco de frescura y buenas ideas a un subgénero que muestra signos de cansancio y monotonía desde hace un buen tiempo. Según Andrés Gargiulo, voz y guitarra, planean grabar este año para editar su primer trabajo en 2015. Atentos: van a estar abriendo una de las fechas del Noiseground Fest 2014






El alma del post-rock de Slint, Mogwai, Sigur Rós y Godspeed You! Black Emperor fue quien paró las olas gigantes de graves, cuando Los Llanos emergieron en el escenario de Club V. Cuatro hombres ejecutando climas netamente instrumentales e instrospectivos bajo las luces azules de la sala, donde realmente hubo conexión con esas [des]estructuras a medio tiempo. Como consecuencia, la gente se pegó al escenario para disfrutar de un momento único, difícil de describir. Si estuviste ahí, sabés de qué estamos hablando. En este cuarteto toca el bajo Alejandro Cannuci de Satan Dealers, quien demostró que el rock también puede tomar otras formas y colores. Como tantos otros, fue la primera vez que los veíamos en directo y realmente, nos gustaron mucho. Ojalá puedan tocar más seguido.





Siguiendo la línea, llegó Fusibles desde allá lejos, San Miguel, bien al noroeste del conurbano, esta vez presentándose como quienteto. Ya sabíamos de esta banda, nos la recomendaron y luego tuvimos la chance de verla en directo en este mismo lugar hace un tiempo. Si aquella vez nos había sorprendido, ahora nos alucinó. En poco más de 20 minutos de un set donde los instrumentos fueron realmente quienes hablaron, dejaron al descubierto el talento de estos chicos comandados por Lou Baumann, también artista plástico y creador del fanzine Dellamore. Pronto van a estar lanzando un split con Zat en formato vinilo, así que vamos a estar a la espera. La sensibilidad post hardcore que se animó a cruzarse con el Radiohead más experimental. Belleza.





Eran las 10 pm y el concierto se acercaba al final. Los encargados del cierre fueron los de Ingeniero Maschwitz, más conocidos como Persona. Con el punk rock como primer amor y vieja escuela, ejecutaron rock instrumental de violas gemelas de alto vuelo emotivo, prescindiendo de los cuelgues y temas kilométricos. Desfilaron tracks de su Ep “Inconcluso” como “El Perseguidor” y “Puercoespín”, proyecciones lisérgicas mediante, de hecho, fue el único de los 4 grupos que utilizó este recurso visual. En novedades relacionadas, el cuarteto está ultimando detalles para editar este año su esperado primer disco. Cerca de 40 minutos de set fueron suficientes para demostrar el gran momento que están atravesando.

El ciclo Venado sigue apostando y privilegiando la calidad sobre la cantidad. Si bien cada vez más se están generando nuevos espacios, éste es uno de esos donde vas a poder disfrutar de bandas de alto calibre y verlas bien de cerca, cómodo, en un ambiente construido por buena gente. No sé cuántos recuerden esta fecha, pero para nosotros fue histórica y tuvimos el placer de documentarla. Gracias, una vez más.

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Fotos: GottesdeBaires | gottesdebaires@gmail.com
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domingo, 27 de abril de 2014

Entrevista a Proyecto Quasar


“Si tocamos para 30 personas, esa gente se tiene que ir con la cabeza prendida fuego”




Nacieron y surgieron desde las profundidades de la zona oeste del conurbano hace casi 10 años bajo el nombre de Proyecto Quasar. Usan instrumentos que no son habituales en una banda de rock como bongoes, maracas, panderetas, un kaoss pad [utilizado por artistas tan disímiles como Radiohead, Placebo y The Prodigy, entre otros], prácticamente dos baterías y además son 6 pibes que tocan y despliegan un arsenal de rabia musical tan inquieto como sincero y emotivo. Minutos antes de una presentación en directo en Detroit Club en Morón, hablamos con Emanuel Loyola [voz y guitarra] e Ignacio Ponzone [kaoss pad y teclado] sobre las ideas que quieren plasmar en su arte y la difícil pero gratificante tarea de patear el underground. Hay mucho más, sólo resta sumergirse en lo sucesivo.

Teniendo en cuenta que Morón ha sido un lugar que históricamente nunca le dio cabida al rock, ¿qué significa para la banda estar tocando en el barrio?

E: Está buenísimo, nos sentimos de local, acá vienen todos los del barrio, de Haedo, de Ramos Mejía. Estamos cerca de casa, no tengo que volver tarde de la Capital.

I: Detroit está bueno, los dueños del lugar nos tratan mucho mejor que muchas productoras que te invitan a tocar y no te dan ni una lata de birra. Ellos tienen años en esto y saben cómo es la cosa. Tienen muy buena onda y son de acá, eso es importante, no se olvidan de donde vienen.

Tienen dos discos editados hasta la fecha, Proyecto Quasar [2008] y Prosopagnosia [2011]. ¿Están trabajando en un disco nuevo?

I: Si, el primero se editó y registró en SADAIC, hicimos la movida con la UMI [Unión de músicos independientes] y se fabricaron 1000 copias. El segundo lo grabamos en el estudio Del Cielito, no está ni registrado ni editado, está en internet nada más y lo hicimos nosotros.

E: Ahora estamos trabajando en otro proyecto, que vendría a ser el tercer disco, que se va a llamar “Donde los Pájaros Temen”. Filmamos y grabamos una sesión de 8 temas en un teatro de Liniers. Hay reversiones de temas viejos y también temas nuevos. Estamos editándolo para que salga pronto.

I: El teatrito no existe más, lo armaron unos conocidos míos. Nosotros veníamos craneando esto desde hace mucho tiempo y se dio de hacerlo ahí. Lo hicimos con gente con mucha onda y que no nos pidió un mango. Se alquilaron los equipos del set de filmación y nosotros nos encargamos del audio, placa, PC y micrófonos. Va a estar bueno. Con respecto a la edición de los discos, no es que no nos importa, sino es que realmente no nos da el billete. No paramos de tocar, de hacer cosas y poner 10 lucas en un disco, para nosotros es una locura. Entonces siempre lo vamos postergando. Ahora la idea es editar el tercer disco este año, y si podemos, haremos una edición de los tres. A nosotros no nos banca nadie económicamente pero la banda está super afianzada, somos 6 amigos que venimos de pasar momentos complicados. Hubo un cambio de baterista, pero el resto estamos hace 6 años juntos, viéndonos las caras dos veces por semana en los ensayos.

Desde que los conozco, no han parado de trabajar en la banda. ¿Cuál fue el objetivo desde los comienzos? 

I: Es algo que nos tomamos muy en serio, con lo que decimos, con los temas que tocamos. Lo único que nos importa es Proyecto Quasar, que no somos sólo nosotros dos, somos los 6 tocando. Cuando hacemos una canción tiene que tener la línea y la seriedad que pretendemos, queremos que la gente nos escuche por la música, no por el video clip o por la foto o por los “me gusta” de Facebook. Trabajamos para que las canciones estén buenas, nada más.

¿Y con respecto al rumbo musical? Porque a priori uno puede notar influencias del post hardcore. 

E: Somos muy abiertos, escuchamos de todo y agarramos un poco de todo eso que nos gusta. Tratamos de darle contenido, cada tema tiene que tener alma, ser el mejor.

I: Es que en realidad no hay rumbo. Yo vengo de escuchar metal, Ema del punk, los pibes escuchan reggae, Pastoral, Meshuggah. Al principio decíamos que éramos rock progresivo experimental, qué se yo. Somos una banda de rock, que nos gustan los temas largos, con muchas partes y que en el medio haya una canción. Progresivos porque hay muchos cambios de ritmo, experimental porque tiramos ruiditos [risas].

La banda tiene casi 10 años, ¿qué lecciones han aprendido en todo este tiempo con la música? 

I: Hemos pasado muchas cosas, no me alcanzaría el tiempo para contarte. Aprendimos que si queremos tocar, invitamos a la gente que queremos, vamos y armamos la fecha. Creemos que las canciones que hacemos nos gustan y valen la pena, y muy poca gente nos dio una mano y se nos acercó con algo serio, como nuestra música. Está bien, es un capricho nuestro tocar, pero sabemos que estamos solos y vamos a morir solos. Nos hemos portado muy bien con mucha gente y eso nunca volvió. Pero está todo bien, porque estamos en nuestro viaje. No nos llenamos la boca hablando del amor, la amistad y el respeto, nosotros lo hacemos. No tenemos ni prensa ni publicidad, toda la gente que está hoy acá es porque nos conoce, no llamé a la radio para que me pasen ni para vender entradas.

Están llevando adelante un ciclo de recitales que se llama “Ciclo No Nómade”, ¿cómo surgió eso?

I: En un momento empezamos a armar fechas y dijimos “¿y si le ponemos un nombre?”. Hemos organizado varios y a veces no tocamos nosotros. Lo producimos con Mariano Raccio, que también nos ayuda en el managment de la banda. Si vos sacás fotos, hacés dibujos, si no te metés en una movida más careta, no hay cabida en esta ciudad. Por lo general exponen pibes que vienen a vernos o que nos conocen y tienen su espacio, eso está re bueno.

E: Tratamos que haya una buena calidad de bandas, exposiciones, cosas para que la gente la pase bien. Lo hacemos porque nos gusta.

I: La idea es hacerlo en donde podamos, el tema son los lugares, que te piden cosas imposibles. Además, nosotros no tenemos prensa. Para bandas de nuestro calibre, no hay cabida. Tampoco nos creemos que somos la salvación del rock, ni a palos.


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 “No nos llenamos la boca hablando del amor, la amistad y el respeto, nosotros lo hacemos”.
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¿Piensan mantenerse de esta manera o no descartan en un futuro tener una estructura de prensa? 

I: Tenemos que hacer mil cosas antes de eso. Escuché a Litto Nebbia el otro día en la Rock and Pop que dijo “yo veo que las bandas de ahora están muy preocupados por la difusión de su material, cuando las de antes como Pescado Rabioso o Spinetta sólo se preocupaban por grabar discos y dejar música, nada más”. Ahora todo está todo enfocado en cómo te difundís, no importan las canciones que estás haciendo. A nosotros nos preocupa hacer buenas canciones, no tener 10.000 me gusta en Facebook.

¿Qué bandas van a ver? 

I: De pendejo iba a ver muchas bandas de afuera, ahora me chupó un huevo que haya venido Soundgarden y Metallica. En el Lollapalooza había 40.000 personas a las 3 de la tarde, lo estaba siguiendo por internet y decís ¿qué loco, no? Nosotros tocamos a las 9 de la noche y no vienen a vernos porque son las 9 de la noche. A nadie le dolió pagar 1 luca las entradas, y nosotros cobramos 40 pesos y te ponen “qué salada la entrada, eh”. Vamos a ver bandas amigas como Mapas y Mal Viaje, antes íbamos ver a Pez y a Humo del Cairo. A Pez lo conozco desde los 16 años, ahora tengo 30. Hay mucha influencia de ellos en la música de Proyecto Quasar.

¿Qué es lo que los mantiene juntos después de tanto tiempo?

I: La música, la pasión, no podemos dejar de tocar nuestras canciones. Hemos tenido peleas, discusiones, somos 6 en la banda, ¿entendés? Pero enchufamos los equipos y ahí está Proyecto Quasar. Nos preocupamos mucho por mantener una línea de laburo con la gente de convocamos o invitamos. Somos buenos pibes, no hay mala leche, estamos juntos hace muchos años.

E: Llegamos a conectar bien musicalmente, se fue dando todo como muy mágico. Es la formación que tenía que quedar, todos peleamos por lo mismo y hay que mantener eso.

I: Nuestro juego es creernos que somos una gran banda, pero en realidad no es un juego. Nosotros nos divertimos, en vez de ir a jugar al fútbol, nos vamos a la sala. La banda funciona y, para mi criterio, tenemos lindas canciones. Si tocamos para 30 personas, esa gente se tiene que ir con la cabeza prendida fuego. Flasheo que en 10 o 15 años vas a agarrar los primeros discos de Proyecto Quasar y vas a decir “mirá lo que hacían estos pibes” No es ni grandioso, ni es una mierda. Eso es lo que nos importa a nosotros, hacer buenas canciones y que los que nos escuchen se emocionen con ellas tanto como nosotros. Somos conscientes que nos respeta mucha gente pero no somos masivos, tampoco lo buscamos.

Cuando Proyecto Quasar no exista más, ¿qué va a decir en la lápida? 

I: Siempre soñé tener una banda y que la gente la respete por la música. ¿Se reirán porque somos una banda de culto, porque llevamos 150 personas y tocamos hace 30 años? No importa, vos poné los discos y después vemos qué te parece. Nosotros no buscamos a nadie, no posteamos en Facebook “mirame, escuchame”, lo nuestro es real. Somos una banda low-fi pero de la nueva era.

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Proyecto Quasar es: 
Emanuel Loyola: Voz y guitarra.
Ignacio Ponzone: Kaoss pad y teclado.
Lucas Fantini: Bajo.
Miguel Atencio: Voz y percusión.
Matias Zacarias : Percusión y accesorios.
Mariano Potichkin: Batería.
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#Foto 1 perteneciente al archivo de la banda.
#Foto 2 perteneciente a Hernán Krause y Rocío Oviedo.
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www.proyectoquasar.com.ar 
http://proyectoquasar.bandcamp.com 
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